viernes, noviembre 13, 2026
Don Chicho
Abrió como almacén en 1922 y terminó convertido en una cantina: el bodegón de CABA que prepara pastas con fierritos de paraguas
Don Chicho conserva recetas familiares, recuerdos del tango y una técnica artesanal que hizo famosos sus fusilli.
En una esquina de Villa Ortúzar, funciona una cantina que nació como un pequeño almacén y se transformó en uno de los bodegones más tradicionales de la ciudad. Se trata de Don Chicho, un establecimiento fundado en 1922 que conserva su identidad italiana y una costumbre llamativa: preparar fusilli a mano con varillas metálicas que antiguamente se obtenían de paraguas.
Su historia acompaña los cambios de un barrio de fábricas, viviendas obreras y comercios de inmigrantes. Las fotografías, los utensilios antiguos y las recetas que todavía se sirven permiten reconstruir una parte de la vida cotidiana porteña.
De almacén de barrio a cantina: cómo nació Don Chicho en 1922
El origen del restaurante se remonta a 1922, cuando el inmigrante italiano Vicente Pace abrió La Pagliana en la esquina de Plaza y Zárraga. Por entonces, Villa Ortúzar tenía una fuerte impronta trabajadora: los vecinos se abastecían en almacenes de cercanía, donde también conversaban y compartían un vermú después del trabajo.
Con el tiempo, la familia comenzó a ofrecer comidas caseras y el negocio creció hasta convertirse en una cantina. El nombre Don Chicho quedó asociado a los Pace, que mantuvieron el carácter familiar del lugar. Una antigua chapa con la inscripción “Restaurante y cantina de Pace Hermanos” recuerda aquella transformación, en pleno auge de la gastronomía inmigrante en Buenos Aires.
El barrio también guarda su propia historia. En 1862, Santiago Francisco de Ortúzar adquirió terrenos de la zona e impulsó su urbanización. Décadas después, la instalación de industrias y la llegada de trabajadores favorecieron la aparición de fondas y comercios como el que dio origen a esta cantina.
La receta centenaria que se prepara con fierritos de paraguas
La especialidad de la casa son los fusilli al fierrito, una pasta ligada a las tradiciones del sur de Italia. Para darles su forma característica, se cortan pequeñas porciones de masa y se enrollan individualmente alrededor de una varilla metálica. En Don Chicho, la técnica se hizo famosa porque durante años se emplearon fierritos recuperados de paraguas antiguos, que servían para moldear cada pieza.
Una figura fundamental fue María Angélica “Coty” Bustamante, integrante de la familia, que solía preparar las pastas junto a una ventana. Desde la vereda, los vecinos podían observar el trabajo y conversar con ella. En 2007 recibió una distinción del Ministerio de Cultura porteño como Artífice del Patrimonio de Buenos Aires. Falleció en 2017, pero transmitió sus conocimientos a las generaciones siguientes, que continuaron con la elaboración artesanal.
Un bodegón atravesado por el tango y la memoria porteña
La fama de la cantina traspasó las calles de Villa Ortúzar. Distintas crónicas recuerdan entre sus visitantes a figuras como Aníbal Troilo, Osvaldo Pugliese, Nelly Omar, Tita Merello y Adolfo Bioy Casares. También circula un relato familiar sobre una supuesta visita de Eva Perón, aunque esa anécdota debe entenderse como parte de la tradición oral del establecimiento.
El salón exhibe fotografías, discos y recuerdos vinculados con el tango y el fútbol, incluidos banderines de Chacarita Juniors. En 2023, la Legislatura porteña homenajeó al restaurante con una placa por su condición de Sitio de Interés Cultural, reconocimiento que puso en valor su historia y su permanencia en el barrio. Nota aquí.
Osvaldo Bayer
Comienzan las Jornadas Osvaldo Bayer en CABA
Bajo el lema “Rebeldía necesaria para un presente incómodo”, habrá numerosas actividades para homenajear al escritor y al mismo tiempo rescatar su legado.
Bajo el lema “Rebeldía necesaria para un presente incómodo”, se desarrollarán entre el viernes 13 y el jueves 19 jornadas de reflexión, teatro, debate, libros, cine y música en torno a la figura de Osvaldo Bayer. La semana para pensar su vigencia tendrá lugar en seis sedes y, según su hijo Esteban, será como una especie de previa respecto de lo que se está preparando para febrero de 2027, cuando se cumplan 100 años del nacimiento del historiador y periodista que hizo La Patagonia Rebelde. “El lema de las jornadas creo que define muy bien el propósito de estas actividades, que significan, en primer lugar, un homenaje a Osvaldo, mi padre, y al mismo tiempo un rescate de su legado. Hace falta rebeldía porque el presente es bastante incómodo para la gran mayoría de nuestra sociedad”, enfatiza Bayer hijo, que iniciará su participación con una charla abierta que dará este domingo en Sigue la Polilla (Castro Barros 874), tras la puesta de una experiencia teatral inmersiva llamada Un hombre peligroso, prevista para las 18.
