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Alejandro Sanz en Barcelona: el eterno triunfo
El cantante tiró de clásicos e impuso en el RCDE Stadium su argumento central, él mismo.
Uno de los aspectos que nos gustan de los ritmos binarios –los más extendidos por propios del rock o del pop entre otros muchos estilos- es que nos hacen disfrutar por partida doble, al anticipar el acento rítmico, esperándolo, y cuando éste resuena y cumplimenta nuestras expectativas. Las certezas ayudan a orientarse y hacer la vida menos extraviada. Alejandro Sanz es una de esas certezas; desde hace años edita discos que dan lugar a giras que realiza con regularidad. ¿Necesita publicar discos para girar? En absoluto, los necesita porque es músico y los músicos, como los demás artistas, renuevan soy hoy con lo que será el ayer de su mañana en un gesto de vitalidad creativa y de supervivencia artística. Ello aunque la memoria cuente, y mucho. El último disco de Sanz apenas asomó el morrito en su repertorio: 4 de 22 canciones, las mismas que interpretó de Más, su disco más popular, y una más de otros álbumes también con memoria a cuestas como 3, El alma al aire o No es lo mismo. Es lo que se sabe que va a pasar y se anticipa, y llegado el concierto ocurre con Alejandro desempeñando su papel como siempre. Parece que el tiempo respeta sus gestos, sonrisas y ademanes, algo que se vive como si por extensión respetase a todo el mundo. ¿Qué más pedir?
Las 34.000 personas que lo vieron en el RCDE Stadium salieron encantadas, y eso que el concierto no cogió velocidad hasta mediado su recorrido. La primera mitad tuvo al público entregado pero sentado en las gradas, exceptuando su participación en Mi soledad y yo, cantada por las seguidoras, mayoritarias, como si fuese una historia vivida en primera persona. Pinchó hueso Alejandro antes, recuperando del mismo disco (año 1995) Por bandera, y eso que enarboló una senyera y también una bandera de Venezuela, cuya tragedia estuvo muy presente en todo el recital. Aún con todo, la actuación no tomaba aire, no acababa de despegar, tal y como patentó la interpretación de El vino de tu boca, en la que Sanz no consiguió implicar al público en el canto de sus estrofas. La bailable Try To Save Your Song se antojó un entremés para la banda con Alejandro fuera de escena y Quisiera ser fue el último eslabón de esa cadena de canciones que había comenzado casi una hora antes. Llegaba el momento de volar. Vino dado por los acentos tumbaos y flamencos de Hoy no me siento bien y Regálame la silla donde te esperé, seguida por un Amiga mía en la que entrelazaron sus manos dos desconocidas que a partir de ahí se hicieron amigas de grada para lo que restó de la actuación. No debieron ser las únicas. Microhistorias de los conciertos. Y por fin las sillas fueron decoración con Deja que te bese y el estadio fue voz femenina coreando el estribillo, y ya se alternó hasta el final el baile en pie o el suave balanceo de los cuerpos mecidos por los medios tiempos y baladas de Alejandro, que mantuvo el pulso al alza del recital hasta la final Corazón Partío.
Amén del repertorio, el gran argumento de Alejandro es él mismo, esa mirada chispeante de pillo, esa capacidad para dialogar con la audiencia en tono jocoso y comprensivo y su habilidad para unificar sin estrépito lugares comunes mil veces escuchados…”de pequeño soñaba con esto”…”siento una cosita que me dice que esta noche será especial”...”Barcelona es muy bonita” etc, con otros improvisados que manifiestan su humor e ironía “esta noche en el Mundial dan un fabuloso Armenia-Jordania, ¿lo estáis siguiendo? “ o las bromas que se trajo con Txell Sust, la cantante de Mataró que ha sido una de sus históricas coristas y que, abandonada la banda, ayer actuó de manera especial al estar la gira cerca de su casa. Con ella habló de calçots y de fuet en unas analogías que no precisan mucha explicación, como tampoco las muestras que se dieron de verdadero cariño. Ese es Sanz, metiéndose de lleno en el jardín de si la música ha de ser compromiso o evasión para apostar por lo segundo con la suya, citando a Jesús Quintero para decir que una canción no para un tanque pero sí puede parar el corazón de un tanquista, algo que seguro enternece al enemigo. Reivindicó a los gitanos enarbolando su bandera, agradeciendo lo que ellos le han prestado a su música, a toda la música, sacando a escena a Juanito Carmona, y ya en la configuración de su grupo siguió apostando por la presencia femenina dando el corazón rítmico del grupo a tres mujeres, encargadas de instrumentos de rancio abolengo masculino como la batería, el bajo y la percusión.
