martes, noviembre 10, 2026
Joaquín Lera
Círculos furiosos.
Índices devorándose en los vórtices de la memoria.
Amparos miserables.
Destierros.
Gente penando.
Muertos sin rostro.
Fatiga.
Ese no es el anfiteatro que busco en el atlas… mi vida.
Tiranos atormentando.
Criaturas humilladas en ciénagas de escoria.
Cláusulas intolerables.
Remiendos.
Fantoches juzgando.
Modelos misóginos.
Desdén.
Ese no es el escenario que busco en el atlas… mi bien.
Espectros incendiarios.
Identidades estranguladas
en señales aleatorias.
Asesinos intocables.
Desprecio.
Pistoleros cuchicheando.
Fanáticos agobios.
Rencor.
Ese no es el paraíso que busco en el atlas… mi amor.
Apocalíptico acoso.
Alarma promoviendo
estampidas migratorias.
Voceros intratables.
Estercoleros.
Fábricas nuclearizando.
Sucursales del odio.
Falso guiño.
Ese no es el destino que busco en el atlas… cariño.
Encuentro luminoso.
Balcón donde nos besa
el crepúsculo y la aurora.
Estancia inolvidable.
Semillero.
Latido dilatado.
Sin protocolo.
Allí te cielo; mi bastón.
Ese es el sitio que busco en el atlas… corazón.
lunes, noviembre 09, 2026
Kiko Veneno
De viaje con Kiko Veneno: “Soy pesimista con el mundo, pero mi actitud vital es seguir poniendo rumba”
Acompañamos al autor de ‘Volando voy’, ‘Lobo López’ y ‘Joselito’ durante un viaje de semanas de encuentros, charlas, reflexiones y momentos vividos. Tras medio siglo de carrera, sigue igual de curioso y rebelde que en los setenta y saca nuevo disco fiel al “espíritu de los músicos ambulantes”, dispuesto a dar candela para comprender la realidad.
Al otro lado del ventanal, el cielo es de un azulado veraniego y una balsa flota despreocupada en un mar en calma de la playa de la Barrosa mientras Kiko Veneno (Figueres, Girona, 74 años) coge la guitarra. En el camerino del Náutico de San Vicente, hay una anarquía propia de una revolución. Entre el ruido de vasos, las conversaciones cruzadas de agosto en vacaciones y los nervios entusiastas de músicos y personal minutos antes de empezar el concierto, los primeros acordes se abren paso mientras los rayos de sol parecen reír en ese pelo blanco platino. Sentado en el sofá, en mitad de la algarabía, Veneno se pone a cantar ‘I’m Only Sleeping’. Con esa voz rumbosa, a medio camino entre el gracejo andaluz y la calle barcelonesa, la canción de The Beatles surge como irreal. Todos van dejando de hablar y, atraídos por la música, buscan candela en la lumbre de la guitarra. Veneno canta, sonríe y mira por la ventana mientras rasga las cuerdas. Ahí, en ese mismo momento, como un trovador que hubiese de ganarse la atención de extraños, cobran sentido las palabras que dijo la noche anterior durante una cena regada de vino blanco y presidida por unos enormes percebes. “Los músicos somos anarquistas subterráneos”, señaló. Sentado a su izquierda, su amigo, el artista plástico Miquel Barceló, asintió con la cabeza y rellenó las copas medio vacías cuando Veneno remató: “Todo nuestro arte no necesita de medallas ni instituciones, sino de encontrarse con la gente corriente y aportarles algo positivo a través de las canciones”.
Este anarquista subterráneo llamado Kiko Veneno tiene 74 años y acaba de publicar nuevo disco, Precisamente (Subterfuge Records), cuya portada está diseñada por Miquel Barceló, quien conoce al músico desde principios de los ochenta. Es curioso cómo uno de los artistas más veteranos e influyentes de la música popular española asegura estar con “miedo” ante la salida de este álbum, cuando su carrera comenzó en 1977 con el grupo Veneno y lleva más de 20 discos entre la formación andaluza, su obra en solitario y sus trabajos con Martín Buscaglia, Pepe Begines o el G-5, el supercombo que forma con Muchachito Bombo Infierno, Tomasito, El Canijo de Jerez y Diego El Ratón, estos dos últimos de Los Delinqüentes. “Parece que voy a triunfar cuando el mundo está peor”, dice con cierta sorna una de las tantas veces que se confiesa a lo largo de semanas de encuentros, charlas y momentos íntimos para la elaboración de este reportaje. En otra ocasión, a solas, en una noche del pasado septiembre y con un cigarro en la mano, reflexiona con más calma: “Estoy trabajando más que nunca, ganando un dinero que antes no ganaba y siento un cariño de la gente que me abruma porque es como si me entendieran mejor. Varias veces en mi carrera he tenido miedo a no estar preparado. Y ahora es una sensación similar”. Tanto es así que, cuando en Santiago de Compostela, las autoridades le recibieron el pasado agosto a él y a Miquel Barceló para una visita a la catedral, varios cargos políticos se le acercaron y le dijeron: “Kiko, eres un icono, una leyenda”. Él sonrió, con esa sonrisa traviesa, y pensó: “Hostia, ¿un icono? ¿Pero esto qué es?”.