“Las jornadas reflejan además el amplio abanico del trabajo de Osvaldo. Son seis temáticas diferentes y la verdad que eso muestra también que él nunca fue sectario sino todo lo contrario”, continua Esteban, quien también será parte del día cinéfilo. El lunes 16, el periodista y escritor hará comentarios sobre La Patagonia rebelde, a partir de las 17.30 en la histórica sede boquense de la FORA (Salvadores 1200). “Pensamos para el ciclo de películas una sede libertaria en serio, auténtica, donde vamos a homenajear a mi padre, mostrando partes de sus películas y debatiendo sobre ellas”, informa Bayer hijo pensando no solo en La Patagonia rebelde, sino también en Panteón militar, film de 1992 cuyo comentario estará a cargo del ensayista e investigador Bruno Nápoli, y en Juan, como si nada hubiera sucedido (1987), cuyas palabras alusivas irán por cuenta de Mercedes Orden, autora del sitio de ensayos sobre cine “La tierra quema”. “Probablemente, la relación más conocida entre Osvaldo y el ámbito cinematográfico sea La Patagonia rebelde, pero él colaboró en cine, en una variedad de producciones en las cuales se puede identificar su visión crítica, la forma de establecer un análisis complejo, la hábil denuncia del accionar represivo en diferentes contextos, la complicidad civil, la atención puesta en las modalidades de resistencia y una reflexión siempre presente acerca de la propiedad de los cuerpos, de los territorios, del monopolio de la violencia. Creo que pensar en Bayer hoy es recuperar su legado y poder ponerlo en diálogo con tensiones actuales para que siga creciendo y preguntarnos de forma conjunta cuál es su vigencia, qué puede enseñarnos. Sus palabras, sus revisiones históricas no refieren a un pasado estanco sino a la forma en que los sucesos nos siguen afectando. Nos ayudan a reflexionar sobre el presente y asumir un compromiso con el futuro”, enmarca la licenciada en comunicación social y luego puntualiza en Juan, como si nada hubiera sucedido, película dirigida por Carlos Echeverría, que investiga la desaparición de Juan Herman ocurrida en Bariloche, el 16 de julio de 1977. “Los textos de Bayer ponen en relación el territorio, la figura del desaparecido, el pacto de silencio de los militares, la complicidad civil y el rol de los medios de comunicación. Es un film que se arriesga y confronta con los responsables, les exige respuestas en plena recuperación de la democracia. Y es en este contexto donde también habilita la crítica sobre en un clima de impunidad en pleno gobierno alfonsinista. Frente a cámara, el joven periodista Esteban Buch entrevista a los testigos del secuestro de Juan y a los presuntos autores de su desaparición, materiales que funcionarían posteriormente como pruebas judiciales por los crímenes de lesa humanidad”. Nota aquí.
jueves, noviembre 12, 2026
Joan Margarit
Te están echando en falta tantas cosas.
Así llenan los días
instantes hechos de esperar tus manos,
de echar de menos tus pequeñas manos,
que cogieron las mías tantas veces.
Hemos de acostumbramos a tu ausencia.
Ya ha pasado un verano sin tus ojos
y el mar también habrá de acostumbrarse.
Tu calle, aún durante mucho tiempo,
esperará, delante de tu puerta,
con paciencia, tus pasos.
No se cansará nunca de esperar:
nadie sabe esperar como una calle.
Y a mí me colma esta voluntad
de que me toques y de que me mires,
de que me digas qué hago con mi vida,
mientras los días van, con lluvia o cielo azul,
organizando ya la soledad.
La Mare
La Mare, cantante y compositora: “Tenemos discursos de odio que antes eran impensables y están siendo reforzados y justificados”
La artista, que arropó con su música la salida de Maricarmen la noche de su desahucio, saca nuevo álbum en el que apela a la ternura para combatir “un mundo que está patas arriba”
En una sociedad polarizada, donde apenas hay grises y pocos los reivindican, Mar Muñoz (Cádiz, 1988), La Mare, se esfuerza por buscar el equilibrio, que ella misma afirma haber encontrado en su quinto álbum. Un equilibrio que asocia con la madurez, pero en el que no renuncia a unas máximas innegociables: la luz y la alegría, junto con la introspección y “la palabra, el mensaje”. Dicotomías aparentemente opuestas que se funden en el título de su nuevo trabajo: Tierna verbena (comercializada a través de la distribuidora digital Altafonte), que surgió gracias al comentario de un seguidor que le dijo que asistir a sus conciertos era como estar en un “guateque introspectivo”. “Para mí la luz es el resultado de la introspección”, sostiene La Mare durante la entrevista con EL PAÍS en Sevilla. “No podemos ir poniendo parches, porque al final nos van a salir las tinieblas por algún lado. El guateque introspectivo es ese equilibrio entre la alegría y lo que nos duele, la celebración total y la calma, ese equilibrio es lo que busco, lo que he intentado con mi disco y lo que intento que exista en mi vida, que es muchísima alegría, mucha colectividad, pero con su dosis de mirar para adentro, de nombrar las cosas, de hacerles huecos”.
