Pablo Cano

 Fernando nos cuenta en su Blog.

2 - ASÍ ES "FLOR DE HABANERA" –"OPERA PRIMA" de PABLO CANO–: UN DERROCHE DE LATIDOS, SENSIBILIDADES Y DE LA MÁS AUTÉNTICA "CANCIÓN DE AUTOR".

Hoy este segundo "cuelgue" dedicado al disco "FLOR DE HABANERA", del joven cantautor sureño PABLO CANO, voy a iniciarlo compartiendo un texto del periodista JUAN JOSÉ TÉLLEZ en el que nos habla de Pablo y de su primer disco. 

Le pedí a Juan José –periodista y escritor profundamente crítico y cercano a nuestra "canción popular y de autor"– que participara en esta crónica aportándonos su valoración del trabajo de Pablo y de su "FLOR DE HABANERA". Téllez que, por otra parte, fue buen amigo de Carlos Cano, nos cuenta:

En este artesanal trenzado del "canasto creativo" que es "FLOR DE HABANERA" –hermosísima "explosión emocional"– Pablo Cano ha trabajado durante tres años buscando sus raíces, realimentando su memoria y escudriñando en sus búsquedas y hallazgos las "claves de su identidad". 

Apasionada aventura en la que siempre le acompañó y dio fortaleza Eva –su madre– y en la que estuvo especialmente presente su padre como un referente esencial, al que perdió de muy pequeño y al que le urgía recuperar y sentir lo más cerca posible.

Sin duda un reto difícil, de gran complejidad y en algunos momentos triste y desgarrador al sentir el incomprensible distanciamiento y rechazo de algunas persona muy cercanas al amor y la admiración que sentía hacia su padre.

La luz, o mejor, el destello luminoso, fértil y esperanzador surgido tras aquellos tres años de reflexión y búsqueda –refiriéndome aquí a su identidad poÉtica y musical– fue la creación de "Flor de habanera": nueve canciones vitales que nos transportan desde su infancia hasta la actualidad gracias al bolero, el fado, la chacarera, la cueca, la milonga, o el tanguillo... Todo ello impregnado de un sonido con reminiscencias a la canción de autor y al jazz. Crónica aquí.

Joan Margarit

 Un recital entre amigos: Serrat, Ana Belén y Poveda recuerdan los versos de Joan Margarit, “el poeta musical”

Amigos y conocidos recitan y recuerdan los versos del poeta catalán fallecido hace cinco años, en un acto en el Instituto Cervantes. “Leo la poesía Margarit y la estoy cantando”, confiesa Serrat.

Atardece en Madrid, tras demasiados días de oscuridad, con su luz anaranjada de siempre. Y a la misma hora a la que a varias manzanas de distancia Gabriel Rufián y Emilio Delgado debaten sobre el futuro de la izquierda, Joan Manuel Serrat entra ajeno y sonriente en la sede del Instituto Cervantes. El motivo es quizás más importante: celebrar la vida de su amigo Joan Margarit, cinco años después de su muerte. Y hacerlo, además, recitando y cantando su poesía.

“Esto le encantaría”, confiesa el cantautor catalán, pero este no es un homenaje al uso. Es una velada entre amigos para intentar arreglar el mundo. O al menos, hacerlo más bello. “El homenaje verdadero a un poeta es que se le lea”, reivindica Ana Belén.

Una opinión que comparte Mónica Margarit, hija del poeta y la organizadora de este acto al que ha acudido el ministro de Cultura Ernest Urtasun. “No es fácil mantener el recuerdo, a no ser que seas Gabriel García Márquez y estés en los programas de literatura de los institutos. Estoy feliz de que se haya hecho una edición de su obra completa, con tapa dura”, explica.

Y así, esta tarde de finales de febrero, un amigo tras otro (el periodista Juan Cruz, los poetas Ramón Andrés y Luis García Montero, el crítico literario Jordi Gracia, el editor Emili Rosales y la librera Lola Larumbe, entre otros) dibujan con retales compartidos quién fue Joan Margarit. El arquitecto que nació en la Guerra Civil. El profesor de Cálculo de estructuras que narraba más que explicaba. El poeta desgarrado que disparaba directamente corazón. Y el amante de la música.