No es lo mismo fue la penúltima canción antes de los bises, y se pudo pensar que nada es lo mismo aunque haya cosas que lo parezcan. Sin ir más lejos un concierto de Alejandro Sanz, anoche tocado con una gorra con la visera hacia atrás, lo que acentuaba su aspecto juvenil. Señoras que teñían la edad de las muchas jóvenes allí presentes cuando Alejandro comenzaba, todas ellas reunidas de nuevo ante el romántico que no azucara en excesos sus baladas, expuestas con esa voz de arena que no raspa. Tocó sólo él al piano ¿Lo ves? y el estadio se licuó en suspiros. El romanticismo no muere con los años. Fue una imagen esperanzadora, como hermosa lo fue otra antes del inicio del recital, con toda la pista moteada por el frágil aleteo de centenares de abanicos que parecían miles de mariposas suspendidas en el calor. Al final fueron las linternas encendidas en ¿Y si fuera ella? las que volaron en la oscuridad. Alejando volverá, y no será lo mismo, pero casi. Nota aquí.
Cuba vuelve a quedarse sin internet
En la biblioteca de Martín Caparrós:
“Tras la ELA, proyecto mis libros en la pared y me siento el rey del mundo”
El escritor ha reinventado su forma de leer en casa eliminando los libros físicos para manejar toda su biblioteca con un dedo
Desde hace un tiempo, la biblioteca de Martín Caparros es una pantalla. En su ordenador portátil selecciona sus lecturas y proyecta las páginas en la pared. Páginas que miden dos metros de ancho por uno de alto, que le permiten recostarse en el sofá y sentirse “el rey del mundo” mientras lee. La enfermedad de ELA que padece ha acelerado la digitalización de toda su biblioteca: “Casi no leo en papel. Tendría que sostener el libro y no puedo”. Ahí están todos sus libros. No los tiene contados, pero con un solo dedo mueve el cursor que navega por un scroll infinito que recorre ensayos, biografías o novelas.
Su vida de trotamundos entrometido —o curioso nada más—, hizo que Caparrós nunca fuera de arrastrar libros de un lugar a otro. “Tuve varias bibliotecas, pero cada vez que me fui de uno de los lugares donde vivía, dejaba la mayoría de los libros porque nunca quise viajar con maletas”, explica desde su luminosa casa en Madrid. Ahora, sin embargo, piensa que ”guardar una biblioteca es imaginarse que uno puede vivir su vida de nuevo ligeramente mejor. Es como una especie de optimismo bobo de que todo está ahí para ser hecho nuevamente".
No todo lo que lee lo proyecta cual estreno de cine en sus muros. A veces le basta con hacerlo en las 24 pulgadas de un ordenador instalado en su salón y adaptado para que pueda utilizarlo fácilmente. Ese nuevo formato digital, además, le proporciona otra ventaja: “La de no abrumar a nadie que me visite con los libros que tengo o con lo leído que soy. Viéndome en el ordenador pueden pensar que estoy jugando un videojuego, cuando en realidad estoy leyendo”, bromea, con su habitual sentido del humor, acentuado por ese bigote revolucionario y sus cejas en parábola.
Todavía guarda un único resquicio para algunos libros físicos, regalados por amigos o que le importaron lo suficiente como para conservarlos. Pero, reconoce, “son muy pocos, están en unas cajas del sótano” y no tiene “contacto con ellos”.
Caparrós contó que padecía la enfermedad como mejor sabe, escribiendo un libro de memorias que empieza con la demoledora frase: “Me dijeron que me voy a morir”. Lo hizo en octubre de 2024, con miedo, le dijo a Paco Cerdá en este diario, de “ser para los demás un moribundo”. “Por lo menos mientras no me sienta uno. No quiero esa piedad, ese disimulado espanto, esa tristeza que, imagino, recogeré cuando cuente que ya estoy condenado. Y además decirlo, imagino, lo hará tanto más real, tanto más cierto“, explicó.