Ese equilibrio no solo se percibe en el título del álbum, también se proyecta en el fondo, en la producción. La Mare nunca ha huido de la fusión, pero este último trabajo, con sus dosis de bachata, rancheras, fandanguillos de Cádiz, folclore, rap, guitarra, bandurrias, trompetas y sonidos electrónicos, es, como ella asegura, “de los más eclécticos”. “Todos los estilos que toco son los que a mí me encanta bailar, cantar y escuchar, pero a la vez tiene el sello de La Mare en todo. Por mucho que pase de la rumba a una cosa medio reguetonera, porque no todo el reguetón es machista y comercial, en medio de todo ese eclecticismo está el sello mío, que al final es la palabra, el mensaje, la manera de decir las cosas, lo real y la verdad, sea cual sea el estilo”, zanja.
Ese mensaje que se imbrica en todos sus temas, tanto si se refieren al amor, a la amistad, a la salud mental o a asuntos cotidianos que nos conminan -muy presentes en su discografía-, es directo, franco y coherente con la forma que La Mare tiene de afrontar la vida desde la pasión y la convicción de un activismo social y político que venía de antes de adentrarse en la música y al que no ha renunciado, pero que dota de una sensibilidad, esa ternura de da nombre a su disco, tan necesaria y tan ausente últimamente. “El mundo a mí me conmueve, me afecta, me atraviesa. No puedo no nombrar en un directo algo, una situación vital, mundial, que está pasando. Para mí es inevitable”.
Por eso no se calló la noche del desahucio fatídico de Maricarmen. Ella con su guitarra transformó el estribillo de Gaditana, el tema que alude a la turistificación y los problemas de la vivienda en Cádiz, su ciudad natal, y que canta con Carmen Xía, para defender el derecho de esa mujer de 87 años a seguir en el piso en el que había habitado durante casi toda su vida. “Maricarmen, Maricarmen, que nadie pueda echarte de tu balcón”. “Ese fue uno de los momentos más tristes y más difíciles, aunque a la vez también fue muy emocionante haber participado en ese momento tan histórico y tan referente de la lucha. Es algo que también me calienta el corazón”, reconoce La Mare. “La imagen que dio la vuelta al mundo es la de Maricarmen desde la cama del hospital, pero a mí no se me olvida esa señora, que salió de su casa en silla de ruedas, y pese a esa imagen de fragilidad, nos dio a todos una lección de fortaleza cuando cogió el micrófono y dijo: ‘luchad por lo que queréis”.
Gaditana surgió en un primer momento para “hablar de las gaditanas que estamos fuera de nuestra tierra y, automáticamente, me salió el pensar que ‘yo no sé si voy a poder volver’. Porque yo me fui a Madrid por cuestiones laborales, pero cuando me he planteado volver, he visto que no podía por el precio de la vivienda”, explica. Sin embargo, el tema se ha convertido en referente del problema de la vivienda y la masificación turística que, lamentablemente no se circunscribe a la capital gaditana. “No tenía intención de hacer una oda contra la especulación, pero al final hice este canto de que la tierra es para quien la canta, la cuida, la habita y para que nadie pueda echarnos de nuestros balcones”, incide. Nota aquí.
Gabriel García Márquez
“Soy un especialista en cumbia, pero desconocía que existiera en Argentina”: el día que Gabriel García Márquez conoció a Los Palmeras
El célebre autor de Cien años de soledad hizo esa declaración frente a jóvenes realizadores argentinos finalistas de un certamen iberoamericano. Marcos Camino, recientemente fallecido, supo de ese instante y lo llamó el mayor logro de su historia.
Casi 20 años atrás, Los Palmeras llevaban 35 años de trayectoria, habían editado 40 discos, ganado dos Premios Gardel y recibido el Gran Premio SADAIC Francisco Canaro. Ya eran Ciudadanos Ilustres de Santa Fe, distinción que habían obtenido en 2002. Sin embargo, todavía tenían mucho camino por recorrer: no habían recibido el Premio Konex de Platino, que llegaría en 2015; tampoco habían grabado junto a la Orquesta Sinfónica de Santa Fe, experiencia que concretarían en 2017, ni habían convocado a figuras como Andrés Calamaro, Soledad y la Mona Jiménez para un álbum colectivo, como sucedería en 2019 con Sean eternos Los Palmeras. En aquellos días de octubre de 2007, además, terminaban de grabar su disco número 40, Un clásico.
Cuando alguien de la provincia de Santa Fe viaja, no viaja solo. Lleva consigo la cadencia del río marrón, el fútbol de la pampa húmeda, la memoria del litoral y los acordes de una música que aprendió a convivir con el agua, los pueblos y las distancias. Cuando salimos de Rosario, en otros lugares suelen reconocernos por Marcelo Bielsa, Lionel Messi o Fito Páez. Son nombres que funcionan como cartas de presentación. Pero no siempre hay un regalo típico para llevar, un objeto que pueda resumir el lugar de donde venimos. Tal vez sean los alfajores santafesinos una de las pocas respuestas posibles. Así llegué a Monterrey, México, en aquel caluroso octubre de 2007.
