lunes, mayo 18, 2026
John Lennon
Steven Soderbergh resucita las últimas palabras de John Lennon
El cineasta ha recuperado y aportado imágenes, en un documental rematado con IA, a una entrevista radiofónica con el ‘exbeatle’ y Yoko Ono que se realizó la mañana de su asesinato.
El 8 de diciembre de 1980 John Lennon y Yoko Ono se sentaron a hablar con un pequeño equipo de la emisora de radio KFRC de San Francisco en su apartamento neoyorquino en el edificio Dakota. Era la única entrevista radiofónica que concedían por el lanzamiento, tres semanas antes, de su álbum Double Fantasy. Durante dos horas y 45 minutos hablaron con tranquilidad, optimismo y, en el caso de Lennon, desde un punto de vista casi mesiánico, de la vida. Ahora sabemos que esa noche, de vuelta a casa, Lennon sería asesinado a tiros por Mark David Chapman. Por eso, esa charla deviene en mensaje en una botella al futuro y así la ha trasladado en imágenes Steven Soderbergh en su documental John Lennon: The Last Interview, presentado en Cannes en una sesión especial.
Soderbergh no se anda con contemplaciones. Ya desde el título deja claro que sabe a lo que va el espectador. Y en el arranque destaca las palabras de Lennon sobre la canción (Just Like) Starting Over. Es un tema de cómo la pareja se reconcilió, después de unos años turbulentos, y celebra el renacimiento de su historia de amor. Navega entre la melancolía y el optimismo —un verso dice “Nadie tiene la culpa, sé que el tiempo vuela”—, aunque Lennon asegura que tiene una lectura ulterior: habla de la separación entre hombres y mujeres tras el auge feminista de principios de los setenta, y explica cómo pretendía que el mensaje de reconciliación se aplicara a hombres y mujeres en general. Soderbergh, que es el montador de todas sus películas, abre la puerta a que la emoción arrase con los corazones de los espectadores: el filme ha venido a honrar a Lennon.
Nunca se había accedido a toda la entrevista, porque tras el fallecimiento solo se emitieron extractos. Soderbergh ha contado con el apoyo de la familia Lennon, y ha basado la parte visual en material de archivo, reuniendo más de mil imágenes. Pero este enfoque chocaba con algunos límites. Lennon y Ono hablan de su relación, de la paternidad, del futuro y a veces reflexionan en términos abstractos. Esos momentos, el 10% de la película, se han ilustrado de manera no convencional. Soderbergh ha buscado el apoyo de su socio financiero Meta, el gigante de la tecnología que también copatrocina el festival de Cannes, para usar su MetaIA y experimentar lo que, en una entrevista en el medio Deadline, denomina “surrealismo temático”.
En esa entrevista, Soderbergh apunta que, tras chequear que el sonido de la charla estuviera en un buen estado (y así fue, porque la grabaron con el mejor material de la época), “quería respetar la cronología de la conversación porque había una estructura y un ritmo”. Primero editaron en audio. Luego incorporaron las entrevistas con los periodistas, quienes hablaban de su experiencia: el director musical de la radio Dave Sholin; la locutora Laurie Kaye y el ingeniero y productor Ron Hummel (el cuarto participante, Bert Keane, ejecutivo de Warner Bros. Records, falleció durante la producción del documental). Finalmente, organizado en capítulos, añadieron las imágenes de archivo y les quedaron los huecos filosóficos, ese 10% relleno con IA. “Nos reunimos con Sean Lennon y él confío en nosotros”.
Keane era la conexión entre la discográfica y los periodistas, seleccionados por el sello. Así que esa mañana de diciembre de 1980 fluye entre risas, tranquilidad (las ventas del álbum iban muy bien) y una ambición: la de la pareja por volver con fuerza a la música. Lennon, que había cumplido 40 años en octubre, reflexiona sobre sí mismo y su generación (“El grupo de los 60 que ha sobrevivido”) y asegura aportar sus ideas “no como predicador, ni como líder, sino como un reflejo de lo que todos sentimos”.