Ya entonces acusaba algunos de los síntomas de la enfermedad degenerativa —las debilidad, los problemas motores, la atrofia muscular...— y la silla que lo ayuda a moverse por la vida llevaba tiempo siendo su inevitable compañera: “Ya me cuesta lavarme la cara o llevarme a la boca la comida, subir a la cama es un deporte olímpico, darme media vuelta en ella un buen recuerdo, pero sigo pudiendo escribir”, dijo en aquel momento. Nota aquí.
Daniel Melingo, fundador de Los Twist y referente del tango, murió a los 68 años
El músico, con una extensa carrera que abarcó cuatro décadas, falleció en su casa. Hace diez días se publicó su última entrevista con Teleshow, en la que habló de sus nuevos proyectos.
Daniel Melingo, cofundador de Los Twist y una de las figuras más singulares del rock y el tango argentinos, murió este martes en su departamento de la calle Estomba, en el barrio porteño de Chacarita. Tenía 68 años. Fue su hijo quien lo encontró sin vida. El músico atravesaba una enfermedad respiratoria que lo había llevado a recibir cuidados paliativos en su domicilio.
El deceso fue confirmado por su manager, Olga Castreno, y Pelo Music: “Lamentablemente ha fallecido Melingo, un terrible pérdida de un músico increíble. Su brillante obra nos atravesó el Rock, el Tango y la música popular durante más de 4 décadas. Abrazamos a la familia”.
Apenas 20 días antes de su muerte, Melingo había concedido una extensa entrevista a Teleshow, publicada el 20 de junio, en la que habló de sus proyectos en marcha: la presentación del álbum Tangos bajos (Rework) en el Teatro Coliseo el próximo 21 de septiembre, un documental sobre las raíces africanas de la música popular argentina y el lanzamiento de su propio vino Malbec. Nada anticipaba un desenlace tan próximo. En esa charla, desmintió con energía el equívoco que lo persiguió toda su vida: que del rock había pasado al tango. “¡Es al revés! ¡Antes que de la cuna! ¡Mi vieja cantaba tangos conmigo en la panza!”, le dijo a este medio.
Alejandro Daniel Melingo nació el 22 de octubre de 1957 en Buenos Aires. Su niñez transcurrió entre los barrios de Balvanera y Parque Patricios, y su vínculo con la música fue temprano: su padrastro era manager del legendario cantor Edmundo Rivero, y su abuela paterna había sido cantante en el teatro alla Scala de Milán. Estudió guitarra clásica y clarinete en el Conservatorio Nacional de Música Carlos López Buchardo y completó su formación en el Conservatorio Municipal Manuel de Falla y en la Universidad Católica Argentina, donde cursó armonía, composición, etnomusicología y música contemporánea. Nota aquí.
La conexión aragonesa de Leiva que sale a la luz en un concierto en el que batió su récord: "Pensaba que no iba a venir ni Dios"
El artista ha confesado que su madre es "maña" y que parte de su familia también en un directo en el que se ha mostrado muy cómodo.
Desde que ha salido al escenario del Ibercaja Estadio en Zaragoza, a Leiva se le ha notado especialmente emocionado y muy pronto se ha desvelado el porqué, concretamente, cuando el madrileño le ha dirigido las primeras palabras al público: "¿Qué ha pasado hoy aquí?Buenísimas noches a Zaragoza, qué privilegio y que honor", ha dicho el artista.
"Es difícil normalizar esto como si pareciera que lo hacemos cada fin de semana. Hoy es el récord de mi vida de público fuera de Madrid en mi historia", ha clamado ante la algarabía popular del público zaragozano que ha sentido el dato como muy suyo. "Por eso, cuando sea mayor me voy a acordar siempre de este día", ha afirmado con rotundidad antes de desvelar un dato poco conocido hasta ahora: "Mi madre es maña, así que yo soy un poco de aquí y el cariño es de ida y vuelta, por eso creo que hemos podido llenar esto hoy. Estoy superemocionado", ha señalado.