Icono o no, este músico, nacido en Figueres (Girona) e hijo adoptivo de Sevilla desde que llegó con nueve años, es uno de los pioneros de la música popular española más importantes de toda nuestra historia. Mientras otros referentes como Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina o Rosendo se han retirado y otros muchos han muerto, él sigue activo. Con una trascendencia y edad similar a las suyas, solo Paco Ibáñez, Santiago Auserón, Luz Casal y Martirio siguen tocando. Veneno muestra una curiosidad y una búsqueda de renovación constantes, como se aprecia en este nuevo disco, producido por Bronquio, peso pesado de los sonidos populares modernos, y que está presentando por toda España con conciertos importantes el 13 de noviembre en A Coruña, el 21 de enero en Barcelona y el 4 de febrero en Madrid. Ya en anteriores álbumes como Hambre y Sombrero roto, coqueteó con la electrónica y renovó su sonido mientras se le pudo ver con la joven e interesante formación Vera Fauna sobre los escenarios. “Creo que estoy componiendo más y mejor que nunca”, asegura Veneno, autor de un cancionero aplastante, que venció popularmente como pocos en verbenas y jaranas. “La gente me está reconociendo ahora más que antes por la edad y por unas canciones que han perdurado”, confiesa en esa noche de septiembre, con el cigarro en la mano. Después de haber hablado del miedo que le genera ser un icono, da una larga calada y acaba sentenciando: “Pero la verdad que está siendo maravilloso, tío. Porque hay algo que no ha cambiado: me emociono cantando como el primer día”.
¿Cómo fueron los primeros días de Kiko Veneno? El cantante viaja en un coche cuando se pone a recordar aquellos lejanos tiempos en los que sintió la llamada de la música. Rememora a aquel chaval de 16 años, que vivía en el barrio de Nervión, y descubrió un disco que le cambió la vida: Blonde on Blonde, de Bob Dylan. “A los Beatles y los británicos los llevábamos al día”, explica. “Pero con ese Dylan sentí una chispa, un auténtico flechazo, una iluminación interior, como San Pablo”. Mira por la ventanilla antes de seguir hablando. “Entendí en un instante que para cantar había que tener mundo interior y que había que comunicarlo. Pero no me puse inmediatamente a tocar ni componer. Mantuve la calma. Esa luz se quedó conmigo. Pensé: ‘Ya llegará el momento’”. Ese momento llegó unos ocho años después, en tiempos universitarios, cuando conoció a Raimundo Amador. “Ahí, ya lo vi. Raimundo se puso a tocar al guitarra y me salió todo”, cuenta y se pone a cantar, mientras da golpes en el salpicadero, una letra que era muy suya: “El calor me mata, la lluvia me pervierte”. Con sus gafas de sol y su pelo blanco, Veneno deja de cantar y asegura: “Tuve una suerte increíble que ese gitano, con tanto talento y con ese compás increíble llamado Raimundo, viese algo en mí. Yo afinaba fatal y tenía conocimientos musicales muy limitados. Puse mi mundo en pie a partir de la llama que él vio en mí”. De alguna manera, Raimundo Amador vio a uno de los suyos: un hippy. Algo muy especial. El instinto tampoco le podía fallar porque Kiko, un par de años atrás, a principios de los setenta, se había ido a Estados Unidos para “vivir la aventura de ser hippy”. “No tenía ni inglés ni un duro”, recuerda. “Me quedé tres días tirado en el aeropuerto de JFK hasta que unos hippies me vieron tocar la guitarra en una puerta y me llevaron con ellos a Boston”. Allí pasó “días alucinantes” y probó por primera vez la marihuana. “Vi el mundo en tecnicolor esos días hasta el punto de que iba por Boston dentro de un autobús fumado de marihuana y empecé a componer una sinfonía. Fui consciente de una forma muy clarividente de que podía imaginar música, la que yo quisiera, dejando que fluyese. Era muy poderoso y muy bonito. Me pasó como a Frank Zappa, que hacía música para poder escuchar lo que le pasaba por dentro”. Nota aquí.
Bar de Cao
Nació como fonda en 1915, cerró en 2000 y se recuperó en 2005: hoy es un bodegón de CABA con 111 años y una insólita leyenda
Comenzó como una fonda, se transformó en el almacén de una familia de inmigrantes españoles y estuvo a punto de perder su identidad. Hoy conserva muebles originales, recetas tradicionales y una historia de amor que todavía despierta curiosidad.
En una esquina de San Cristóbal, un bodegón conserva las huellas de una ciudad que ya no existe. Sus muebles y una caja registradora fileteada recuerdan cuando los almacenes también eran puntos de reunión.
Se trata del Bar de Cao, en avenida Independencia y Matheu. Nació como fonda en 1915, pasó a manos de una familia de inmigrantes asturianos en 1930 y cerró alrededor de 2000. Su recuperación, iniciada en 2005, permitió rescatar parte de una historia que en 2026 cumple 111 años.
De una fonda de 1915 al almacén de una familia asturiana
A principios del siglo XX, Buenos Aires crecía con la inmigración. Las fondas ofrecían platos sencillos a trabajadores y vecinos, mientras que los almacenes vendían alimentos, bebidas y productos cotidianos.
En ese contexto nació el establecimiento que más tarde sería conocido como Bar de Cao. El cambio decisivo llegó en 1930, cuando integrantes de la familia Cao, provenientes de San Tirso de Abres, Asturias, quedaron al frente del negocio, entonces llamado La Armonía.
