Luis Pastor

 Que fue de los cantautores?

Éramos tan libertarios, casi revolucionarios

Ingenuos como valientes, barbilampiños sonrientes

Lo mejor de cada casa, oveja negra que pasa de seguir la tradición

Balando a contracorriente de la isla al continente, era la nueva canción

Éramos buena gente, paletos inteligentes

Barbudos estrafalarios, obreros chicos de barrio

Progres universitarios soñando en una canción

Y viviendo la utopía convencidos de que un día vendría la revolución

Aprendiendo a compartir la vida en una sonrisa

El cielo en una caricia, el beso en un calentón

Fuimos sembrando canciones en esta tierra baldía

Y floreció la poesía y llenamos los estadios

Y en muchas fiestas de barrio sonó nuestra melodía

Tardes y noches de gloria que cambiaron nuestra historia

Y este país de catetos, Fascistas de pelo en pecho

Curas y monjas serviles, grises y guardias civiles

Funcionarios con bigote y chusqueros de galón

Al servicio de una casta que controlaban tu pasta

Tu miedo y tu corazón

Patriotas de bandera, españoles de primera

De la España verdadera, aquella tan noble y fiera

Que a otra media asesinó. Brazo en alto y cara al Sol

Leales al movimiento, a la altura y al talento del pequeño dictador

Que fue caudillo de España por obra y gracia de Dios

Toreando en plaza ajena, todo cambió de repente

Los políticos al frente de comparsa al trovador

Se cambiaron las verdades, tanto vendes, tanto vales y llegó la transición

La democracia es la pera, cantautor a tus trincheras

Con corona de laurel y distintivos de honor

Pero no des más la lata, que tu verso no arrebata

Y tu tiempo ya pasó

¿Qué fue de los cantautores?

Preguntan con aire extraño cada cuatro o cinco años despistados periodistas

Que nos perdieron la pista y enterraron nuestra voz

Y así van para más de treinta con la pregunta de marras, tocándome los bemoles

Me tomen nota señores que no lo repito más

Algunos son diputados, presidentes, concejales, médicos y profesores

O ejerciendo asesoría en la sociedad de autores

Otros están y no cantan, otros cantan y no están

Los hay que se retiraron, algunos que ya murieron

Y otros que están por nacer

Jóvenes que son ahora también universitarios

Obreros chicos de barrio, que recorren la ciudad

Un CD debajo el brazo, la guitarra en bandolera

Diez euros en la cartera, cantando de bar en bar

O esos raperos poetas, que en sus panfletos denuncian

Otra realidad social

Y mujeres, ni se sabe

Y sobre todo si hablamos de las primeras gloriosas

Que tuvieron los ovarios y el coraje necesario

De subirse a un escenario de aquella España camposa

¿Qué fue de los cantautores?

Aquí me tienen Señores

Como en mis tiempos mejores dando el cante, que es lo mío

Y aunque en invierno haga frío, me queda la primavera

Un abril para la espera y un gran dola en el corazón

¿Qué fue de los cantautores?

Aquí me tienen señores

Aun vivito y coleando

Y en estos versos cantando nuestras verdades de ayer

Que salpican el presente y la mierda pestilente que trepa por nuestros pies

¿Qué fue de los cantautores?

¿De los muchos que empezamos? ¿de los pocos que quedamos?

¿De los que aun resistimos? ¿de los que no claudicamos?

Aquí seguimos, cada uno en su trinchera

Haciendo de la poesía nuestro pan de cada día

Siete vidas tiene el gato

Aunque no cace ratones

Hay cantautor para rato

Cantautor, a tus canciones

Zapatero a tus zapatos

Raimon

 Raimon, cantautor: “El fascismo no se ha ido. Sigue aquí. No lo hemos sabido parar”

El periodista Miquel Alberola publica el retrato más completo, humano y contextualizado sobre el artista que marcó el antifranquismo y despertó conciencias lingüísticas.