Porque Margarit era, ante todo, como recuerda Serrat, “un poeta extraordinariamente musical”. Y confiesa: “Leo su poesía y la estoy cantando”. El cantautor conoció a su tocayo con “un libro maravilloso, Estació de França [Hiperion, 1999]. La admiración era mutua. Puede que por eso discutieran tanto. ”Era un hombre muy apasionando con respeto a lo que sucedía a su alrededor. Muy crítico con todo lo que tenía que ver con el maltrato, con el desprecio y con la soberbia. Muy preocupado por la sociedad“.

Y también, un hombre que amaba la libertad. La libertad, ya saben, “es una librería”. Una forma de amor. Por eso, no perteneció a ninguna corriente poética, cultivó el verso libre y reinterpretó sus poemas del catalán al español. Una “virtud insólita”, según su editor Emili Rosales. “La poesía le nacía de muy adentro, que es donde está la lengua materna. A veces, cuando escribía la versión en castellano mejoraba la versión en catalán”, recuerda su hija.

Es noche cerrada y empieza a llover. Ana Belén y Serrat recitan sus poemas, frente al silencio del resto de amigos, conocidos, periodistas, escritores y lectores de un salón de actos del Cervantes abarrotado. Él recita en catalán. Ella en español. Un diálogo entre los idiomas, como le gustaba a Margarit. Mujer de primera, Autorretrato, Cerrando el apartamento de la playa, Querrán que te mueras y La montaña más alta.

Y entonces el cantaor flamenco Miguel Poveda, vestido completamente de negro, canta el poema No et veuré més [No te veré más], acompañado al piano por su arreglista Joan Albert Amargós. Le puso música en 2005, en su álbum Desglaç. “A él no le gustaba mucho el flamenco. Yo era joven y me daba pudor, pero me encontré a un hombre muy afable y muy agradecido”. El último en poner música a sus poemas ha sido el portugués Salvador Sobral con Amor i temps.

Margarit concibió gran parte de su obra en los bares de albañiles. Escribía en pequeñas libretas, que le acompañaron en el bolsillo de la camisa hasta el último día. En ellos, encontró refugio al morir de su hija Joana a los 30 años, debido a una discapacidad, a la que dedicó algunos de sus versos más hermosos, como Los ojos del retrovisor. “La paz que me da tu lentitud”, escribió sobre ella, “que está dentro de mí”.

Pero quizás los grandes reconocimientos le llegaron demasiado tarde. Recibió el Premio Nacional de Poesía Nacional y el de la Generalitat de Cataluña en 2008 y el Premio Reina Sofía de Poesía y el Premio Cervantes en 2019. El mismo año que el poeta depositó su legado en la Caja de las Letras.

“Me iré amándoos y algo mío intentará volver”, termina Ana Belén, con el último verso del penúltimo poema de su libro póstumo Animal de bosque [Visor Poesía, 2021]. La muerte estuvo presente durante toda su obra. Y eso que decía que “hacer un poema es mucho más difícil que morirse”. Aunque, curiosamente, según su hija, escribió sus mejores versos al ver que la oscuridad estaba ya cerca. Nota aquí.

Miguel Poveda & Sonia Poveda

 

Miguel Poveda

Miguel Poveda canta los versos de la generación del 27 en la revivida casa de Vicente Aleixandre

El cantaor da un concierto en el jardín de Velintonia, el hogar del poeta en Madrid que fue encuentro de escritores y se convertirá en Casa de la Poesía en 2027

En el porche de la casa del poeta Vicente Aleixandre (1898-1984), bajo un cartel que decía Por fin en Velintonia, que así se llama la vivienda, y junto a un atril con una fotografía del escritor, el cantaor Miguel Poveda ofreció en la noche del miércoles una hora de concierto de amor por la poesía. El premio Nacional de Música en 2007 fue el elegido para abrir una serie de actuaciones en el jardín del hogar del último poeta español que ganó el Premio Nobel de Literatura, en 1977. El recital lo organizó la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid, la Administración que compró Velintonia a los herederos de Aleixandre por 3,2 millones de euros el pasado abril para convertirla tras su restauración en Casa de la Poesía, que prevé inaugurar en 2027. El consejero de Cultura, Mariano de Paco, estuvo entre los que presidieron el concierto.