Julio, Vicente y José, conocido como Pepe, combinaron almacén y despacho de bebidas. La entrada de la esquina conducía al sector de mercaderías; por Matheu se accedía al salón donde los clientes podían comer y conversar. Ambos ambientes estaban comunicados.
Los hermanos también vivían en el piso superior, por lo que aquel local fue, durante décadas, comercio y hogar. Incluso uno de ellos celebró allí su casamiento.
Cerró alrededor de 2000 y comenzó a recuperarse en 2005
En 1971, Julio se apartó de la sociedad y sus hermanos continuaron con el negocio. Pero la muerte de Vicente Cao en 1999 marcó un punto de inflexión. Pepe siguió trabajando durante algunos meses antes de cerrar el almacén y regresar a España.
Así terminó una etapa de aproximadamente 70 años de presencia familiar. El lugar volvió a funcionar bajo otras administraciones entre 2001 y 2004, aunque sufrió modificaciones, incluida la eliminación de la separación entre almacén y salón.
En 2005 comenzó una recuperación enfocada en conservar su identidad histórica. El Bar de Cao logró mantener objetos originales y, en 2015, celebró su centenario.
La caja registradora y la leyenda de las escobas del amor
Visitar el bodegón es encontrarse con vitrinas, balanzas, estanterías, pisos de baldosas calcáreas, una mesada de mármol y una antigua caja registradora fileteada. Son recuerdos materiales de una época en que comprar alimentos y compartir una charla podían formar parte de la misma visita.
También sobrevive una curiosa historia oral. Según un relato de los hermanos Cao recuperado por el periodista Carlos Cantini, hacia 1940 un vendedor gallego llamado Luis regalaba escobas nuevas a mujeres que habían atravesado desengaños amorosos. El gesto aludía al refrán “Escoba nueva barre bien”.
Sin embargo, Luis estaba enamorado de Esther y guardaba una escoba para ella. Cuando quiso entregársela, supo que estaba por casarse con otro hombre. Es una leyenda transmitida por los antiguos dueños, no un hecho comprobado de forma independiente, pero expresa la memoria sentimental del barrio. Nota aquí.
Franco Luciani & Victoria Birchner
De conocerse por Facebook a criar un hijo y lanzar su primer álbum de folclore juntos: la historia de amor de Franco Luciani y Victoria Birchner
La pareja lanzó "Como en casa", disco que recopila clásicos del cancionero popular y obras nuevas.
En diálogo con Clarín, recordaron el día en que se conocieron y cómo convive su trabajo con la paternidad.
En un departamento ubicado en el undécimo piso de un edificio de Villa Crespo vive la pareja de músicos Franco Luciani (44) y Victoria Birchner (35) con su hijo de cinco años, Arandú, y su perrita adoptada, Greta.
“Mientras afuera tenemos la calle Corrientes, y pasan los autos y las bocinas y todo, nosotros estamos acá adentro tranquilos y creando”, dice Birchner en la mañana en que recibió a Clarín en su hogar.
Rodeados por plantas colgadas en las paredes, instrumentos musicales, retratos de la familia en la biblioteca y una pizarra de juguete en el living, por primera vez en diez años de relación lanzaron su primer álbum juntos y lo titularon Como en casa.
Con once temas del cancionero popular y piezas recientes —que incluyen clásicos de la música argentina, creaciones del nuevo repertorio como Gajito i' luna, y dos obras inéditas con música de Luciani—, el álbum se grabó en Los Elefantes, el histórico estudio de Lito Vitale.
“El proceso de grabación se dio de manera natural y nuestra relación también se desarrolló así desde el principio”, comenta Luciani.
Un amor que empezó a la distancia
Cuando Victoria Birchner era chica, se quedó hipnotizada la primera vez que vio a Soledad en la televisión, arriba del escenario y revoleando un poncho mientras cantaba.
“Yo conocí el repertorio folclórico a través de su voz y jugaba un poco a ser ella. Después, con el tiempo, empecé a estudiar música en Rafaela, en mi ciudad natal, y ahí fui conociendo otros sonidos”.
A los 15, sus abuelos la llevaron a un concierto de su pueblo en donde tocaba un armonicista llamado Franco Luciani. El joven había ganado el Pre Cosquín tras haber deslumbrado al tocar con maestría un instrumento que muy pocos dominaban.
Por aquella destreza y por ser rosarino como el astro de la Selección Argentina, Luciani empezaría a ser llamado "el Messi de la armónica”.
Aquel día en que se conocieron gracias al show, la abuela de Victoria le pidió que fuera a pedirle al músico su correo electrónico para dárselo a un tío suyo.
“Pero no pasó nada romántico entre nosotros en aquel entonces”, aclara Victoria.
Tras terminar el colegio, la artista empezó a estudiar música en la Universidad de Rosario y pasó tiempo hasta que volvieron a cruzarse.
“Diez años después se me escapó una solicitud en Facebook”, admite Victoria, entre risas.
-¿Y quién dio el primer paso?
Franco: -Yo le escribí, pero no como colegas. Vi que estaba en Rosario y pensé que era de ahí. Yo ya estaba viviendo en Buenos Aires.
Victoria: -Pero en aquel momento yo estaba en Rafaela. Estuvimos más de un mes en contacto, hasta que fui a Buenos Aires a conocerlo. Y llegué con un bolsito a la casa. Nos veíamos primero una vez al mes, después los fines de semana y después toda la semana. Y cuando me mudé a la ciudad, fue a un espacio que alquilamos para los dos.