"No iba a venir ni Dios"
"Hace unos meses tocamos en un sitio (el Príncipe Felipe) que ya era muy grande y que por eso mismo nunca se lo propuse yo a la oficina, y lo hicimos. Una semana antes de aquel día decidimos hacer un fin de diez 'shows' y a mí siempre me hace mucha ilusión tocar aquí, pero yo pensé que no lo iba a proponer porque no iba a venir ni Dios si ya me habían visto hace nada", ha confesado.
Y fue, precisamente de Zaragoza, ya que el que dirige la gira es el aragonés Sergio Vinadé el que le hizo cambiar de idea: "Él insistió en que habría gente que querría vernos de nuevo. Un aplauso para él, creador del mítico El fantasma de los ojos azules, y un núcleo de cultura", ha querido remarcar Leiva, que ha querido terminar esta alocución agradeciendo a todo el mundo su presencia: "Sé el esfuerzo que os supone poder estar aquí así que vamos a intentar estar a la altura con pasión, honestidad y amor, lo vamos a intentar". Nota aquí.
Cecilia, equilibrista de la tercera vía
Entre el modelo cantautoril y el pop comercial, una rara artista que supo evolucionar en el franquismo crepuscular.
Hay libros cuyo contenido supera lo enunciado en su título. La reedición ampliada de Equilibrista. La vida de Cecilia (Efe Eme) pone al día lo sugerido en su primera aparición, a través de la librería Ocho y Medio. Y nos recuerda de pasada el telón de fondo: el polarizado ambiente musical en la España de los primeros setenta, radicalizada entre los practicantes del rock —una tropa tan enfurruñada que tendía a hacer música instrumental o cantada en inglés— y el mainstream del pop nacional, dominado por los melódicos y las canciones-del-verano.
Extranjera hasta cierto punto, Cecilia no detectó lo inusual de su proyecto musical. Fruto de una educación cosmopolita, con un padre diplomático, se presentó en Madrid haciendo un folk internacional, aunque ciertamente fue encaminada por Julio Seijas y Nacho Sainz de Tejada, sus cómplices en el trío Expresión, y brevemente apadrinada por el zamorano Joaquín Díaz. Ella encarnaba una tercera vía, canciones muy personales pero con envolturas digeribles. Seguramente sin saberlo, conectaba con las propuestas de un Joan Baptista Humet o de Cánovas, Adolfo, Rodrigo y Guzmán. Evitó el malditismo de aquel supergrupo gracias a la tutela de Tomás Muñoz, capo de Discos CBS, la compañía más aggiornada del momento. Muñoz era un exquisito, pero no se fíen: hacía lo que fuera por vender, aceptando que Cecilia representara a TVE en un festival de la OTI, papelón que —lo cuenta el libro— ella representó con buen humor.
Y es que ella se debía desenvolver en un medio profesional muy conservador, trabajando incluso con Juan Carlos Calderón, potente compositor pero poco empático con los artistas. Recuerden, Calderón se retrataba como pianista de jazz pero fue degenerando hasta la categoría de músico de salón de hotel para acompañar a la vocalista Myriam Domínguez. Uno sospecha que Cecilia sabía mantener el tipo, incluso en el seno de una discográfica despótica que, sí, torció el morro cuando anunció su propósito de musicar a Ramón María del Valle-Inclán.
No era entonces fácil para una cantante-compositora pilotar su nave. Ni aquí ni fuera: muchas de sus referencias femeninas, como Janis Ian o Melanie, terminaron agostadas, aunque su querida Joni Mitchell sí mantuvo su estándar de investigación. La única competencia que tenía en España era Mari Trini, en una onda más francesa, o las guadianescas Vainica Doble. Alternaba Cecilia entre lo cursi —la historia de Un ramito de violetas hubiera encajado en los folletines de Corín Tellado— y las declaraciones rompedoras, como la crudísima Nada de nada. Con su buena educación, supo sortear las mordeduras de la censura: pudo colar Un millón de sueños como, ejem, su visión de la guerra civil en el Líbano. Al menos, eso explicó en su comparecencia ante el Tribunal de Orden Público. Lo de definirse como “equilibrista” demostraba su poder de previsión. Nota aquí.
Cómo es Salón 1923, el bar de cócteles oculto en la cima del Palacio Barolo que te transporta a los años 20
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Norberto Jansenson presenta un homenaje especial a René Lavand: “Es la primera vez que me animo”
En su paso por el estudio de Infobae en Vivo, el mago mostró algunos de sus trucos y contó cómo lo marcó el legado del gran ilusionista argentino.