La entrevista se realiza justo después de una sesión mítica de fotos de Annie Leibovitz para Rolling Stone. Por eso, en un momento dado, solo sale Ono, mientras Lennon acaba con sus retratos. Es muy revelador para entender la química artística y sentimental entre ambos, que se subraya tiernamente cuando el exbeatle describe su encuentro en una exposición de la obra de la artista conceptual en Londres, y de cómo comenzó posteriormente a cortejarla. “Lo que realmente me sorprendió de la entrevista fue el entusiasmo con el que hablaban de todo”, cuenta Soderbergh. “Al escucharlos, uno pensaría que nunca antes habían sido entrevistados. No tenían ningún filtro. Simplemente improvisaban. Se puede percibir la intimidad de la habitación y de la conversación”.
No hay grandes descubrimientos en pantalla, porque queda claro que es la primera de una serie de entrevistas promocionales que iba a dar a más medios sobre el retorno de Lennon a la música. Double Fantasy fue el primer álbum de Lennon en cinco años, marcando el final del descanso que se había tomado desde 1975, cuando nació su hijo Sean. En ese momento, se convirtió en lo que él llamaba un “amo de casa”. En aquel momento, esta era una idea revolucionaria; pero al cumplir Sean los cinco años, se ve cómo le pone el desayuno “sin azúcar”, le deja ver en la tele Barrio Sésamo y cuando llega la niñera, los padres desaparecen hasta el día siguiente... algo que en la época era natural. Él habla de su experiencia como amo de casa, un viaje que ya ha abandonado. Hay un tono de jovialidad algo excesivo, y se acaba sospechando que está promocionando su felicidad para vender el álbum. Incluso el músico confiesa que le gusta “la música disco”. Nota aquí.
Rodolfo Serrano
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Leo y releo el libro de Miguel Ángel Yusta Postludio, editado con tanta delicadeza por Lastura Ediciones. Con un prólogo, pura poesía también, puro estilismo literario de Valentin Martin.
Hace ya cuatro años de su salida a la luz y sigue siendo un libro hermoso, actual, comprometido. Está el dolor de la guerra, la tristeza dulce de un adiós, la bellísima tristeza de un paseo entre los árboles de un parque, la desolación de un mundo que duele (qué rotundo, que grande ese poema que lo resume todo; “Creí que el dolor eras tú / Y es el mundo”).
Poesía eterna y de lo eterno, de Miguel Angel. Buscad el libro. Merece la pena repasar estos versos de una humanidad que conmueve, que te busca en los recuerdos del alma. Elijo dos, al azar:
Félix Maraña
TIEMPO DE METAVERSOS
Porque el tiempo no tiene ideología,
es algo que discurre lentamente
y acelera si encuentra inconveniente
para imponer también su jerarquía.
El tiempo dicta su morfología
a la historia del mundo y a la gente,
una forma, otra más, de estar presente
y guiar a quien ciego se extravía.
El tiempo tiene empeño y tiene acierto,
tiene equilibrio, leyes, directrices,
y ayuda a caminar al universo.
Dirige a quien precisa estar despierto,
cuida su mente, cura cicatrices
de un mundo que sufre el metaverso.
Julieta Venegas
“Es sano para los padres mexicanos que sus hijas los contradigan”
La cantautora tijuanense presenta su primer libro, ‘Norteña’, una memoria musical sobre los orígenes de su vocación que coincide con el lanzamiento de su nuevo álbum.
La música afloró antes que las palabras. Antes, también, de que tomara la decisión de volver. A Julieta Venegas la intuición le llegó con las canciones, que supieron ver antes que ella el dolor de la añoranza y las ganas del regreso. Después llegaron el disco, las palabras “quiero volver” y la mudanza. La compositora mexicana empacó su casa de Buenos Aires y desembarcó de nuevo en la Ciudad de México, la primera gran ciudad que la acogió cuando decidió salir, sin el apoyo de sus padres y con más ganas que certezas, de su Tijuana natal. “No sé si habría acabado componiendo canciones si no hubiese sido por el descubrimiento de la literatura. Creo que me convertí en compositora cuando empecé a ser lectora”, reflexiona ahora, desde una céntrica librería en la capital mexicana. Esos dos universos que han crecido siempre entrelazados en la vida de la cantautora se aprietan más si cabe el uno contra el otro en Norteña: el nombre de su primer libro, el de su nuevo álbum, el de su próxima gira. Su forma de regresar.