Dice Raimon que ya no tiene tiempo, que ahora el tiempo lo tiene a él. Quizá por ello, a los 85 años, prefiere el silencio y la calma. Sin añoranza de los días de camerino y rosas en el Olympia de París. Sin nostalgias de aquel gris Madrid del 68 que su voz vistió, por unas horas, de libertad. Sin melancolía por la Nova Cançó que él sacudió, cantando en catalán, en aquel concierto del 66 cercado por la policía en los aledaños del Institut Químic de Sarrià. Era su agitado mundo de ayer. Hoy busca el silencio y la quietud. Por eso minimiza las turbaciones que puedan azorar a este “vulnerable anciano —no venerable—” que cada mañana lidia con los tormentos de la edad. Maldita espalda. Punxa de temps.

Sin embargo, el mito sigue ahí: el del cantante más peligroso para el franquismo cuyas actuaciones iban acompañadas de prohibiciones, censuras, multas, detenciones, interrogatorios, visitas policiales con timbrazo en casa, informes secretos, altercados, cargas de porra y disparos al aire con heridos. Ese mito permanece anclado en el imaginario colectivo de varias generaciones de españoles que cantaron sus himnos bajo la llarga nit de la dictadura hasta que la democracia quiso fosilizar a su icono y depositarlo en el museo de la resistencia mientras la Movida y el Bakalao desleían el pasado y divertían al personal. Comenzaba la gran evasión; en ella no cabía Raimon.

Ahora, de la forma más extensa y mejor contextualizada que nunca se había acometido, aquel mito por fin adquiere contornos humanos en el retrato Raimon. Aquest jo que jo soc (Ara Llibres, sin traducción al castellano), escrito por el periodista Miquel Alberola. Y lo primero es que Raimon no siempre fue Raimon. Antes fue Ramón Pelegero, el chico de familia pobre que tocaba el flautín en una banda del pueblo y pinchaba discos en Radio Játiva. Luego fue el Pele, que acudía con becas a la universidad, soñaba con ejercer de profesor de Historia y cobraba 40 duros por cantar en la tasca Casa Pedro de València en aquella noche crucial del año 61 en la que el escritor Joan Fuster, su primer apoyo, quedó deslumbrado ante su grito cantado. Más adelante fue el Pancho. Así lo llamaban, porque les parecía mexicano, cuando a los 20 años llegó al Reino Unido para manejar una perforadora en la construcción de la autopista Londres-Bristol y, de ese modo, conocer mundo, aprender inglés y beber whisky escocés. Pelegero era el chico inquieto que viajó en autoestop hasta París, con mil pesetas en el bolsillo y las viandas de su madre en la tartera, para ver las luces de Sartre, Camus, Jacques Brel o Brassens y toparse con las sombras obreras de las banlieus.

Todos esos heterónimos concitó el chico del carrer Blanc antes de la definitiva metamorfosis en Raimon: el nombre que él mismo creó, de una forma improvisada, para actuar en Barcelona junto a Els Setge Jutges el 15 de diciembre del 62. Faltaban solo tres meses para que su primer disco, el epé amarillo con diseño de Jordi Fornas y atrevida fotografía de Oriol Maspons, llegara a las tiendas con cuatro temas: Al vent, La pedra, Som y A colps. Ya nada volvería a ser igual en su vida. Nota aquí.

Guyot & Toth

 

Ornella Vanoni

 Muere Ornella Vanoni, mito melancólico e irónico de la canción de autor italiana

La cantante, una de las grandes estrellas musicales de los años sesenta y setenta, ha fallecido a los 91 años en su casa de Milán.

La cantante italiana Ornella Vanoni, una de las grandes damas de la canción italiana, de voz sensual y melancólica, ha fallecido este viernes en su casa de Milán a los 91 años por una repentina parada cardiaca. Italia se ha visto envuelta en el pesar y, una vez más, en una gran nostalgia de sus mejores años. Era una de las más grandes, junto con Mina, que ahora queda como una de las últimas supervivientes de una época de oro, junto a Adriano Celentano y pocos más, cuando la música italiana desbordaba sus fronteras y creaba sus propios mitos.