-¿Cómo fue la convivencia?
V: El día que llegué al departamento, él se fue de gira casi dos meses. Así que estuve sola en la ciudad todo ese tiempo, fue terrible. Ahora ya cada uno tiene sus viajes laborales y es sano extrañarse y reencontrarse. Me recuerda a lo que vivíamos al principio, al vivir yo en Rosario y él acá.
F: Cuando llegué a Ezeiza, más que el cartelito de "Bienvenido" tenía un cartel de "Despedido" (risas). Durante un tiempo convivimos con normalidad, hasta que cayó la pandemia y tuvimos un hijo.
-Victoria, en un par de ocasiones hablaste de lo que implica ser música y a la vez ser madre. ¿Cómo lo llevás hoy en día?
V: -Estoy fascinada con la maternidad en el sentido de que te cambia totalmente el orden de prioridades. Me pasa que por mi profesión una a veces está pendiente de las redes sociales, las plataformas, y llegás a pensar: "Uy, tengo que hacerlo más rápido o tendría que haber hecho tal cosa". Y está la maternidad para recordarte: "Frená un poquito, ahora tenés que hacer esto, después lo otro".
-Franco, ¿y a vos cómo te transformó la paternidad?
F: Voy aprendiendo con la crianza de mi hijo que hay instantes puntuales que nunca vuelven. Y, de la misma manera que no regresan, tampoco se trata de apurarse. Nota aquí.
Javier Bardem
El debut teatral de Javier Bardem con su maestro: “A mis 57 años, me estoy poniendo en un lugar de vulnerabilidad que me hace más fuerte”
Tras una carrera plagada de éxitos y premios en el cine, el actor se estrena en las tablas de la mano de Juan Carlos Corazza, el director y profesor con el que dio sus primeros pasos y que le ha guiado en sus papeles más icónicos en la gran pantalla.
Cuando el pasado verano Javier Bardem anunció que iba a debutar en el teatro, cabía imaginar que lo haría con un papel estelar en una gran producción. Es lo que se espera de una estrella del cine con un Oscar, un Globo de Oro y muchos otros reconocimientos internacionales. Pero Bardem ha preferido hacerlo a su manera: en una sala de barrio con apenas 100 butacas, con textos breves de Chéjov, un reparto coral y un director prestigioso, Juan Carlos Corazza, pero no mediático.
No resulta extraño en la trayectoria y el carácter de Bardem. Su carrera ha discurrido en el cine, pero ante todo es actor y ha vivido el teatro desde la infancia con su madre, la actriz Pilar Bardem, aunque ha esperado a tener 57 años para enfrentarse al público en directo. Se hace evidente que ese salto no podía hacerlo de otra forma cuando se le ve junto a Corazza, el profesor y director con el que dio sus primeros pasos a los 20 años, al que se dirige como “maestro, mentor y queridísimo amigo”. Se abrazan, se cuidan, bromean y derrochan una complicidad pletórica durante la sesión de fotos para esta entrevista, que se desarrolla en el epicentro de su aventura común: el Espacio Zafra de Madrid, la sala donde ensayan ¡Chéjov, Chéjov!, en vísperas de su estreno el 19 de noviembre.
—Lo he tenido claro desde el minuto cero. He tenido propuestas de aquí y allá para hacer teatro con varios directores, pero siempre he dicho que no. Quizá también porque me veía con la obligación de hacerlo como se esperaba, en un gran teatro. Pero si era con alguien, sería con Juan Carlos. Y en un espacio que fuera nuestro. Que pudiéramos manejar como quisiéramos, con los temas que nos apetecieran y en el momento que consideráramos adecuado.
Tras fantasear durante años, el momento ha llegado. Corazza, junto con el actor y otros socios, abrió el Espacio Zafra en febrero de 2025 y el proyecto empezó a cobrar forma. “Ahora me siento ya con ganas, listo. Como que el deseo, el placer y la aventura de este juego están muy por encima del miedo y la inseguridad”, explica el actor. Lo vive como una experiencia de libertad y aprendizaje: “Para mí todo esto es nuevo, absolutamente todo. Estoy ilusionado como un niño con zapatos nuevos, porque a mis 57 años me encuentro descubriendo cosas y poniéndome en un lugar de vulnerabilidad que me hace más fuerte. Justamente por eso: por aceptar la vulnerabilidad y trabajar con ella, no pelearme. Y con cuatro compañeros a los que conozco desde hace años y que están en lo mismo”.
Se refiere a Alicia Borrachero, Rafael Castejón, Manuela Velasco y Ben Temple, formados igualmente con Corazza. Todos cimentan su trabajo sobre las enseñanzas de un maestro que ha guiado las carreras de muchos actores que hoy triunfan tanto en el cine como en los escenarios, desde que en 1990 abrió su estudio en Madrid tras emigrar desde Argentina. Por ejemplo: Elena Anaya, Silvia Abascal, Sergio Peris-Mencheta, Susi Sánchez, Juana Acosta, Alberto Ammann, Alba Flores o Consuelo Trujillo. Otros acuden a él para preparar trabajos concretos, entre ellos Penélope Cruz, pareja de Bardem desde hace dos décadas y madre de sus dos hijos. Bardem, por supuesto, también: su icónico personaje en No es país para viejos, por el que ganó el Oscar a mejor actor de reparto en 2008; el de Mar adentro (2004), de Alejandro Amenábar; Biutiful (2010), de Alejandro González Iñárritu, o Skyfall (2012), de Sam Mendes.