Mi llegada tenía una historia previa. En 2005, junto a un equipo de siete personas, habíamos realizado Gud Mornin Colón, un documental sobre la difusión de la cumbia en las radios de baja potencia. La idea había nacido de una curiosidad periodística: asomarnos a ese universo de emisoras pequeñas, muchas veces precarias, que construían sus propias audiencias y tenían en la música tropical una de sus principales expresiones. Las radios truchas. Así, rodamos en Colón, Buenos Aires, y registramos las historias de sus personajes. También sumamos una parte de ficción en la que nosotros mismos aparecíamos como realizadores que habían quedado varados en el pueblo.
El trabajo fue seleccionado entre 160 producciones que llegaron a la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano, actualmente Fundación Gabo. Quedamos como finalistas. Ese reconocimiento nos llevó a México. En Monterrey nos esperaba un seminario de calidad periodística y la posibilidad de encontrarnos con Gabriel García Márquez, el escritor que presidía la Fundación. Sabíamos que íbamos a conocer a Gabo pero no sabíamos ni cómo ni cuándo iba a ocurrir.
El almuerzo en Monterrey
El encuentro ocurrió después del almuerzo de bienvenida. Estábamos en un hotel de cinco estrellas de Monterrey, a dos días de la entrega del Premio Nuevo Periodismo CEMEX-FNPI. Nos habían pedido que si nos acercábamos a García Márquez lo hiciéramos con respeto, que no lo incomodáramos. Él era un colega más en esa celebración. Nosotros éramos jóvenes periodistas que habíamos llegado a la instancia final de un premio iberoamericano y todavía nos costaba dimensionar dónde estábamos.
La suerte hizo lo suyo. En el reparto de las ubicaciones para el almuerzo quedamos a menos de dos metros de la mesa de Gabo. Compartimos la comida, lo observamos, escuchamos las conversaciones. Cuando terminó el almuerzo, la sobremesa se prolongó. Esperamos. Dejamos que se retirara el último comensal y finalmente nos acercamos.
—Buenas tardes, maestro —lo saludamos.
—¿Qué andan haciendo por acá? —preguntó Gabo.
Le contamos que éramos finalistas del premio en la categoría televisión y que habíamos realizado un documental sobre la cumbia y su difusión en las radios de baja potencia de la Argentina. Nos escuchó. Entonces llegó una respuesta que todavía recuerdo:
—Soy un especialista en cumbia, pero desconocía que existiera en Argentina.
La frase abrió una oportunidad. No había preparado una pregunta, ni imaginado de qué hablaría si alguna vez tenía diez segundos frente al Nobel de Literatura. Pero en ese instante, sin demasiadas vueltas, apareció una respuesta.
—Maestro, ¿no me diga que no conoce a Los Palmeras?
—No, no los conozco —respondió.
—Mire, casualmente en 15 días viajo a Cartagena. Si le parece, le voy a llevar un CD de Los Palmeras y los dejo en la sede de la Fundación del Nuevo Periodismo….
No le quedó otra que asentir con cierto descreimiento. Quince días después, aquella promesa se convirtió en un viaje. Compré un CD de Los Palmeras en el aeropuerto de Córdoba; llegó a Cartagena de Indias, hasta la Fundación que presidía García Márquez. Nota aquí.
Ramón Serrano
EL LIBRO
Tengo un libro que lo dice todo
en la estantería de mi corazón ardiente
habla de amor
habla de vida
en mis sueños es elocuente
a las tantas de la travesía
cuando las millas ya están obsoletas
toma el timón
viento a toda vela
ahí en lontananza se perfilan las sombras
la última Itaka de la noche corta y ligera
tengo un libro que lo dice todo
sabiduría pura
sueños de quimera.
Jorge Montejo
Murió Paolo, el rockero, el personaje que marcó la televisión de los 80
Jorge Montejo tenía 68 años y falleció en Tandil, su ciudad natal. Con sus vinchas, morral y expresiones inolvidables, acompañó a toda una generación con sus actuaciones en Badía & Cía., Feliz Domingo y las películas de la época.
Jorge Juan Montejo, el actor y humorista que dio vida a Paolo, el rockero, murió a los 68 años en el Hospital Santamarina de Tandil, su ciudad natal. Según pudo saber Infobae por fuentes municipales, el artista estaba internado por una infección respiratoria y falleció a las 21.16 del miércoles 11 de noviembre en el nosocomio local.
Con su vincha, el pelo largo, el morral multicolor y expresiones como “¡Uhhh, loco!”, “¿Entendés, chabón?”, “Qué mala onda” y “Mató la onda, loco”, Paolo se convirtió en una figura reconocible de la televisión argentina de las décadas de 1980 y 1990.