Norteña —el libro— es una memoria musical que rastrea los orígenes de una vocación que se ha abierto camino con instinto y determinación. Julieta Venegas se ha vuelto una detective de sí misma y ha indagado hasta encontrar el inicio de todo: su casa en Tijuana, allá en la frontera con Estados Unidos, donde “The Cure se llevaba bien con Juan Gabriel”; su primer piano, las primeras clases y una maestra que supo ver su talento y su voluntad antes de que fueran evidentes para los demás. “Sigo encontrándome con una Tijuana siempre transformada, siempre diferente. Hace unos años empezó a haber una comunidad haitiana y siempre surgen comunidades nuevas. Es una ciudad muy generosa, que recibe a mucha gente de brazos abiertos”, relata la artista —55 años y 10 Grammys a la espalda—, que también lamenta la escalada de la “crueldad” en el trato que reciben los migrantes a ambos lados de la línea.
Inspirada en esa frontera de la que nunca se fue del todo la cantautora ha compuesto un álbum como quien hace una “ensalada”. “No es un disco de música regional o tradicional, es mi lectura. Lo que yo sentía norteño lo metí, hice mi propio cóctel. Emocionalmente, todo lo que está en el disco me conecta con mi infancia”, explica. Ambos trabajos, el literario y el musical, se han cocinado a fuego lento, mientras la cantante imaginaba los paisajes (el desierto, el mar), pensaba los temas (la migración, la amistad) y se reconciliaba con su pasado. “Siempre he tenido una relación muy intensa con las palabras. Ya había hecho mucho taller de ensayo personal en la pandemia, que es el género que más me atrae por su cruce entre la memoria y la reflexión, pero siento que todavía tenía muchas cosas que trabajar y destrabar, con mi familia y conmigo misma”, reconstruye ahora. El libro le debe mucho a las sesiones de terapia.
La figura de su padre, estricto con las cosas del cuerpo, con la presencia de otros hombres, sobresale en un relato en el que la joven Venegas se va formando por oposición más que por afinidad. “Yo soy una suertuda, porque me ha tocado ver a mi papá cambiar. Haber crecido con un papá y ahora verlo convertido en un romántico que llora todo el día, que pide perdón, que es otra persona”, desarrolla. “Es sano para los padres mexicanos que sus hijas los contradigan”, se ríe.
A esa tarea se han empleado con devoción las autoras mexicanas contemporáneas —ella menciona a Alma Delia Murillo y a Iveth Luna Flores—, que han encontrado en la revisión de la figura paterna una forma de catarsis personal. Es, sin embargo, su madre, quien termina por validar su decisión de irse a perseguir su sueño, algo “importantísimo” que ayudó a que las cosas se acomodaran. También fue ella quien le sirvió de guía cuando entró en crisis, entre su segundo y su tercer disco, Bueninvento (2000) y Sí (2003). El cuarto, Limón y sal (2006), terminó de catapultarla. “En el fondo, quería hacer canciones que mi madre disfrutara”, confiesa en el libro. Una letra y una melodía que se defendieran solas, con la sencillez de una guitarra y una voz.
De esa crisis no queda nada. Hoy no se pregunta qué compositora quiere ser, sino más bien cómo repetir el proceso que ha vivido con su nuevo álbum. Cómo anclarse en las “historias”. “Si de algo me di cuenta con este disco, en que estaba leyendo sobre Baja California sin parar, obsesivamente, es de que quiero que todos mis proyectos vengan acompañados de una investigación”, reconoce. En esa inmersión influyó mucho su hermana gemela, la fotógrafa Yvonne Venegas, que se encontraba haciendo otro trabajo en este Estado del noroeste mexicano. “Conectamos mucho a través de su proyecto y siento que ella fue un disparador muy fuerte para empezar este que yo hice”, señala. Nota aquí.
Ramón Serrano
AMANECE EN CASA
Estoy en casa
¡qué bien se está en casa!
estoy en mi cueva
el sofá de siempre es mi mecedora y mi holganza
la atalaya de brumas y encantos
a flor del tacto
y de los vientos humanos
soy cáncer por los cuatro costados
fuego sentado
lanza y dardo
por fuera impera la ley de la selva
en mi estancia los sueños por la estepa campan
me siento bien acompañado
música y verso
y un cartapacio de vientos floreados
estoy en casa
rik rak rik rak
cierro puertas y abro ventanas
el sol baña mis predios
la Pireri trina su Pirekua de visillos de esperanza
rik rak rik rak
las nubes se levantan.