Recuerda Corazza que cuando Bardem llegó a su estudio, casi recién abierto, sus condiciones ya estaban a la vista. “Su fuerza en escena, la voz muy vibrante. En su primer año ya estaba en él un gusto, un instinto por una actuación viva, no acartonada, no encorsetada, no solemne. Una búsqueda de calidad en la actuación, pero desde la humildad y la sencillez. Digamos que venía no solo a entrenarse para tener éxito y actuar mejor, sino por el placer mismo de investigar. A ver qué pasa, a ver qué aparece. Le gusta trabajar”, cuenta. Nota aquí.
Joaquín Lera
ROMPECABEZAS
Sueño con ecos.
Dibujo entre sílabas.
Mis bolsillos están llenos de arena.
Cocino reflejos.
Colecciono armonías.
Me baño con luceros y estrellas.
Remo con resaca.
Bebo zumo de orillas.
Las farolas cuando paso me besan.
Bailo con los flecos.
Con la ropa tendida.
Con la sombras que persiguen siluetas.
Desayuno remiendos.
Tomo el sol con paraguas.
Ato al ego y derrito cadenas.
Goteo polen de luna.
Diseñó perlas de lluvia.
Desarreglo el cuarto de las tristezas.
Soy vecino del bosque.
Hablo con las luciérnagas.
Me seducen las miradas que vuelan.
Alucino en los lienzos.
Corrijo malas posturas.
Soy travieso cuando me camelan.
Hipnotizo a los búhos.
Si se burlan me aíslo.
Soy un caso perdido dentro de un poema.
Peino latidos.
Memorizo esencias.
A veces soy el lazo de un cuello de botella.
Pellizco arcoíris.
Riego transparencias.
Me eriza el terciopelo de la gente buena.
Encuentro imperdibles.
Esponjo estelas,
Desnudo entre tus pétalos;
soy un rompecabezas.
domingo, noviembre 08, 2026
Miguel Gane
Madrid es ella
Ella era toda la poesía que se escribía en Madrid.
El verso más bonito de Gran Vía,
la boca más sexy de Malasaña,
los ojos más tímidos de los cines de Callao,
la cabeza más heavy que había pasado por Argüelles,
la cintura más bonita que veías por el metro,
las piernas más largas de la Plaza Mayor,
la falda más corta de Montera,
la musa que aún seguía inspirando a la estatua de Bécquer,
el rayo de sol más brillante de una tarde de domingo en el Retiro,
la reliquia más exótica del rastro,
la que podía domar los leones de Cibeles,
la quinta torre de Madrid,
el Palacio más Real de todo mi reino.
Madrid es ella, y yo, solo una de sus calles.
Ella es el monumento que fotografía Atocha,
la que se manifiesta frente al Congreso,
la decimotercera uva de la Puerta del Sol,
el cabello más hermoso de Salamanca,
a la que todos los hindúes regalan rosas y cervezas en la Latina,
los labios más rojos del Calderón,
la más loca de toda Chueca,
la de la carpeta rosa del Campus de la Complutense,
el paseo más largo a través de toda la Castellana,
el culo más bonito del Retiro,
el corazón más salvaje del Bernabéu,
el musical más visitado de Gran Vía,
el teatro con menos aforo de la capital,
la mejor obra de arte del Prado,
la que envuelve en flores a los toros de las Ventas.
Ella es la única estrella que brilla en Madrid.
Ella es Madrid.
Ella es la que baila como una loca en cualquier garito de Huertas,
la chica de Tirso, la Lady Madrid de Pereza,
a la que no hace falta escribirle porque es pura poesía,
la que es capaz de enderezar las Torres Kio,
el cubo más helado de cerveza de la Sureña de Gran Vía,
la nariz más roja de Casa de Campo,
los acordes de jazz más hermosos del Café Central,
la niña que ríe como nadie en Cortylandia.
Los copos de nieve que los tejados echan de menos,
la única diosa de todas las catedrales,
a la que cantan en Libertad 8,
el único monumento del Templo de Debod.
la palabra más bonita del barrio de las letras,
la única Movida que existió en Madrid.
Ella, ella, ella es Madrid.
Rodolfo Serrano
Los recuerdos
De aquel tiempo, lejano y tan amado,
recuerdo tu alegría en los momentos
felices del abrazo, cuando el mundo
tenía nuestros nombres en su boca.
Y la vez que lloraste acariciando
mi cuerpo en cualquiera de esas noches
que se abrían al cielo del asombro,
verano eterno y cálido de estrellas.
Los recuerdos son vidas que han quedado
atrapadas en ámbar y que ahora
miramos sin poder acariciarlas.
Destello en el insomnio. Fugaz, nada.
Hoy vuelvo a ti. Los viejos calendarios
tacharon ya los días de la dicha,
las llamas de aquel fuego que creímos
inextinguible y hoy sólo es ceniza.
Llora mi corazón aquellos días
perdidos en la niebla y la nostalgia.
Y ahora que todo ya se desvanece,
confieso que aún te enredas en mi pecho.
Que aún vives en mis venas, todavía
me estremece escuchar el dulce eco
de tu nombre al que llamo en esas noches
en que olvido cómo tú me pronunciabas.