Ornella Vanoni, con un carácter y una vida libérrima, de locuras, amores y rupturas, fue uno de esos mitos. Creó algunas de las más bellas canciones italianas, de hondura poco común, obras maestras y adultas de la música de autor de los años setenta, como L’appuntamento (La cita, con ese ruego desgarrado pero solo susurrado, “Amor, llega pronto, no resisto. / Si tú no llegas no existo”) o Domani è un altro giorno. Canciones apasionadas, escépticas, filosóficas y llenas de amor por la vida, todo al mismo tiempo. Banda sonora de la vida de varias generaciones.

Vanoni se ha mantenido activa y dando guerra hasta el final, siempre con un punto hedonista y desenfadado. El año pasado dio un concierto en las Termas de Caracalla, en Roma, sacó un disco y aparecía casi todas las semanas en un popular programa de televisión, Che tempo che fa, donde tenía una sección fija en la que no había guion. Simplemente se sentaba y decía lo que le daba la gana, entre la lucidez, la ironía y el surrealismo. Era un gran personaje y pocas personas daban más juego en una entrevista en los últimos años que ella, que con su lengua afilada e irónica no tenía problemas en hablar de nada, de lo que pensaba de cualquier cosa y contar su vida.

La suya fue una vida muy pública, porque desde muy pronto, por su talento, su belleza y su facilidad para meterse en líos, estuvo en el centro de atención de la prensa. Desde sus inicios con 19 años en el teatro milanés con el célebre director teatral Giorgio Strehler, su primer gran amor. Como cantante destacó muy rápido, por una voz elegante y sinuosa, y por su presencia escénica, con una belleza sofisticada y de fuerte personalidad. Su pelo, una melena de leona, unos rizos expansivos, fue una de sus señas de identidad. Nota aquí.

Festival de Cantautores

 

Enric Hernàez

 Fallece Enric Hernàez

El cantautor barcelonés Enric Hernàez ha muerto a los 68 años. Considerado uno de los nombres más personales de la generación posterior a la Nova Cançó, exploró con libertad estilos como el pop, el jazz, la bossa nova y el rock, así como la musicalización de poesía.

Este martes ha fallecido el cantautor Enric Hernàez a los 68 años. Nacido en Barcelona el 20 de mayo de 1957, desarrolló una carrera singular que combinó su propia escritura con la musicalización de textos poéticos y un firme compromiso con la lengua catalana. Su discografía, iniciada a comienzos de los años ochenta, incluye más de una docena de trabajos en catalán y dos en castellano, y abarca desde la canción de autor hasta incursiones en el pop y la música brasileña, en un trayecto estético marcado por la libertad y la búsqueda personal.

Hernàez debutó en 1972 junto a Miki Espuma con el dúo Somni. Sin embargo, su carrera en solitario no comenzó hasta 1980, cuando publicó un sencillo con las canciones Carme y T’he sorprès a mitja veu, producidas por Antoni Parera Fons. Aunque en un inicio fue vinculado a la Nova Cançó, pronto se apartó de sus coordenadas para explorar otros lenguajes musicales. Un viaje a Brasil resultó decisivo: la influencia de la música brasileña lo acompañó desde entonces y quedó plasmada en su primer LP, Una foguera de Sant Joan en ple gener (1984), al que siguió La tardor a Pekín (1985). Canciones como su versión de Ombra d’Anna, de Palau i Fabre, marcaron el inicio de una estética personal alejada de las etiquetas.

Después de una etapa de transición que incluyó los discos 7 PM (1986) y Gente (1987), este último en castellano, Hernàez publicó Arigató (1988), un trabajo que cerraba su primera etapa musical. En los años noventa continuó con álbumes como L’últim segon d’un gran somni (1990), Llunes del Passeig de Gràcia (1993) y Enric Hernàez i el Lotus Blau (1997), manteniéndose activo en el circuito de la canción catalana.

En paralelo a su actividad discográfica, participó en bandas sonoras —como Cucarachas! de Toni Mora— y en discos colectivos, como el homenaje a Neil Young Com un huracà (1996), donde versionó Alabama.