Cachorro López
“Siempre jugueteé con el riesgo un poquito nomás”
El talentoso argentino produce y compone para los artistas hispanos más importantes y ganó 15 Grammys. Formó parte de la mítica banda “Los abuelos de la nada” junto a Miguel Abuelo y a Andrés Calamaro, los años felices de experimentación y riesgos. “Tu misterioso alguien”, la canción que estuvo 20 años esperando ser escuchada y hoy es un hitazo. Por qué no va más a festivales ni a ver músicos a una cancha de fútbol. Dice que tiene un gusto vulgar y corriente y que le gusta la música sencilla.
Hay muy pocos productores musicales enormes, Cachorro es uno de ellos. Compone y produce para los más importantes artistas argentinos e hispanos desde la década del ‘80 hasta el día de hoy. Muchas de las canciones en español más exitosas llevan su firma. Tiene muchísimo talento y además tiene un don, dice que su don es ser empático y flexible. Para muchos músicos es un prócer. Formó junto a Miguel Abuelo la mítica banda “Los abuelos de la nada”.
– Sí, lo conocí a Miguel en en Ibiza y empezamos a fantasear con la idea de hacer un grupo. Después me fui a Inglaterra y él cayó preso, hubo varias aventuras. Volví a Buenos Aires a pasar Navidad con mi familia, fui a buscar a una novia de Miguel y le pedí plata para el pasaje. Miguel no tenía ni pasaporte. Había caído preso, lo deportaron a Francia, lo mandaron de vuelta a España, lo deportaron a Italia, lo mandaron a vuelta a España, lo deportaron a Portugal y entró como ilegal, sin pasaporte. Hasta que conseguimos un pasaporte que servía solamente para un viaje de vuelta y un pasaje.
En “Los Abuelos de la nada”, además de Miguel Abuelo y de Cachorro, estaban Andrés Calamaro, Daniel Melingo, Gustavo Bazterrica y Polo Corbella. Las canciones de la banda las conocen todas las generaciones, “Mil horas”, “Costumbres argentinas”, “Sin gamulán”, “Himno de mi corazón” “Así es el calor” y tantas más. Es difícil hoy atravesar varias décadas con las mismas canciones.
– No se sabe qué va a pasar con la música que se hace hoy dentro de 30 a 40 años. Va a haber tanta música que no van a entrar.
– ¿Cómo podés ser tan humilde? Dejás un sello único en la música.
– Siempre trabajé con gente muy talentosa. Fui también bastante afortunado en la gente que me fui cruzando en el camino.
“15 GRAMMYS. PERO NO ES QUE YO GANÉ SOLO ESOS GRAMMYS, PRODUJE ARTISTAS MUY BUENOS”
Cachorro ganó los premios más importantes de la industria, entre ellos el Grammy a mejor productor, y estuvo nominado además a los Grammys Latinos infinidad de veces.
– ¿Querés que diga algo de perfil alto? 15 Grammys. Producís un artista muy bueno, el disco llama mucho la atención y te llevas el premio también. No es que yo construí ese éxito ni que yo solo gané esos Grammys.
– Un productor es el que define el sonido, el que arma la canción. ¿Es como autor también, o no?
– Es un papel importante, pero a veces trabajas con talento que es explosivo y que va bien encaminado. Vos siempre ponés lo tuyo, pero es que siempre te lo echás al hombro.
– Algunos de los artistas con los que trabajaste, que produjiste. Julieta Venegas, Natalia Lafourcade, Miranda.
– Sí, muchísimo con Miranda.
– Diego Torres, Cristian Castro, Vicentico.
– Sí. Vicentico también, gran honor.
– Ahora Luz Gaggi. Zoe Gotusso.
– También, el anteaño.
– Paulina Rubio.
– Paulina Rubio, también.
– Enrique Iglesias.
– Le compuse una canción nomás. A Andrés Calamaro le produje un par. Y en España hice dice Ketama, Rosario Flores. Ahora tengo ganas de sacar el pie del acelerador y hacer un poco menos. Nota aquí.
domingo, mayo 17, 2026
Luis Fercán
Elena nos cuenta por Facebook.
Imágenes del bello concierto del pasado 15 de abril dentro del @festivalempremtes en #barcelona
Indio Solari
Indio Solari, honoris causa de la UBA
La UBA distinguió al artista en una ceremonia realizada en el Aula Magna de la Facultad de Ciencias Médicas que terminó con canciones a cargo de Gaspar Benegas y un octeto de cuerdas. Desde las pantallas, el Indio agradeció y cantó.