(Mi vida estuvo siempre entre tus labios).
Yoani Sánchez
Yoani Sánchez tras su detención de nueve horas en Cuba: “Quieren que me calle(...) quieren que apague los micrófonos, pero no los voy a apagar”
La directora de 14ymedio y Premio Ortega y Gasset 2008 fue secuestrada por agentes de la Seguridad del Estado en La Habana el jueves. Este viernes contó lo que vio y denunció que decenas de cubanos son arrestados a diario por carecer de registro capitalino en su documento de identidad.
La periodista recuperó la libertad el jueves por la noche. “Acabo de llegar a casa, gracias a todos por la solidaridad y la difusión de la arbitraria detención que sufrí esta mañana”, escribió en su cuenta de Facebook apenas llegó a su vivienda.
Sánchez vinculó directamente su salida del calabozo con la presión pública generada por las denuncias en redes sociales. “Ese apoyo fue el que logró descorrer los cerrojos y abrir los barrotes”, añadió en la misma publicación.
Un día después, este viernes 6 de noviembre, amplió su relato en un video. “Vine caminando y quiero devolver con gratitud esos gestos que sin lugar a dudas me hicieron que yo esté hoy aquí frente a este micrófono”, relató.
En esa misma grabación detalló los cargos que le imputaron: propaganda contra el orden constitucional, una acusación que, según explicó, se vincula directamente con su trabajo periodístico.
Mencionó en particular el podcast Cafecito Informativo, su labor al frente de 14ymedio y las cápsulas callejeras que realiza bajo el seudónimo de Andarina Sánchez.
“Quieren que me calle, quieren que me vaya, quieren que me silencie, quieren que apague los micrófonos, pero no los voy a apagar”, afirmó.
El jueves, Tres hombres sin identificarse se abalanzaron sobre Yoani Sánchez cuando salía de su casa en el barrio habanero de Nuevo Vedado, lo que terminó con la periodista cubana secuestrada durante nueve horas por agentes de la Seguridad del Estado. Nota aquí.
Boca Juniors
Con un gol en el último minuto, Boca Juniors ganó 1-0 y se consagró campeón de la Tabla Anual
El Xeneize se quedó con una dramática definición gracias a un tanto de Enner Valencia a los 95 minutos. Rosario Central ganó 2-0 en el Gigante de Arroyito, pero no le alcanzó y quedó segundo. Por otro lado, Argentinos Juniors perdió con Huracán y finalizó tercero.
A lo Boca. El Xeneize se impuso 1-0 a Defensa y Justicia en la Bombonera con un gol de Enner Valencia a los 95 minutos y es el nuevo campeón de Liga en el fútbol argentino. El equipo con más puntos de 2026 volvió a ganar un título en el ámbito doméstico después de más de tres años, ya que el último se remontaba a la Supercopa Argentina 2022 disputada en marzo de 2023 ante Patronato. Como si fuera poco, permanece en la pelea por todos los frentes: jugará los playoffs del Torneo Clausura, se medirá a Banfield en las semifinales de la Copa Argentina y enfrentará a Atlético Mineiro en la definición de la Copa Sudamericana.
Al plantel de Rodolfo Arruabarrena le costó hacer pie en su estadio con el correr de los minutos. La falta de contundencia en el arco contrario transformó en figura al arquero visitante Matías Borgogno, mientras los goles de Huracán contra Argentinos Juniors en La Paternal le imponían más presión al elenco de la Ribera. El mismo efecto causó el tanto de Julián Fernández para adelantar a Rosario Central ante Estudiantes de Río Cuarto al final de la primera etapa en Arroyito.
Ya en el complemento, Boca Juniors volvió a toparse con la muralla de Borgogno y la salida de Sebastián Villa le quitó peso explosivo en los últimos metros. Sin embargo, el dueño de casa nunca se entregó y convirtió el gol que necesitaba en el último suspiro del compromiso. Un centro cruzado desde el costado izquierdo derivó en una mala salida de Borgogno (su único error del partido) y la pelota quedó suelta en el área. Allí, apareció Valencia para mandarla a guardar al fondo de la red, a pesar de los intentos de los defensores rivales por rechazar el balón.
Ese gol desató la locura colectiva en La Boca, mientras que apagó el clima de festejo en Rosario, después de que Central le había ganado a Estudiantes de Río Cuarto por 2-0 y los hinchas y jugadores esperaban el final del duelo en Buenos Aires. En distinta sintonía, Argentinos Juniors nunca estuvo en la pelea y cayó 2-0 ante un Huracán que desplazó a Sarmiento para meterse en los octavos de final. El Bicho quedó tercero, en zona de repechaje a la Copa Libertadores 2027, mientras que el Canalla se posicionó segundo, en zona directa a fase de grupos de la Libertadores.
Esta definición dejó atrás el gol anulado a Miguel Merentiel en el primer tiempo por un correcto fuera de juego y la salida de Leandro Paredes en Boca en mitad del complemento, luego de que el volante pidió el cambio por una molestia física y encendió las alarmas.
Ahora, Boca Juniors tendrá por delante el encuentro del próximo 14 de noviembre ante Banfield para avanzar a la final de la Copa Argentina. Una semana más tarde, el sábado 21, chocará con Atlético Mineiro en busca de levantar la Sudamericana en Colombia. Y en los octavos de final del Torneo Clausura chocaría con Independiente Rivadavia en la Bombonera con día y hora a confirmar. Nota aquí.