El personaje nació en 1986, luego de que Daniel Ripoll, fundador de la revista Pelo, le sugiriera incursionar en la interpretación. Montejo relató que armó el look con elementos de cotillón y que el nombre surgió por una cuestión de imagen: “No se podía llamar Johnny, tenía que ser Paolo”. Juan Alberto Badía completó la identidad al bautizarlo como “el rockero”, convencido de que “los hippies se iban a extinguir, pero los rockeros no”.
El debut de Paolo, el rockero se produjo en Badía & Cía., el ciclo conducido por Badía que marcó sus primeros años de popularidad en la recuperación democrática. Luego se sumó a Feliz Domingo, donde sus monólogos alcanzaron a una audiencia masiva, y participó en otros programas como De carne somos, El gordo y el flaco, Siempre sábado, Palermo Hollywood y Peligro sin codificar.
La carrera de Montejo también tuvo lugar en el cine. Formó parte de Los bañeros más locos del mundo y Los matamonstruos en la mansión del terror, estrenadas en 1987, además de Extermineitors IV: Como hermanos gemelos, de 1992. Sobre una de las secuencias de Los bañeros más locos del mundo, recordó: “Fui por la rampa con todo y luego me golpeé de verdad”. A pesar del accidente, decía que guardaba un recuerdo positivo de la filmación y de sus compañeros de elenco.
Con el paso de los años, los problemas de salud y las adicciones lo alejaron de los medios. Montejo estuvo internado durante tres meses en un neuropsiquiátrico de Buenos Aires, donde recibió tratamiento por una depresión y por consumo de drogas. “Lo del psiquiátrico tiene que ver con mi inestabilidad emocional y adicción a las drogas, lo cual fue deteriorando mi vida”, explicó en una entrevista con Teleshow.
Su vida también estuvo atravesada por dos falsas noticias sobre su fallecimiento, difundidas entre 2004 y 2011. Aquellas versiones afectaron sus posibilidades laborales porque parte del público creía que quien se presentaba en shows era un reemplazo. “Fue dificultoso continuar mi carrera por varios meses”, contó. Con el tiempo, eligió recordar ese episodio desde el humor: “Fue cómico ser un muerto viviente por un tiempo”.
Después de alejarse de la exposición televisiva, regresó a Tandil para estar cerca de su familia y continuar sus tratamientos. Allí realizó publicidades para comercios locales, shows privados y videos para sus redes sociales. “Es la ciudad que más me gusta”, había dicho sobre su vuelta. También destacaba el acompañamiento de su entorno: “Vivo solo, pero tengo amigos que me visitan a diario y un asistente que me ayuda en todo lo que necesito”. Nota aquí.
miércoles, noviembre 11, 2026
Pizzeria El Cuartito
Empezó vendiendo pizzas por una ventanita y se convirtió en la favorita de Franco Colapinto.
Nació en 1934 dentro de un pequeño local de Buenos Aires y terminó convirtiéndose en un símbolo de la gastronomía porteña. Por sus mesas pasaron Diego Maradona, Aníbal Troilo y Franco Colapinto. A 92 años de su apertura, mantiene sus recetas tradicionales y sigue atrayendo a cientos de clientes.
n una pequeña habitación de la calle Talcahuano comenzó una historia que atravesó generaciones. Corría 1934 cuando abrió El Cuartito, una pizzería que inicialmente funcionaba como despacho de bebidas y porciones de pizza entregadas por una ventanita. Lo que parecía un negocio modesto terminó convirtiéndose en uno de los establecimientos gastronómicos más reconocidos de Buenos Aires.
92 años después, El Cuartito continúa funcionando en Talcahuano 937, conserva su tradición de pizza al molde y es uno de los lugares favoritos del piloto argentino Franco Colapinto, quien lo visita desde chico. Además de su historia, otro dato despierta curiosidad: una pizza grande de muzzarella cuesta $40.000, según un relevamiento publicado en noviembre de 2026.
De un pequeño cuarto en 1934 a una de las pizzerías más famosas de Buenos Aires
La historia comenzó en el antiguo Mercado Libertad, ubicado en la zona de Talcahuano y Charcas, actualmente Marcelo T. de Alvear. Allí, un puesto ofrecía porciones de pizza entre comerciantes que vendían frutas, verduras y otros alimentos.
El emprendimiento se trasladó después a un local diminuto de Talcahuano 937, en un edificio construido en 1898. Tenía apenas un horno, un mostrador y una ventanita desde donde se entregaban las porciones envueltas en papel.
Su reducido tamaño terminó dándole el nombre que conservaría durante casi un siglo: El Cuartito.
Con el crecimiento de la clientela, sus responsables comenzaron a incorporar propiedades vecinas, entre ellas una antigua mercería, una funeraria y otro restaurante.
Durante la década de 1970, Manuel Diz, conocido como Manolo, se incorporó al negocio junto con otros socios. El pizzero español había aprendido el oficio de un inmigrante italiano cerca de la cancha de Nueva Chicago.
Las sucesivas ampliaciones permitieron que aquel pequeño despacho se transformara en un establecimiento con capacidad para aproximadamente 300 comensales, según una reconstrucción publicada en 2024.