Desde chico, Norberto Jansenson aprendió que la vida puede ser una aventura y también puede ser mágica. Esa intuición lo guió desde Villa Crespo, donde empezó a jugar con trucos a los siete años, hasta convertirse en uno de los magos más reconocidos del país. Jansenson hizo de la magia una forma de vida, de trabajo y de viaje: animó cumpleaños, eventos, escenarios televisivos y teatrales, y hoy lleva su arte por el mundo, recorriendo cruceros y volviendo, cada tanto, a sorprender al público argentino. En el estudio de Infobae a las 9 (Infobae en Vivo), se sentó a recordar cuatro décadas dedicadas al asombro.
Apenas saluda frente a las cámaras, Jansenson agradece la bienvenida y el clima del estudio, y se detiene en uno de sus viejos dilemas: “Toda la vida cuando alguien me decía: ‘¿Cómo te promocionamos? ¿Cómo te vendemos? ¿Cómo va a ser el póster?’ Yo decía: ‘De la forma que quieras, pero no pongas conejos, ni cartas, ni palomas’”. Pero hoy, sonríe, cambió de opinión: “Cuando lo veo digo: ‘Es encantador’. Qué pena que… bueno, no sé. Hasta las palomas vuelan. Hoy lo haría así porque me parece espectacular. Así que gracias”.
El rechazo a los animales en escena tiene sus motivos. “Ya veía venir algo que hoy es natural en el mundo: no es una muy buena imagen hacer magia con animales. Nosotros sabemos lo cuidados que están. En general los magos trataban a los animales mejor que a los miembros de su familia, pero el público no lo sabe. Ve salir una paloma de un lugar imposible y piensa: ‘Pobrecita, ¿dónde habrá estado?’“, comenta el especialista. Y explaya: ”Es difícil explicar en medio del show que la paloma está bárbara. Mejor sin ella”.
El cambio, cuenta Jansenson, tiene que ver con la nueva sensibilidad de sus seguidores. “El público objetó todo un día, porque hoy la gente es protagonista. Está bueno que la gente pueda responder y ser parte, aunque también hay quienes se dedican a discutir todo lo que sucede. Yo prefiero que se pueda”, comentó.
La charla se vuelve íntima y lúdica cuando Cecilia Boufflet le recuerda un truco que la dejó pensando durante años: aquel en el que cada espectador dejaba una pregunta en un cofre y, de alguna manera, cada una recibía respuesta. Jansenson revela: “Fue una de las cosas más impactantes que hice. No pude volver a hacerlo tan fácilmente, porque era una técnica muy compleja que dependía de muchas cosas que tenían que pasar al mismo tiempo en el lugar. No en todos los lugares, no todas las veces se puede hacer algo así”.
El recorrido por sus inicios incluye Las manos mágicas, un corto de televisión de los años setenta y ochenta. “El primer truco que aprendí fue ahí. No había VHS, así que cuando ibas a buscar los elementos, el programa ya había terminado“, recordó Jansenson. ”Después me regalaron la caja de magia de setenta y cinco trucos con instrucciones que eran grandes como una servilleta. Y un día, un amigo de mi papá me regaló mis dos primeros trucos de verdad: la bolsa y el huevo de madera y un vaso de leche que desaparecía en una revista. Esos fueron mis dos trucos profesionales del bazar yankee”, completó.
Jansenson sostuvo que “todos venimos al mundo enamorados de la magia”, pero que en algún momento “nos educan y nos hacen alejar de la magia y dejar de ejercer nuestros poderes”. Cree que la intuición y la capacidad de asombro siguen ahí, esperando que uno quiera conectar. “Yo creo que nunca desconecté. Mis papás me dejaron seguir jugando. Y en algún momento me empezaron a salir pedidos para cumpleaños y eventos. Nunca fue mi deseo ser mago profesional, se fue dando y acá sigo estando todavía”. Nota aquí.
Hoy he querido subir una ilustración que nos invitara a recorrer toda una vida, a ser testigos del paso del tiempo, el avance de una sociedad, el miedo, la visibilidad, el amor y, sobre todo, el orgullo frente al odio, el señalamiento y la intolerancia.