Leonard Cohen
Una década sin la voz cavernosa y poética de Leonard Cohen
La voz cavernosa y poética de Leonard Cohen se apagó hace diez años, pero el artista, convertido en un mito de su generación, ha seguido vivo para sus fans en esta década, con reediciones de sus escritos, un disco póstumo y hasta una inminente gira de conciertos.
Cohen fue poeta, novelista, músico y un referente filosófico para varias generaciones. Su muerte, registrada el 7 de noviembre de 2016 a los 82 años dejó huérfanos a una legión de seguidores.
Con una longeva y admirada carrera que se extendió durante medio siglo, el artista canadiense publicó álbumes míticos como 'Songs of Leonard Cohen' (1967) -su debut y obra maestra que incluía temas como 'Suzanne'-, 'Songs of Love and Hate' (1971), 'I'm Your Man' (1988) o 'Various Positions' (1985).
Este último disco incluía 'Hallelujah', probablemente la más popular y versionada de todas sus obras musicales, que han cantado artistas como John Cale, Bob Dylan, Bono, Jon Bon Jovi, Rufus Wainwright, KaD Lang, Jeff Buckley, Kate Voegele o Justin Timberlake junto a Matt Morris.
El éxito de Cohen, que supo colarse en el efervescente ambiente folk de Nueva York de los sesenta junto a artistas como Dylan, consiguió trascender gracias a su voz profunda y su elaborado estilo literario, que combinaba las reflexiones espirituales y existenciales con apasionados temas románticos.
Pero antes que escritor de canciones inmortales, Leonard Cohen habitó el anhelo de ser simplemente escritor. Su primera incursión en el mundo del arte fue la publicación de varios poemarios y novelas, y luego debutaría en el la música con el disco 'Songs of Leonard Cohen' (1967).
Hace apenas un año, la editorial Salamandra publicó 'La llama', una edición que reúne poemas inéditos sobre el amor, la guerra, el arrepentimiento, la fe y la amistad firmados por el artista.
Cohen empezó a interesarse desde muy joven por la poesía, en especial, por la obra del español Federico García Lorca, una figura que le acompañaría e influiría a lo largo de toda su trayectoria, y que le uniría con el cantaor Enrique Morente, un renovador del flamenco junto al que trabajaría en numerosas ocasiones.
El artista fue premiado en 2011 con el Premio Princesa de Asturias de las Letras y fue citado como posible Nobel de Literatura en varias ocasiones.
Y en su emotivo discurso al recibir el Princesa de Asturias, el canadiense fusionó música y letras al afirmar que "la poesía viene de un lugar que nadie controla, que nadie conquista" y que si supiera de dónde vienen las buenas canciones, se iría "allí, más a menudo".
Además, en el puro ámbito de la música, recibió el Grammy a toda una trayectoria en 2010; ingresó en 2008 el Salón de la Fama del Rock and Roll y en el de los Compositores. Y fue galardonado con la Orden de Canadá, en el grado más importante -Companion-.
Múltiples reconocimientos para una carrera que interrumpió en los años 90 para dedicarse a la filosofía zen, que le ayudó a superar sus problemas de depresión.
Pero Cohen volvió en los últimos años de su vida a la actividad musical después de que su representante le estafara y le dejara al borde de la ruina.
Este desastre financiero fue, paradójicamente, un golpe de suerte para sus seguidores, que le vieron regresar con fuerza a los escenarios y que recibieron con los brazos abiertos sus últimos trabajos: 'Old Ideas' (2012), 'Popular Problems' (2014) y 'You Want It Darker' (2016). Nota aquí.
sábado, noviembre 07, 2026
Ron Wood
Ron Wood en vivo, la sapiencia de un viejo lobo
A falta de The Rolling Stones, el guitarrista y cantante alimentó el fuego de un ya extenso romance en el Arena. Y lo hizo con una lista que balanceó clásicos imperecederos con varias perlas.
El primer Rolling Stone en actuar en la Argentina fue Mick Taylor. El guitarrista, pieza fundamental de la banda desde julio de 1969 hasta diciembre de 1974, ofició de telonero en el debut porteño de Eric Clapton. Durante el concierto –celebrado el 5 de octubre de 1990 en el Estadio River Plate– interpretó apenas un tema del universo stoniano. Se trató de “You gotta move”, canción tradicional afroamericana que el combo recreó en el fabuloso Sticky Fingers.
Para los seguidores del grupo, esa presentación tuvo gusto a poco. Pero el sinsabor quedó atrás con el desembarco de Keith Richards. El 7 de noviembre de 1992, en la cancha de Vélez Sarsfield, el Stone por antonomasia ofrendó un recital magnífico en el cual incluyó seis perlas de la agrupación. Algunas de ellas –como “Time is on my side”– no volverían a sonar en vivo por estos lares. Al año siguiente, Taylor regresó para una serie de actuaciones con Los Ratones Paranoicos. Y al fin, el 9 febrero de 1995, en el Monumental de Nuñez, Sus Majestades Satánicas se corporizaron por primera vez ante la feligresía local. Fueron quince ceremonias a lo largo de cuatro visitas, que consumaron un amor imperecedero. Tuvo que pasar una década para que Ron Wood agregara un nuevo episodio a la saga: lo que sucedió en el Movistar Arena demostró que hay fuegos inextinguibles.