La pizzería favorita de Franco Colapinto que también conquistó a Diego Maradona
Uno de los aspectos más particulares de El Cuartito es su relación con grandes figuras del deporte y la cultura argentina.
Las paredes están cubiertas de fotografías, camisetas, banderines y recuerdos de personalidades como Juan Manuel Fangio, Lionel Messi, Diego Maradona y Aníbal Troilo.
Entre sus visitantes habituales también estuvo Maradona, quien disfrutaba de sus pizzas y solía encargar pedidos para llevar.
Décadas después, Franco Colapinto convirtió sus visitas al establecimiento en una tradición. El piloto argentino frecuenta la pizzería desde su infancia y regresó durante sus visitas al país.
En 2025, el corredor compartió su alegría al descubrir que habían colocado una fotografía suya junto a las de grandes ídolos argentinos.
“Vinimos a comer pizza al Cuartito, que me pusieron un cuadro al lado de Fangio, de Messi y debajo de Maradona”, expresó Colapinto.
El homenaje consolidó el vínculo entre el histórico restaurante y el automovilismo argentino. Nota aquí.
U2
El rastro de U2 en Dublín, 50 años después del nacimiento de la banda
Paseo por la capital irlandesa, de la tienda de audífonos que dio nombre a Bono a los míticos pubs. El grupo saca disco el viernes 13, coincidiendo con su aniversario.
No hay alusiones directas a Dublín en las canciones de U2. En el callejero de la capital irlandesa tampoco aparece una avenida, un parque o (ni siquiera) un callejón dedicado al grupo o a sus miembros. Sin embargo, la banda de rock más universal de Irlanda, el cuarteto formado por Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr., no sería lo que es sin la rampa de lanzamiento que les puso Dublín, la ciudad de los días lluviosos, el olor a mar y las paredes enmohecidas que sí que puebla todo su cancionero. Los grandes seguidores saben que la banda y Dublín son indisolubles, y tienen anotados decenas de lugares relacionados con los autores de canciones como One. Los que no han seguido todavía sus huellas por la ciudad tienen este año una buena excusa: cuatro adolescentes montaron en su colegio un grupo que acabaría llamándose U2 en 1976. Hace ahora 50 años; aniversario que celebran con el lanzamiento el viernes 13 de noviembre del álbum Carnaval de Luz.
Pero conviene empezar este recorrido por el segundo capítulo. En los alrededores de The Temple Bar, el epicentro dublinés del turismo y de la música en directo en sus numerosos pubs. Hasta allí, hasta el primer McDonald’s de Dublín, ubicado en Grafton Street, bajaba el principiante cuarteto de U2 en autobús desde su barrio, Malahide. En su camino, atravesaban North Earl Street, donde hoy se deja fotografiar la estatua de James Joyce. A unos pocos metros se encuentra Bonavox, la tienda de audífonos con nombre en latín que dio su apelativo al joven y descarado Bono: el de la “buena voz”.
Tras foguearse en actuaciones escolares y familiares, su primer directo importante tuvo lugar muy cerca, en el desaparecido The Baggot Inn en 1979, cuya cicatriz aún puede verse en Baggot Street. Al otro lado del parque de St. Stephens Green, en South King Street, sigue muy vivo The Gaiety Theatre, templo operístico que cada Nochebuena acoge en su acera la actuación benéfica de una gran figura musical. La última, la de 2025, reunió a Imelda May y Bono a los acordes de la canción Baby Please Come Home. La huella de los firmantes de los dos EP lanzados por sorpresa este año, Days of Ash y Easter Lily, deja su marca también en el centro comercial Stephen’s Green. Allí, el Dandelion Market, un aparcamiento reformado, sin aseos ni barra, se convirtió a finales de los setenta en un hervidero de punks. Tras llamarse Feedback y The Hype, la banda actuó allí como U2 en 1979: “Fue donde, definitivamente, pillamos la onda”, confirmó Mullen.
Para recordar aquel pasado que se va borrando del mapa, a unos pocos pasos está The Irish Rock ‘n’ Roll Museum. Por Curved Street se accede a un tour por la historia del rock irlandés, de Thin Lizzy al auténtico héroe nacional, Rory Gallagher, o Enya, The Cranberries y Sinéad O’Connor. Tiene una sala de ensayo dedicada a la trayectoria de U2 que se puede alquilar por 20 euros la hora. Exhiben fotos, ropa, discos de oro y platino y entradas de conciertos. A la salida, por Cecilia Street, la tienda especializada en música tradicional Claddagh Records está abierta desde los años ochenta. En su primer piso, disponían de un estudio de grabación, el STS, que frecuentaron Bono y los suyos en sus inicios.
Sin salir del centro neurálgico de Dublín, en una esquina del parque Merrion Square, está la estatua de Oscar Wilde, junto a una columna que muestra varias citas del autor de El retrato de Dorian Gray escritas a mano por famosos. Bono contribuyó con la de “Man is least himself when he talks in his own person. Give him a mask, and he will tell you the truth” (El hombre rara vez es él mismo cuando dice la verdad; dale una máscara y te lo contará todo). A tiro de piedra, The Little Museum of Dublin es un centro inclasificable que reconstruye la historia de la ciudad con objetos cotidianos, actores que ejercen de guías y una incontenible pasión por llenar cada centímetro de sus paredes. Allí se ha reservado una sala para U2, confeccionada con aportaciones del grupo y de sus fans. Nota aquí.