Su interés por la poesía dio lugar a trabajos centrados en la musicalización de versos: en Oh poetas salvajes (2000) puso música a textos de Mario Benedetti, Ángel González, Cristina Peri Rossi y Bernardo Atxaga, entre otros. En 2008 lanzó No t’oblido ni quan l’aspra nit s’obre, basado en poemas de David Castillo y con adaptaciones de Bob Dylan y Núria Martínez Vernis.

En 2010 celebró sus 30 años de carrera con el disco en directo 360 llunes, grabado en el Festival BarnaSants. La presentación del disco recibió el Premi BarnaSants 2011 a los mejores conciertos del festival. Nota aquí.

Erick Sánchez

 

Amparo Sánchez

 

Balta Cano

 

Paris Joel

 «Vengan las modas que vengan, el cantautor siempre ha estado ahí»

Con una extensa trayectoria como cantautor, Paris Joel se ha adentrado en los últimos años en la poesía. Y este sábado combinó ambas facetas en un recital en el centro sociocultural de O Graxal: intercaló canciones a guitarra y voz, con Tonu Leiro a la percusión, con poemas recitados de su último libro, ‘A tientas’

–¿Es muy distinto escribir poemas que canciones? ¿Le sale abordar otros temas?

–Es distinto según la forma que cada compositor tenga de hacer canciones, porque, en mi caso, a mí las canciones me salen primero con la música. Yo empiezo a juguetear con la guitarra, practicar armonías, acordes, y se me ocurre una digitación especial o una idea y la empiezo a desarrollar, pero con la música como base. Escribir poemas es distinto, porque es más inmediato, más automático, son sensaciones que vienen y es más fácil atraparlas solo con palabras. Hacer una canción es, para mí, más complejo, aunque la letra sea a lo mejor simple, requiere letra, armonía, estribillo, música, saberla tocar, saberla cantar... y total para que la gente lo escuche en 2 ó 3 minutos y ya está [ríe]. En cambio, un libro queda para siempre y un poema queda para siempre. Lo que pasa es que también las buenas canciones quedan para siempre y es algo que recordamos toda la vida.

–Incluso con alzhéimer.

–Incluso las personas mayores y con alzhéimer. Se pueden olvidar de lo que han comido ese día, pero la canción con la que se enamoraron no la olvidan jamás. Y te la pueden cantar de memoria e incluso bailar. He tocado en residencias de ancianos y he visto ancianos que no andaban, en silla de ruedas, y tocarles una canción y ponerse a bailar. Es algo increíble.

¿Ha musicado los poema?

Solo uno, un soneto.

¿Cómo se le dio por escribir poesía?

Llevo tres poemarios ya escritos. Yo creo que toda persona tiene que descubrir su parte poética. O esa parte que tiene oculta. Yo la descubrí sobre 2016 a raíz de una distimia prolongada, como una depresión, no tan fuerte pero más continuada en el tiempo, y fue [la poesía] como un escape, una liberación, una forma de expresar. Y descubrí que eso ayudaba. Pensé que eran unas cosas para consumo interno, pero consulté a la bibliotecaria del Ayuntamiento de Oleiros, le pedí opinión, si valía la pena, y me dijo que sí, que estaba muy bien, que debía publicarlo. Le hice caso y ya llevo tres poemarios. Es algo para riqueza espiritual, pura y simplemente. Y es algo bonito, lo tienes, perdura. Es una forma de expresión como otra cualquiera, sin más.

Cambian las modas en la música, los estilos más exitosos o comerciales. Pero, parece que los cantautores resisten bien. ¿Son ya como clásicos?

Yo creo que hemos resistido siempre. A pesar de los pesares, vengan las modas musicales que vengan, el cantautor siempre ha estado ahí. Es eterno. Fíjate en Bob Dylan, Y encima Premio Nobel de literatura haciendo canciones. Es el máximo cantautor en dos siglos, gran figura de la canción de autor tanto del siglo XX como del XXI. Y sigue haciendo canciones y muy buenas. Y los cantautores siguen ahí y yo creo que siempre estarán ahí, porque es algo innato en el ser humano. A pesar de ser minoría los que mueven estadios o coliseums, Serrat, Sabina, Silvio, etc., hay muchos que siguen y cada uno tiene su público. Y mientras haya amor por la poesía y la música, el sentimiento y la intimidad, yo creo que seguirán a pesar de las modas y modismos. Yo creo que eso va a seguir siempre. Como el teatro, que siempre se está muriendo y la gente sigue yendo al teatro.