De campera verde con intervenciones en dorado, camisa turquesa, remera de tono naranja, jeans oscuros y zapatillas multicolores, Ronnie pisó las tablas y lo recibió el rugido de una multitud conquistada de antemano. El bramido del público se intensificó con los primeros acordes de la celebratoria “It’s only rock and roll”. El guitarrista, cincuenta y dos años atrás, participó en la concepción de dicho himno, pero solo fue acreditado a la dupla Jagger / Richards. Luego siguió la sensual “Am I grooving you”, popularizada por el cantante Freddie Scott. “Take it easy” –un rocksteady llevado al éxito por Hopeton Lewis– es una de las flamantes grabaciones incluidas en su álbum recopilatorio Fearless: Anthology 1965 – 2025. La versión ofrecida sonó caliente, dinámica y precisa.
“¿Recuerdan a los Faces?”, preguntó el británico a su feligresía. Tras la consulta, regaló una perla para los más fanáticos. La redentora “Flying” -lado A del primer simple del quinteto- con la extraordinaria voz de Chanel Haynes. La voluptuosa “Hey Negrita”, con su mixtura de reggae y funk, desató una fiesta. La inclusión en el repertorio fue todo un acierto, pues los Stones solo la tocaron en vivo en su gira europea del año 1976. Otro rescate fue “Seven days”, pieza de Bob Dylan que propició un pequeño pogo en el campo delantero. Wood devolvió la gentileza y, sonriendo, afirmó: “Son el mejor público del mundo”.
“Remember (Walking in the sand)” marcó el ingreso a escena de Imelda May. La cantante le otorgó a la balada una sensualidad que a la grabación primigenia de The Shangri-Las le faltaba. La irlandesa, junto al anfitrión, se encargó de la entusiasta “You’re so fine” –del grupo The Falcons– registrada por el astro en su flamante antología. La tríada de clásicos del folklore estadounidense se completó con la magnética “Baby what you want me to do”, del indispensable Jimmy Reed, donde Ronnie se lució con su armónica. La atmósfera soulera de “Mystifies me”, iluminada por Ron y sus eximias vocalistas, preparó al auditorio para un plato fuerte: la descomunal “River Deep, Mountain High” donde Haynes reprodujo el magnetismo y la intensidad que Tina Turner le imprimió a la versión original.
La intérprete conoce el paño pues personificó a “La Reina del Ácido” fallecida en 2023 en una exitosa producción teatral. Pero Wood no solo reclutó a magníficas voces. También conformó la sensacional The AMMO Band. El bajista Willie Weeks, el baterista Andy Newmark, el guitarrista Johnny Lee Schell y el tecladista Andy Wallace, prestigiosos músicos de sesión, concibieron un robusto entramado sonoro donde Ronnie desplegó una ejecución intuitiva, fluida y visceral. De hecho, sus fraseos con la guitarra slide fueron impecables.
Al comienzo de la urgente “Show me”, pieza central del álbum Slide on this, el pícaro Ronnie insinuó unos segundos del riff de “(I can’t get no) Satisfaction”. Esa pequeña brisa bastó para encender la hoguera. Miles de celulares filmaron la escena y todo el estadio entonó esa frase musical imperecedera. Junto a la violinista Mera Royle, el combo subió aún más la temperatura con “Country Honk”. La relectura, en clave country, de la portentosa “Honky Tonk Women” posibilitó que el público hiciera suyo aquél estribillo formidable: sin dudas, uno de los momentos más vibrantes de la noche.
A continuación otra recuperación arqueológica, “The Boogie Disease del blusero Doctor Ross. Respaldado por las voces de sus ángeles guardianes, ofreció “Ooh La La”, hito de los Faces impregnado de melancolía, sobre los vaivenes del amor. Luego de la arrolladora “Chain of fools” -inmortalizada por Aretha Franklin- fue el turno de la intensa “Can’t you hear me knocking”. La joya stoniana, de aires jazzeros y toques latinos, fue recibida con un bramido de júbilo y un cántico de guerra: “¡Esta noche toca Ronnie y el año que viene tocan Los Stones!”. A veces, decía Luis Alberto Spinetta, existe un divino presagio.
La despedida formal fue con la ardiente “I can feel the fire” (quizás el tema más popular de su carrera en solitario) y la irresistible “Outlaws”. “Ya no quedan forajidos como antes”, entonó el viejo pirata en ese rock and roll de pura cepa: él, claramente, es uno de ellos.
De regreso al escenario, luciendo una camiseta de la Selección Argentina con su nombre en la espalda, se sumergió en el Delta Blues con un fragmento de la punzante “Dust my broom” de Robert Johnson. Luego obsequió extractos de la vigorosa “Black limousine” (una de las pocas obras donde comparte autoría con los célebres Glimmer Twins) y la nostálgica “Gasoline Alley” que compuso junto a Rod Stewart. El cierre llegó con la arrogante “Stay with me”, el mayor suceso de los Faces. Ronnie, exultante, incitó a los asistentes a sumarse al pegadizo estribillo de la canción. Tras el saludo final junto a la banda, tomó otra casaca del equipo local y comenzó a revolearla por encima de su cabeza. El gesto hizo estallar al estadio con el clásico de clásicos “¡oh, vamos los Stones!”. Nota aquí.
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