Ese año se cumplirá un siglo del nacimiento de la generación de grandes poetas españoles que se vio destrozada por la Guerra Civil y la dictadura de Franco. Anoche, Poveda ofreció un recital de poemas musicalizados por él de estos autores. Con algunos ya había probado suerte, como Federico García Lorca, pero con otros, como Dámaso Alonso, era su primera vez.

El cantaor barcelonés comenzó a capela con el poema El último amor, de Aleixandre, de su libro Sombra del paraíso (1944), uno de sus títulos más importantes. Ya acompañado a la guitarra por Jesús Guerrero, cantó el extraordinario poema Unidad en ella, del libro La destrucción o el amor (1935), con el que Aleixandre ganó el Premio Nacional de Poesía. “Cuerpo feliz que fluye entre mis manos, / rostro amado donde contemplo el mundo”. Unos versos ardientes, que más adelante dicen: “Quiero amor o la muerte, / quiero morir del todo”.

Al espectáculo se unió el poeta visual EduArtGranada (Eduardo Gorlat), que había decorado el espacio del concierto con paniculatas rosas y siemprevivas, e intercaló versos y fragmentos de la vida de Aleixandre entre las canciones de Poveda.

El concierto se amplió con los versos de otros autores del 27, la primera de las varias generaciones de poetas que hicieron amistad con Aleixandre y compartieron poemas y confidencias en su casa, que él llamó Velintonia porque estaba en la calle de Wellingtonia (hoy Vicente Aleixandre), el nombre de una especie de secuoya de Estados Unidos que el poeta castellanizó desde su silla de la Real Academia Española (RAE). Nota aquí.

Homenaje a Nino Bravo

 El eco emocionado de Nino Bravo da la bienvenida al Roig Arena

Un espectáculo colectivo perfectamente medido y estilísticamente diverso evoca la memoria del cantante valenciano, quien tendría hoy 81 años, en el estreno del nuevo recinto multiusos de Valencia.

Un reguero de caras sonrientes nos daba la bienvenida al nuevo recinto. En los amplios accesos a la pista, un público más bien talludito (hacía tiempo que yo no veía tanta gente mostrando su entrada en papel), se arremolinaba en torno a los muchos puestos de restauración. Se palpaban las ganas de agradar, la emoción del instante, el olor a nuevo. Todo estaba en su sitio en el nuevo Roig Arena. Y con razón: por mucho que nos empeñemos, ni una plaza de toros, ni un velódromo, ni un estadio de fútbol ni un enorme parking junto al puerto son recintos pensados para la música en directo, aunque sirvan para salir del paso. El cementerio de elefantes que puebla nuestro historial de salas de mediano o gran aforo ya desaparecidas – Arena, Greenspace – también demanda que la sala anexa del Roig Arena, con aforo para dos mil personas, eche a rodar: será el 22 de este mes con los australianos The Cat Empire.

A diferencia de todos aquellos, el nuevo recinto multiusos de Quatre Carreres sí está concebido y diseñado para albergar música en directo (aparte de baloncesto y otros deportes) y se notó anoche: sonoridad impecable, volumen adecuado, iluminación a la última, cuatro pantallas desde las que no perder detalle, una de ellas cenital – hasta el teleprompter con las letras de las canciones – y visibilidad idónea desde cualquiera de las cerca de 20.000 butacas que ocupaba un público que había agotado todo el papel hace meses. Más comodidad, imposible.