Supongo que desde esa creencia recupera Sadautor tras una década.

El Sadautor es el triunfo de los humildes. No hay nadie a día de hoy que haga un festival con una cierta calidad y con presupuesto cero. Eso lo podemos hacer los que vivimos esto, los que tenemos esa pasión, esa ilusión, y aun encima somos amigos, la inmensa mayoría. Porque si no sería imposible. El Sadautor, de 10 ediciones, solamente contó con un apoyo institucional creo que en 5. Es a base de cariño, amistad, y por amor a lo que hacemos. Nota aquí.

Balta Cano

 

Sergio Méndes

 Adiós a Sergio Méndes

Activo desde los años sesenta, el músico fue una de las figuras fundamentales del samba-jazz.

El músico brasileño Sergio Mendes, considerado uno de los grandes exponentes mundiales de la samba-jazz, murió en Estados Unidos, California, a los 83 años. Según el comunicado oficial que difundió su familia, falleció a causa de un Covid prolongado que lo mantuvo internado en un hospital. En el escrito aseguran que “su esposa y compañera musical, Gracinha Leporace Mendes, estuvo a su lado, al igual que sus amados hijos”. Además, desde la difusión destacaron que el artista “actuó por última vez en noviembre de 2023 en foros con entradas agotadas y muy entusiastas en París, Londres y Barcelona.”

Su canción más conocida fue “Más que nada”, publicada en 1962 y escrita por el cantautor brasileño Jorge Ben. La pieza fue reversionada junto a Black Eyed Peas en 2022. La segunda edición fue usada por la Selección brasileña de fútbol para su Jogo Bonito. La banda estadounidense incluyó la adaptación moderna a su álbum Timeless: una composición producida por will.i.am y con la participación de Stevie Wonder y Justin Timberlake, entre otros. Nota aquí.

José Luis "Pepe" Guerra

 Adiós a José Luis "Pepe" Guerra, la mitad de Los Olimareños

De los dos, que a veces parecían uno, tal vez fue el más osado. Mientras Braulio López, el otro olimareño, jamás se desmarcó de la rica esencia del dúo, José Luis “Pepe” Guerra buscó otros caminos. Lo intentó, al menos. Bien entrado su exilio a causa de la dictadura uruguaya, por caso, se largó a cantar tangos, tal como consta en Conversando con el tango, disco publicado y bienvenido en España. Capeó luego la separación del dúo tras los albores de los '90 a través de discos como El que siembra su maíz, Corazón del sur, o Gardel, posta, posta, que no marcaron necesariamente una continuación estética con su pasado. Más bien, un modo de hacer autónomo de aquel. Hecho de tango, pero también de las variadísimas maneras que tenía de abordar milongas, candombes, chamarritas, o cuanto género criollo encarara. Guerra, que murió el jueves 13 a los 80 años, tenía hasta orgullos poco habituales en músicos de tierra adentro, como alegrarse de que le dijeran que era un Rolling Stone uruguayo. 

Indetenible será por ello -pese al cáncer que se lo acaba de llevar- la huella fuerte que dejó el otro gran “Pepe” del Uruguay en la memoria cancionera del Río de la Plata. Mucho más lo será, claro, por haber sido la otra parte de Los Olimareños, un dúo que supo grabar la friolera de casi 50 discos en 30 años. Y no cualquier cosa, claro. Sin la poderosa interpretación de “A Don José” –el Artigas estetizado por Rubén Lena que terminó legitimado como himno cultural uruguayo- probablemente buena parte del pueblo cisplatino, no podría retener en sus almas el componente moreno, indígena, que animó la gesta del gran Artigas. Sin “El orejano”, de Serafín García, que hacia el occidente del río propaló Cafrune, quizás el pueblo uruguayo se hubiese quedado sin su Martín Fierro. Sin la poderosa interpretación de “Los dos gallos” –por completar una tríada contundente- hubiese menguado un canto de rebeldía esencial, en tiempos grises.