Ana Belén, Rosa León, Víctor Manuel & Miguel Ríos
La cultura afina la voz antes de la huelga: “No nos pueden callar”
Ana Belén, Rosa León, Víctor Manuel y Miguel Ríos protagonizan un encuentro en Madrid en el que escritores, actores y periodistas reivindican la democracia, el derecho a la vivienda y la defensa de los servicios públicos.
Figuras del mundo de la cultura se han reunido este martes en Madrid para reivindicar la defensa de la democracia y los derechos sociales. El auditorio de la sede de UGT ha acogido este martes el acto Cultura y democracia, convocado por UGT, CC OO y la Unión de Actores y Actrices. Entre los participantes han estado Ana Belén, Luis García Montero, Víctor Manuel, Miguel Ríos, María Botto, Rosa León, Juan José Artero, Lucía Álvarez, Aroa Moreno o Cristina Monge.
Las banderas palestinas entre el público anticipaban el tono reivindicativo del encuentro celebrado este martes en el auditorio de UGT, en Madrid, víspera de la huelga general convocada para el miércoles. La cita reunió a artistas, escritores, periodistas y representantes sindicales en una jornada que alternó los discursos políticos con la música y la poesía.
Según había explicado García Montero, director del Instituto Cervantes, antes de comenzar, el encuentro no aspiraba a convertirse en una plataforma de continuidad, sino que busca “dar voz a la gente de la cultura para reflexionar sobre la situación”. El poeta ha defendido la necesidad de responder a “todas las campañas de calumnias, desprestigio, insultos y desprecio” y ha asegurado: “No nos pueden callar”.
El secretario general de UGT, Pepe Álvarez, abrió el acto con un agradecimiento a los representantes del mundo de la cultura, a quienes reconoció su compromiso histórico con la democracia y las causas justas. “La cultura siempre está defendiendo la paz frente a las guerras, defendiendo los derechos humanos frente al genocidio, defendiendo la libertad frente a la censura, defendiendo la vivienda frente a la especulación”, afirmó. También vinculó la convocatoria de huelga con la defensa de los servicios públicos y reclamó un reparto más justo de la riqueza.
Su homólogo en CC OO, Unai Sordo, advirtió de que las clases populares y quienes necesitan espacios de igualdad atraviesan un momento especialmente trascendente. Habló de “la mayor ofensiva antidemocrática que hemos vivido desde las dictaduras militares del siglo pasado” y llamó a defender la democracia más allá de la movilización del día siguiente.
La literatura tomó entonces el escenario. Ana Belén y Luis García Montero leyeron juntos fragmentos de Medio pan y un libro, el discurso que Federico García Lorca pronunció en 1931 durante la inauguración de una biblioteca en Fuente Vaqueros. “Enviadme libros, libros, muchos libros, para que mi alma no muera”, reclamaba el poeta granadino en unas palabras que reivindican la lectura como una forma de abrir horizontes.
Rosa León puso música a la jornada en uno de los momentos más emotivos con Al alba, la canción de Luis Eduardo Aute. Antes de interpretarla, dijo que no creía que tuviera que “volver a dedicarla a la derecha”. El público acompañó la canción y coreó algunos de sus versos.
El periodista Jesús Maraña intervino después para defender el derecho a una vivienda digna frente a la especulación y reclamar la protección de los servicios públicos. También alertó sobre la desinformación y los ataques al periodismo, que vinculó con el deterioro de la democracia. “¡Viva la cultura, viva el buen periodismo, viva la lucha de los trabajadores!”, exclamó al terminar.
Las reivindicaciones sociales se trasladaron también al terreno de la poesía. María Botto recitó un texto de Bertolt Brecht sobre las distintas formas de matar a una persona, entre ellas privarla de alimento, condenarla a una vivienda precaria o enviarla a la guerra. Juan José Artero, secretario general de la Unión de Actores y actrices, leyó después un poema de Gioconda Belli que imagina una huelga colectiva, capaz de detener el mundo y hacer que se escuchen “los pasos del tirano que se marcha”. El actor cerró su intervención con un llamamiento a secundar la convocatoria: “Esta huelga es una huelga por la vida, por el derecho a existir”. Nota aquí.
Sheryl Crow
“La música nos ayuda a procesar lo que vivimos”
La autora de “If It Makes You Happy” y “All I Wanna Do” acaba de publicar una nueva colección de temas sobre la esperanza, la resiliencia y la lucha que combinan su característico optimismo luminoso del pop con un costado más áspero del rock. “Estas canciones surgieron de manera muy inmediata y estuvieron inspiradas en las conversaciones más interesantes de mi vida, las que tuve con mis hijos en la cocina”, asegura.