Al llegar al barrio de Recoleta, en la zona conocida popularmente como “Facultad de Medicina”, el olor a pólvora aún domina el ambiente. Aunque no es la única estela conmemorativa que dejaron los estudiantes que en el ocaso del viernes celebraron su graduación: rastros de harina, pintura y confeti dominan el paisaje. Algunos egresados rezagados lo aprovechan para tomarse una selfie. Mientras la fiesta terminó en la Plaza Houssay, en la vereda de en frente otra ceremonia, lo más parecido a una misa, está por comenzar. En la pantalla de leds erigida al lado de la cancha de voleibol se puede leer que a las 19:30 hs se realizará en el Aula Magna de la Facultad de Ciencias Médicas un acto en el que el Indio Solari recibirá su Doctorado Honoris Causa, acompañado por una foto del artista.
La calle Paraguay, entre las esquinas de Uriburu y Junín, se encontraba cerrada desde temprano por la policía. Si no fuera porque el otrora cantante de los Redonditos de Ricota y de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado está bajo vigilancia médica a causa de su parkinson, pareciera que hubieran armado un operativo para esperarlo. Y eso lo refuerza el equipo de seguridad que se plantó en el ingreso del edificio. Una vez que quedaron atrás los controles, la cosa va tomando una dimensión popular. En el ingreso al auditorio, que alberga a 900 personas, se puede ver al público cantando “La UBA no se vende” o “Universidad de los trabajadores”, a propósito de la cuarta marcha federal universitaria, realizada el martes. Mechado con “Vamos los Redondos” o “Soy redondo hasta que me muera”.
El pasado 19 de diciembre, la Universidad de Buenos Aires resolvió otorgar su máximo reconocimiento honorífico a Solari “en virtud de la originalidad de su obra, de su aporte a la cultura y al pensamiento crítico, y de su incidencia en la producción de sentidos colectivos que forman parte del patrimonio simbólico del país”. Entre los considerandos, el Consejo Superior de la casa de altos estudios, que en agosto de 2025 entregó la misma distinción a Charly García, postuló que el músico, a quien describió como una “figura central del rock argentino y latinoamericano” y una “personalidad destacada del arte y la cultura popular de nuestro país”, merecía semejante distinción a partir de diferentes hitos y aportes a la construcción de sentido artístico-político del país.
Media hora luego de lo pautado, tras la presentación de la conductora de la actividad, subieron al escenario el rector de la Universidad de Buenos Aires (UBA), Ricardo Gelpi, y el vicerrector, Emiliano Yacobitti, quienes presidieron el acto. No obstante, fue este último el encargado de realizar el elogio académico mediante un emocionante discurso. “Gracias a todos los que hicieron que esto sea posible. Obviamente, para muchos de los que estamos acá es una emoción difícil de explicar”, espetó en la introducción. “Hace treinta y pico de años, arrancó una conexión con este grupo de música. Todos saben lo que pasó, pero la formalidad de la UBA hoy me obliga a leer unas lecciones que armamos entre varios y que me parece que son justas y a tiempo”. Nota aquí.
Félix Maraña
LEÓN, NOMBRE PROPIO
Antes que en el mundo fuera
tuvo León por su gracia
la primera democracia
en aquella primavera,
con las leyes por bandera
del ente parlamentario,
haciéndose solidario
del tiempo de la esperanza.
Y fue la punta de lanza
del progreso necesario.
Antes que Castilla leyes,
León tuvo norma y fuero,
a vista del mundo entero,
exigiendo que sus reyes
sirvieran bien a sus greyes
con entregada nobleza.
Dignos por naturaleza
y siervos del bien común.
Y desde Astorga a Sahagún
sembraron la gentileza.
Un país como una pieza
de un tronco civilizado,
sin estorbar al de al lado
ni vivir con ligereza,
sin padecer la fiereza
del usurero vecino.
Libre en su propio camino
para obrar y disponer
de medios en su quehacer
para encontrar su destino.
sábado, mayo 16, 2026
" The Match "
Cannes celebra 40 años después el Argentina-Inglaterra: el partido que aunó épica, miserias, odios, política y algo de fútbol
El documental ‘The Match’ analiza el mítico encuentro del Mundial de México 1986, el del “mejor gol del siglo” y el metido con “la mano de dios”
Nunca ha habido, y es probable que nunca vuelva a haber, un partido de fútbol que comprima en sus 90 minutos de juego tanta tensión, pasión, miserias, guerra, talento, anécdotas, personajes míticos, curiosidades, política y afrentas y revanchas históricas como el Argentina-Inglaterra de cuartos de final del Mundial de fútbol de México, en 1986.