Una de las grandes asignaturas pendientes de Valencia en los últimos tiempos es la concordancia entre los continentes y los contenidos, entre recintos – vistosos, sin duda – y programaciones que se adapten a ellos con cierta lógica y los justifiquen. El Roig Arena ha nacido con esa vocación. En lo musical, únicamente falta que no solo vengan aquellos artistas que, con toda seguridad, igualmente hubieran venido a cualquiera de los recintos que hemos citado antes (casi todos lo han hecho), sino también aquellos músicos internacionales de relumbrón a quienes no vemos aquí. Que sirva para competir no solo con un Sant Jordi o un Movistar Arena, sino que nos ponga también a la altura de programaciones de ciudades como Bilbao o Sevilla. Esperemos que sea una cuestión de tiempo. Las prestaciones del recinto lo merecen.

Con quien nadie, en su sano juicio, podría tratar de competir, es con la voz de Nino Bravo. Por eso el espectáculo Bravo, Nino, que tomaba el relevo del lejano tributo que se le hizo en la Plaza de Toros de Valencia en 1973, tuvo la virtud de adaptar las piezas de su repertorio a las características de sus intérpretes. O también de que ellos las llevaran a su terreno: una veintena de músicos de toda España, arropados por una orquesta de más de veinte instrumentistas, dirigidos por José Miguel Álvarez, en un show dinámico: una canción por vocalista, por regla general. Funambulista le dio aires de bolero a Eres todo cuanto quiero; Sole Giménez acunó en ritmo de bossa nova Te quiero, te quiero; La Mari, de Chambao, y Pitingo, acercaron – cada uno a su manera – al flamenco Mi tierra y Es el viento; Carlos Goñi (Revólver) resolvió estupendamente la cuota rock (casi blues rock) con La puerta del amor y una imponente Marta Sánchez se metió muy bien en el papel de estrella pop de los swinging sixties – al estilo de Massiel o Sandie Shaw – con Tú cambiarás. A David Bisbal también le sentó bien el traje de la exultante América para cerrar la noche, después de que Vanesa Martín y Pablo López releyeran Cartas amarillas con la cadencia del piano de este. Nota aquí.

Marwán

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Sigo sin palabras para contar lo que sucedió el viernes en el Movistar Arena. Fue algo tan descomunal y emotivo, que jamás lo voy a poder olvidar. Vendrán los tiempos duros en algún momento y siempre tendré este día para agarrarme a él y que me devuelva la fe. Cuando me sienta solo o derrotado, gracias a lo que pasó este viernes, tendré siempre claro que los días buenos siempre vuelven.

El viernes me sentí volar. Estaba todo en su sitio, nada faltaba, nada sobraba. Fue todo perfecto, precioso y más intenso que nunca. Estos años han sido muy duros para mí por dejar la discográfica y tener que machacarme para sacar mis discos adelante sin ayuda, por no tener un equipo a la altura y por mi accidente en el brazo. Me ha llevado dos años y medio ir soltando toda esa tristeza, rearmar mi equipo y volver a confiar en la vida y en que lo hago merece la pena. Este Movistar Arena ha sido la condensación de todo ello. La cantidad de amor y de palabras bellas que me estáis dando desde el viernes por aquí o cuando me encuentro a la gente por la calle es descomunal. Jamás he recibido tanto. Sinceramente, no sé cuando voy a bajar de la nube. Tengo un subidón que vais a tener que ir a mis conciertos a la luna, porque de ahí no bajo ¡¡¡¡¡Aquí se está de puta madreeeeeeee!!!!!

Gracias a mi banda increíble, a Toni, Kike, Txarlie, Dani y Lucas gracias a esa sección de vientos bestiales, Miriam, Jessica y Arantza, gracias a todos mis amigos artistas invitados: Nach, Fito Robles, Luis Ramiro, Pez Mago,Iván Ferreiro, Miguel Poveda, Rozalén, Ismael Serrano, Leonel García, Muerdo, Alejandro Martínez y Miguel Inzunza. Nos disteis el cielo. Qué talento, qué manera de emocionar y que personas más increíbles sois todos.