“Dividir a la gente, decirles quiénes deberían ser, quiénes no, qué deberían creer y a quién deberían odiar”, observa Sheryl Crow sobre la administración de Trump. “Ya vimos esto en la historia y estamos atravesando un momento muy frágil. Espero que las elecciones de medio término revelen, a través de nuestros votos, el deseo de que esto cambie y de que los responsables rindan cuentas”.
La estrella del rock estadounidense hablaba conmigo antes de las elecciones de medio término en Estados Unidos, un acontecimiento que terminó convirtiéndose en una masacre para los republicanos, que perdieron el control del Congreso a manos de los demócratas, y en el que varios estados pasaron a ser demócratas después de años de predominio republicano. Crow fue durante años una crítica muy abierta del presidente de su país y, en septiembre, les dijo a sus seguidores que “votar es nuestra mejor y única opción”. Después de nuestra conversación, cuando los resultados dejaron en claro que Estados Unidos quería un cambio, celebró con una breve declaración en Instagram: “Estados Unidos votó por la esperanza y la igualdad para todos. Eso es lo que yo llamo patriotismo”.
Es un momento apropiadamente esperanzador para hablar con una de las mejores compositoras vivas, cuya música suele combinar su característico optimismo luminoso del pop con un costado más áspero del rock, capaz de impulsarte a levantarte, sacudirte el polvo y seguir adelante de una vez por todas. Treinta años después de recordarnos que “Everyday Is a Winding Road” y “A Change Would Do You Good”, sigue en la misma senda -de hecho, mejor que nunca- con una nueva colección de canciones sobre la esperanza, la resiliencia y la lucha.
“Creo que esta música es, sin duda, una manera de procesar lo que todos estamos atravesando, que es esta sensación de: ¿por qué me siento tan sola y quiénes somos en este momento de nuestra humanidad?”, dice Crow. “Es realmente un testimonio del valor de la conexión humana”.
Su nuevo proyecto se titula Pick You Up y es, como corresponde, estimulante, pero también reflexivo y profundo respecto de estos tiempos de incertidumbre. Crow evita llamarlo álbum, ya que inicialmente había anunciado que su disco de 2019, Threads, que incluía duetos con Neil Young y Stevie Nicks, sería el último. Después sorprendió a todos en 2024 con Evolution, inspirado en su preocupación por el rumbo oscuro que, a su entender, estaba tomando la humanidad.
Independientemente de cómo se lo quiera llamar, Pick You Up contiene algunas de sus mejores composiciones, incluida la impactante canción de apertura, “Freight Train”, que nació de los recuerdos de su infancia, cuando escuchaba por la noche el silbato del tren que atravesaba su ciudad natal, Kennett, Missouri. “Es realmente interesante hacerse mayor”, cuenta (y aclara entre risas: “No voy a decir hacerse vieja”), “porque uno pasa bastante tiempo reflexionando”.
Cuesta creer que tenga 64 años, pero Crow tiene una vida extraordinaria sobre la cual reflexionar. La ganadora de nueve premios Grammy comenzó como profesora de música y cantaba en bandas que hacían covers los fines de semana, hasta que un productor local la ayudó a hacerse un nombre componiendo jingles publicitarios (una vez contó que ganó 40.000 dólares por un jingle que escribió para McDonald’s). Se coló en las audiciones para la primera gira mundial como solista de Michael Jackson y, un mes después, se encontró haciendo coros ante miles de fanáticos cada noche durante más de un año. Algo que describió en una entrevista anterior como “un curso intensivo sobre la industria musical”.
A mediados de los años ‘90, su álbum debut, Tuesday Night Music Club, ya había producido su primer éxito, “All I Wanna Do”, y le había valido tres nominaciones al Grammy, incluida la de Mejor Artista Nuevo. Sin embargo, ella misma ha contado que sus contemporáneos de la escena alternativa del rock de aquella década, dominada por hombres, la rechazaban. En cambio, encontró el apoyo de una vieja guardia que incluía a los Rolling Stones, Johnny Cash, Prince y Don Henley. Bob Dylan llegó a darle consejos para superar el bloqueo creativo, mientras que Stevie Nicks y Emmylou Harris participaron en los coros de su cuarto álbum, C’mon C’mon.
Ahora que tiene la misma edad que muchos de sus mentores cuando le daban consejos, Crow recuerda una conversación que tuvo con Robert Plant, el rockero de Led Zeppelin, quien le dijo que creía estar escribiendo algunas de sus mejores canciones, pero temía que no fueran escuchadas “porque ya no pertenecemos al grupo demográfico de los jóvenes”. Ella no está exactamente en desacuerdo, pero descubrió que esa idea le resultó liberadora a la hora de escribir sus trabajos más recientes. “Hay una alegría en entrar al estudio sin pensar: ‘¿Esto va a ser un éxito?’”, explica. “Estas canciones surgieron de manera muy inmediata y estuvieron inspiradas en las conversaciones más interesantes de mi vida, las que tuve con mis hijos en la cocina”. Nota aquí.
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