Antonio López a los 90 años:
"Estoy enamorado de mi pueblo, pero no de Madrid. La vida me ha traído aquí, pero son cosas distintas"
El artista manchego, considerada una de las grandes figuras de la pintura contemporánea, siempre ha tenido una vinculación especial con la capital española, la cual ha retratado en multitud de ocasiones a lo largo de su extensa carrera.
o es Madrid el lugar de origen de Antonio López, pero sí aquel en el que aprendió a mirar. En él modeló el pintor parte de su talento además de su sensibilidad artística, ya que se convirtió en un territorio al que ha vuelto una y otra vez con la devoción de quien todavía encuentra algo nuevo interesante en lo que fijarse. "No sé si Madrid lo ha significado todo en mi carrera, pero sí mucho", concedió el pintor a nuestra cabecera en un reportaje en el que habló acerca de su vínculo con esta urbe que es para él fuente de inspiración inagotable.
Llegó a la capital española de adolescente para ingresar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde su Tomelloso natal, el rincón de Ciudad Real en el que aprendió a manejar los pinceles y al que no duda en regresar siempre que puede. "Estoy enamorado de mi pueblo, pero no de Madrid. La vida me ha traído aquí, pero son cosas distintas", afirmó.
Madrid ha sido una de las grandes protagonistas de la obra de Antonio López desde sus inicios. No como una ciudad monumental ni turística, sino como un espacio que cambia de piel constantemente. Ha pintado la Gran Vía vacía al amanecer, edificios suspendidos, azoteas en las que el tiempo parece detenerse y vistas panorámicas que convierten el caos urbano en algo sorprendentemente sereno. "Si te gusta lo que tiene que ver con las personas, el lugar donde viven..., eso es un documento excepcional. No sé si retrato rincones maravillosos, son los lugares que a mí me han parecido interesantes", explicó el manchego de ahora 90 años, quien tiene en su mirada una voluntad de fijar algo más profundo que la arquitectura.
"Tú puedes pintar una cosa que es horrible porque, simplemente, está cerca de ti, te parece interesante y quieres transmitir tu visión del mundo. En la historia de la pintura dentro del mundo de la figuración no han ido a las cosas hermosas", argumentó el que está considerado uno de los artistas españoles más admirados de las últimas décadas.
Esa relación íntima que Antonio López mantiene con Madrid le ha llevado a ser una figura inseparable de la identidad visual de la ciudad. Sus vistas urbanas de Gran Vía, Campo del Moro, Vallecas, la Puerta del Sol o Torres Blancas son ya parte de la memoria contemporánea colectiva. "Lo interesante para mí es mi mirada, traducirla desde la pintura, que todo lo cambia. El hecho de pintarlo, en vez de apretar el botón de una cámara fotográfica, estar delante del caballete, que se vaya uniendo la pintura..., todo eso lo aparta de la objetividad. Hay un espacio que ya no es objetivo, que es subjetivo, que tiene que ver conmigo, y la persona que lo contemple y entienda la pintura, lo va a notar", subrayó a Harper's Bazaar. Nota aquí.
Ten mucho cuidado con el éxito, porque te puede volver más tonto de lo que ya eres”
Este no es un año cualquiera para el escritor Fernando Aramburu (San Sebastián, 1959). Por lo pronto, se cumplen diez años de Patria, novela que se sumerge en el conflicto vasco e indaga en el modo en que la violencia etarra —a lo largo de los años e incluso más allá de los gestos estrictamente políticos— fue erosionando los lazos de toda una comunidad. Aramburu ya era un escritor con trayectoria, pero el lanzamiento de este libro lo catapultó a la escena internacional. Convertido en un éxito de ventas, Patria no solo cruzó las fronteras españolas (fue traducido a unos 30 idiomas), sino que también se prolongó en una serie impulsada por HBO España y hasta fue adaptado a la novela gráfica. Como parte de las celebraciones por el aniversario —le cuenta el escritor a LA NACION, durante una reciente visita a Buenos Aires —, se lanzará una edición especial y, en julio, en la ciudad vasca de Vitoria, habrá una exposición que reconstruirá lo ocurrido en torno al libro. “Ya cedí material, lo típico, cuadernos de anotaciones, algunos objetos”, describe.