Y gracias a todo el equipo técnico, Alba, Andrés, Alex Tj, Guiller, Nieva, Santi, Kira y por supuesto a mis managers, Christian y Elsa que se dejaron la piel conmigo. Todos estos nombres que os he puesto por aquí hacen que pueda decir esto: me siento feliz porque ahora si tengo un equipo como el que me merezco.

Y gracias a vosotros y vosotras por el amor brutal que me dais cada día, por estar cerca y por reventar el Movistar arena. Me muero de felicidad.

Marwán & Amigos

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MADRID…últimas entradas! Se suman mis queridos Fito de Siloé, el gran Leonel García y Muerdo. Es imposible estar mejor acompañado. Esto es un sueño cumplido.

Marwán & Amigos

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Aquí tenemos a los 3 nuevos invitados que me acompañarán en la gran noche del Wizink Center el 17 de enero en Madrid. Va a ser un finde hora antológico. Poder contar con @rozalenmusic , @serranoismael y @nachsoyyo , amigos del alma y artistas que me han emocionado como casi nadie lo ha hecho, es un regalo brutal. Además, ya estaban confirmados Iván Ferreiro, Miguel Poveda y Luis Ramiro. Y habrá más.

Ya están disponibles también las entradas de grada para esa gran noche. En la web de inverfest están. Va a ser una fiesta inolvidable.

Miguel Poveda

 

Miguel Poveda

Miguel Poveda viaja al flamenco del tiempo de Lorca

Con ‘Federico y el cante’ protagoniza la primera de las ‘Noches Únicas’ de la Bienal de Flamenco de Sevilla.

La XVI Bienal de Flamenco de Sevilla, en 2010, arrancó con la última aparición de Miguel Poveda en la cita, inaugurada en la Plaza de Toros de la Maestranza, arena y tendidos a rebosar, con el espectáculo Historias de viva voz, que se alargó hasta las tres horas. Catorce años después, en los que ha estado ausente, el cantaor regresó al evento no para inaugurarlo, aunque casi, al protagonizar en el Teatro de la Maestranza la primera de las Noches únicas (13 y 14 de septiembre) de la programación sevillana, con el aforo totalmente vendido.

El espectáculo preparado para la ocasión, Federico y el cante, remitía a la manifiesta devoción del cantaor por el poeta, pocos meses después del lanzamiento de la grabación Poema del Cante Jondo, disco con el que parece redondear una obra que se inició en 2015, cuando adaptó dos sonetos de Lorca en el disco Para la Libertad. Sonetos y poemas, y se concretó tres años después con Enlorquecido (término prestado por el hispanista Ian Gibson), un trabajo íntegramente dedicado a la poesía lorquiana, en el que asumió la mayoría de la creación musical y selección de poemas. Cada uno de ellos le pidió algo distinto a la hora de musicalizarlos, de ahí la libertad formal y la variedad de sonoridades de la obra, en la que no falta el flamenco.

El Poema del Cante Jondo, tanto la grabación de Poveda como los versos o los mismos parlamentos de Lorca en torno a este arte, estarían presentes en un espectáculo que el artista definía, en conversación con El País unos días antes de su presentación, como “un gesto de gratitud a Lorca y un mensaje de amor a todas las voces —Chacón, El Tenazas, Juan Breva, Pastora y Tomás Pavón, Manuel Torre, Silverio…— que son eternos referentes, como Lorca dice en una de sus conferencias, donde hacía una súplica para que no se perdiesen esos cantes. Esta es la idea y el motivo del recital”.

Si se le pregunta a Poveda por su pasión de llevar la obra de Lorca al flamenco, responde que “en realidad, es Federico el que nos lleva a él: su enorme entusiasmo, que le hizo ser parte muy activa de la organización del primer Concurso de Cante Jondo, en 1922; sus conferencias, poemarios y sus vivencias con grandes de la historia de este arte hacen que, hoy en día, siga contagiando a intelectuales y gente sensible al arte. Para mí, Federico es un flamenco más”.