Si el “Pepe” y Braulio no hubiesen cantado estas piezas clave –y varias más-, tampoco la dictadura se hubiese ensañado con ellos al punto de exiliarlos, como a Zitarrosa y tantos otros, durante la noche de doce años que cubrió con su manto de espanto al país celeste. Algo habían hecho, pues, para que el Centenario de las mil batallas sucumbiera en personas, lágrimas y emociones, durante el retorno del dúo al país, en 1984. “Ya con eso me alcanza. Me río de la muerte”, había dicho justamente Guerra, cuando Uruguay se rindió a sus pies. Nota aquí. aquí.

Camino Surel

 

Jonathan Pocoví

 

Pablo Drexler

 pablopablo, músico y productor: “Me parece sano mantener una distancia entre tu personaje ‘online’ y tú”

Hijo de los artistas Ana Laan y Jorge Drexler, su fama ha llegado de la mano de C. Tangana con el que ha colaborado en varios temas además de haber participado en la gira ‘El madrileño’

Pablo Drexler (Madrid, 26 años), más conocido como pablopablo, es músico y productor. Es hijo de los artistas Ana Laan y Jorge Drexler, pero su fama ha llegado de la mano de C. Tangana con el que ha colaborado en varios temas además de haber participado en la gira El madrileño. En 2022 publicó su primer álbum pablopablo y hace unas semanas estrenaba Sidekick, junto al músico Guitarricadelafuente, un adelanto de lo que será su próximo disco.

Pregunta. En su anterior álbum, pablopablo, no hay ni una canción alegre.

Respuesta. Sí, es un poco bajón. De hecho, el siguiente disco tiene un poco más de energía. Aunque se lo mostré a unas personas y una me preguntó: oye Pablo ¿estás bien? ¿Cómo estás?. Escribo esas canciones, me saco lo triste de encima y luego estoy bien. Para mí la música tiene algo de eso.

P. Ha tardado 2 años en publicar un nuevo disco ¿Cree que todo el mundo puede permitirse ese tiempo?

R. No, la verdad que no. Tengo mucha suerte porque he trabajado mucho produciendo cosas para otra gente. Así es como subsistía y luego tenía tiempo para hacer lo mío. Pero, a ver, casi nadie se puede permitir ser músico. Punto.

P. ¿Le ha influido en la composición el haber participado en la gira de El madrileño de C. Tangana?

R. Me ha influido muchísimo. Le mostré varias canciones que eran muy electrónicas y una con guitarra, un tema que se llama Despierta, y dijo: “Esto. Por ahí hay algo muy bueno”. Y volví hacia lo clásico, hacia la canción clásica de los 60, de los 50, a la canción antigua mexicana, José Alfredo...

P. En octubre de 2023 se estrenó Esta ambición desmedida, el documental en el que Tangana cuenta que perdió mucho dinero haciendo esa gira. ¿Le pagó?

R. Sí, sí. Pagaban muy bien. Creo que logísticamente debió de haber sido un infierno. Pero Pucho nos hizo sentir que vivíamos como reyes. Teníamos hoteles increíbles. Él ha entendido algo muy bien: vale mucho más que todo el mundo esté súper motivado y súper venido arriba y que el producto final sea increíble, que ahorrar un poquito más. A él le entra muchísimo dinero y todo lo conduce hacia su arte. En esa gira vivimos muy bien. Nota aquí.

JAF

 

Tracy Chapman

El enigma de Tracy Chapman: la estrella que huyó de la fama vuelve a triunfar más de 30 años después

La inesperada aparición de la cantautora en los recientes premios Grammy ha disparado las reproducciones de su mayor clásico, ‘Fast Car’. Pero la artista, que se convirtió en una de las mujeres más famosas del planeta a finales de los 80, lleva décadas huyendo del foco mediático que ha vuelto a rendirle pleitesía.