Es el enfrentamiento del gol de pillo de “la mano de Dios”, es decir, la de Maradona; el del otro tanto de la leyenda argentina, que es considerado uno de los mejores de la historia. Es el partido probablemente más analizado en el audiovisual y, sin embargo, hay decenas de historias que nunca se habían visto en la pantalla hasta el estreno este viernes en Cannes de The Match, de los argentinos Juan Cabral y Santiago Franco, un excepcional documental que se proyecta en la sección Cannes Premiere y que recorre casi 300 años de historia entre los dos países, incluida la Guerra de las Malvinas, y llega hasta el pitido final con el triunfo sudamericano por 2 a 1.
Cabral y Franco han usado como base el libro El partido, de Andrés Burgo, para, en el 40º aniversario del choque, desmenuzar en poco más de hora y media un enfrentamiento homérico. Como narradores, Gary Lineker y Jorge Valdano, estrellas de sus selecciones y dos exjugadores dotados de gran expresividad verbal. “Ambos tienen un talento para explicar lo que está pasando y lo que sienten proverbial. Poseen una cadencia al hablar que hace que te vayas dejando llevar. Y una enorme capacidad aún de verse años después y de entenderse”, explican en Cannes ambos directores.
Todo eso se condensa en el final, cuando Valdano lee, ante un emocionado Lineker que le abraza, el poema de Borges sobre dos soldados, uno inglés y otro argentino, muertos en la Guerra de las Malvinas: “Les tocó en suerte una época extraña [...] / Hubieran sido amigos, pero se vieron una sola vez cara a cara, en unas islas demasiado famosas, y cada uno de los dos fue Caín, y cada uno, Abel. / Los enterraron juntos. La nieve y la corrupción los conocen“.
Puede que también pudieran haber sido amigos los jugadores que se enfrentaron aquel día en el estadio Azteca. Para el documental se reunieron en Madrid Óscar Ruggeri, Julio Olarticoechea, Jorge Burruchaga y el mencionado Valdano, por el lado argentino; el portero Peter Shilton, la entonces efervescente estrella John Barnes y Lineker, por el inglés. Aparecen filmados en blanco y negro, viendo las imágenes en color del pasado. “En su momento todos dijeron: ‘Solo es fútbol, no política’. Sabían que era mentira”, apuntan los directores.
“Lo más fascinante es la cantidad de anécdotas, de intrahistorias que rodean el encuentro”, recuerdan Cabral y Franco. “En eso, el libro, que pecaba de contar más de la parte argentina, es una radiografía”. El intento de conquista de Argentina por parte de Inglaterra hace dos siglos, la infame Guerra de las Malvinas (“Nosotros vivíamos en una dictadura y ellos, en democracia con Margaret Thatcher como primera ministra, pero es obvio que a ambos gobiernos les interesaba el conflicto bélico”), partidos en mundiales previos con malas formas y mancillamientos de banderas...
En 1986, se cumplió el mandato de Liberty Valance: “Cuando la leyenda se convierte en un hecho, imprime la leyenda”. “Lo que no era necesario”, aducen los cineastas, “porque la realidad fue más fascinante”. Mucha parte del metraje echa por tierra esos cuentos y saca la verdad. Pero en aquel partido jugaba el mito de los mitos, Diego Armando Maradona, y realizó su gol con “la mano de Dios” ante un alucinado Peter Shilton, que en pantalla insiste en que el árbitro y el juez de línea tuvieron que verlo. Para que pase ese tanto, el balón botó mal ante el inglés Steve Hodge. ¿Por qué? Porque el césped estaba en mal estado... Y porque el seleccionador argentino, Carlos Bilardo, era el gran científico y también el mayor maniático del fútbol. Ejemplo: daba caramelos a sus jugadores para superar el calor, y algunos de ellos no los querían. Así que los enterraban en el campo, y cuando Bilardo lo supo, lo convirtió en un ritual: en uno de esos montículos bota el balón. Curiosamente, fue Hodge quien se quedó con la camiseta de Maradona, en un tiempo en que no se intercambiaban las remeras. Nota aquí.
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