Con Poema del Cante Jondo, Poveda ha regresado, discográficamente hablando, a estilos tradicionales como la caña, la soleá, la malagueña, la seguiriya o las bulerías, aunque a él le gusta recordar que el flamenco nunca ha dejado de estar en sus recitales. “La lectura musical, que hemos hecho Jesús Guerrero y yo en torno a ese libro —aclara— no podía ser de otra manera que no fuese flamenca”. Para ello, y preguntado por la dificultad de adaptar el verso libre de Lorca a la métrica del género, confiesa que se ha permitido “la libertad de llevar los cantes a la manera en que resonaban en mi cabeza cuando los leía. Federico tampoco se ciñó a ninguna métrica del cante, sino que escribió́ con libertad todo aquello que el cante le inspiraba, cantes que provocaron en el poeta un tsunami de emociones, que lo llevó a escribir este maravilloso libro que es Poema del Cante Jondo”.

Así que, con esas voces históricas en la memoria, el espectáculo constituyó un viaje en el tiempo a los años del flamenco que pudo vivir Lorca, lo que, de manera inevitable, transmitió la vigencia de esos cantaores y cantaoras en el flamenco posterior, una influencia que —con los vaivenes propios del tiempo— ha llegado a nuestros días. La cabal de Silverio, por ejemplo, es un monumento con el que no muchos se atreven, pero que no se olvida. Poveda principió su recital con él, antes de entregarnos con una soberbia seguiriya del poema-retrato que Federico escribió al cantaor Franconetti: “entre italiano y flamenco, cómo cantaría aquel Silverio”. Nota aquí.

Miguel Poveda

 

Miguel Poveda

 

Javier Ruibal & Amigos

 

Marwán & Miguel Poveda

 

Miguel Poveda & Javier Ruibal

 

Miguel Poveda

 

Miguel Poveda & Ara Malikian

 

Luis Eduardo Aute

 

Jorge Marazu & Amigos

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Estoy rodeado de seres humanos maravillosos, los que están en el cartel y los que están a la sombra. Levantar el teléfono y que todos te tiendan la mano al instante… no tengo palabras.

Gracias a todas y cada una de estas personas por querer sumarse a la causa.

Las entradas estarán disponibles el viernes a las 11:00h en la web de Lienzo Norte.

La maravilla de cartel es obra de Mundo Liliput.

Miguel Poveda

 “En un mundo en que todo se radicaliza, prefiero tender puentes”

Miguel Poveda regresa con tres conciertos a Madrid mientras graba ‘Diverso’, una nueva proclama de su eclecticismo.

Tarde plácida de abril en un recóndito estudio de grabación de Boadilla del Monte. Mientras su padre hace un alto para pegar la hebra con el periodista, el hijo de Miguel Poveda se queda absorto en un cuartito, pertrechado de lápiz y papel, para afanarse en la mayor de sus fascinaciones: dibujar planetas. El mundo puede ser así de puro, pletórico e ilusionante cuando se tienen seis años y un progenitor acostumbrado a contravenir todos los tópicos y prejuicios hasta convertirse en uno de los artistas más ilustres e internacionales de este país.

Charnego en su patria chica de Badalona, payo en la exigente escena flamenca, ecléctico a rabiar en un territorio tan dado a las ortodoxias y homosexual sin tapujos: desde los 20 años, solo utiliza los armarios para organizar trajes y camisas, que para eso el prurito de ser “coqueto y presumido” no se lo va a quitar nadie. Así es Miguel, este hombre de 48 primaveras que aparenta bastantes menos y pisa a fondo el acelerador porque se sabe insaciable en su hambre de aprender y descubrir. Le fastidia sentir que ha sobrepasado el ecuador de la existencia, así que no quiere perderse “ningún color de la paleta” en esta loca aventura que supone estar vivo. Nota aquí.