36 años después de su lanzamiento, Fast Car ha alcanzado por fin el primer puesto en las listas de éxitos. La imperecedera balada folk de Tracy Chapman, sobre los estragos de una pareja para salir de la pobreza y encontrar una vida mejor, ha aumentado sus reproducciones en un 241% –según datos publicados por Billboard– gracias a la repercusión obtenida por su aparición en la gala de los premios Grammy. Ni Miley Cyrus ni Taylor Swift, dos de las grandes triunfadoras de la noche, consiguieron opacar el impacto que tuvo el regreso de Chapman, de 59 años, alejada desde hace tiempo de la vida pública y cuya presencia no había sido anunciada. “Cuando aceptó a venir pensábamos que era demasiado bueno para ser verdad”, confesaba el productor ejecutivo de la gala, Ben Winston, a la revista Rolling Stone. Pero la artista, con más de 30 millones de discos vendidos en todo el mundo, quiso acompañar sobre el escenario al joven Luke Combs, que el pasado año lanzó una versión en clave country para presentar este himno a una nueva generación y renovar la curiosidad por la enigmática autora.

Ryan Dombal, crítico musical de Pitchfork explica a S Moda que “cualquier persona que haya soñado con dejar su pasado en el espejo retrovisor y aspirar a una vida más plena puede identificarse con Fast Car. Mientras haya gente luchando por llegar a final de mes con las probabilidades en su contra, allí estará la canción para dar consuelo, como una vieja amiga”. La sencillez de los arreglos e instrumentación acentúan la atemporalidad de un tema versionado hasta la extenuación y que ha sido calificado por los expertos como el más idóneo para probar el rendimiento de los auriculares por su rango de frecuencias y la calidad de su grabación.

A pesar de ser muy respetada en el negocio musical, Chapman, que sacó su último álbum de estudio en 2008, apenas se ha dejado ver en un par de eventos en la última década, erigiéndose en una de las personalidades más elusivas de la industria. De ahí la excepcionalidad de su presencia en los premios Grammy. “Estar en el ojo público y bajo la luz de los focos ha sido y es incómodo para mí, soy un poco tímida (…) Quizá no sea la persona más ideal para este tipo de trabajo”, explicó en una entrevista con The Irish Times en 2015, una de las últimas ofrecidas hasta la fecha. Nota aquí.

Nena Daconte

 

Santiago Auserón

“Cuba tiene que revolucionarse otra vez. El régimen es insostenible”

El músico, líder de la extinta Radio Futura y doctor en Filosofía, estrena documental y reflexiona sobre el éxito, la independencia y las canciones de algoritmo.

Santiago Auserón (Zaragoza, 69 años) acaba de mostrar en la Seminci de Valladolid, fuera de concurso, el documental La semilla del Son (en cines el 10 de noviembre), en el que se entrevista con músicos cubanos para “salvar la música y sones más antiguos”, una investigación en la que ha invertido tres décadas. El rodaje les pilló en plena pandemia y algunos de los protagonistas murieron poco después por coronavirus. El líder de la extinta y exitosa Radio Futura, reencarnado posteriormente en Juan Perro, parece haberse prohibido la nostalgia y sigue explorando. En 2015, a los 61, se doctoró en Filosofía con la tesis Música en los fundamentos del logos.

Pregunta. Hay decenas de artículos sobre usted, de diferentes años, titulados igual: “Santiago Auserón se reinventa”. Y curiosamente… ¿Qué es la Academia Nocturna?

Respuesta. (Ríe). Sí. Tengo una especie de desasosiego interno, si no estoy aprendiendo algo, me siento mal. La Academia Nocturna es un taller itinerante de músicos que me rodean, de un altísimo nivel. Yo no estudié música, sino filosofía, y ellos me obligan a hacer deberes. Además, de estudiante estaba siempre en el turno nocturno, porque empecé a trabajar a los 15 años de delineante, así que el nombre también es un pequeño homenaje al pupitre de la clase trabajadora. Nota aquí.