jueves, noviembre 21, 2024
Rubén Ibero
"UNA COPA"
La tarde, viene cayendo...
Y en el mostrador su espina
La hace más honda bebiendo
Hay un hombre ,que sufriendo
Sin perder la compostura
Alza su criolla figura
Fuma y y el humo celoso
Le empaña al volver los ojos
Ocultando su amargura
Las manos tienen el gesto
Del que lleva unas esposas
Y eso, no es poca cosa
Si se tiene en cuenta el resto
Pero el aspecto compuesto
¡Sombrero echado pa' tras!
Barba espesa y además
Una abundante melena
Le dan a su cara buena
¡El gesto de que podrá!
Una camisa impecable
¡Que carga varios veranos!
Un pañuelo soberano
Da su nota venerable
Una rastra incalculable
¡El cabo de su facón!
Chripá en tono marrón
Rebenque doble zotera
Y un par de botas potreras
¡Que parecen flor y flor!.
Hay un barril por detrás
Con varias prendas colgadas
A lo mejor de pasada
Las dejó uno, y los demás
Aunque difícil será
Que un paisano el poncho deje
Y se mezcle en un madeje
Con interés bolichero
Y a la falta de perchero
El tonel su boca espeje.
Y el hombre, ha de terminar
¡La copa de despedida!
Y con la figura erguida
Comenzará a recular
¡Saludará sin mirar!
A nadie en forma presente
Y con ese gesto ausente
Que presenta el condenado
Dejará atrás el pasado
¡Galopando hacia poniente....!
Paco Ibáñez
La alfombra roja de Paco Ibáñez
El cantautor, que ultima su próximo disco, ‘Érase una vez’, con dibujos de Frederic Amat, comenzó por sugerencia del artista visual a actuar en los escenarios sobre un tapiz encarnado.
Según nos has recordado en alguna ocasión, de muy niño ya cantabas a las vacas que pastaban en el caserío de tus abuelos maternos en Aduna, Gipuzkoa, e incluso emulabas, como un pequeño charro vasco, al cantor mexicano Jorge Negrete a oídos de tu madre. Tiempo después, a tus 14 años, junto a ella y tus hermanos, cruzaríais los Pirineos clandestinamente al encuentro de tu padre, exiliado en Francia. De él aprendiste el oficio de ebanista, que aún ejerces en tu pequeño taller con banco de carpintero, fresadora, gubias y cinceles. Hace unos años me regalaste unas castañuelas de madera de ébano hechas por ti con estas herramientas y me contaste que así las hacía tu padre para un ballet flamenco que actuaba en el teatro Champs-Élysées, en aquel París de los años cincuenta donde se respiraban nuevos aires de rebelión.
Desde el principio de tu constelación de grabaciones discográficas, has sido solícito con los artistas pintores. Son memorables tus ediciones de poesía cantada de la mano de la pintura y he tenido la alegría de poder participar en la antología Paco Ibáñez canta a los poetas andaluces, y también en un nuevo álbum que se llamará Érase una vez —será para niños, como tú dices, de 0 a 90 años—, que fui pintando durante la pandemia, coloreando aquellos días y tus canciones.
Algo profundo te ocurrió en París el año 1958 al leer La más bella niña, el poema de Luis de Góngora: su lectura se hizo música y con ella un poema engarzó a otro y otro, como un cesto de cerezas, y así llegaste a Federico García Lorca, que has cantado como nadie. Con estos poemas aparece tu primer disco en 1964 y tres años más tarde una grabación con tus versiones cantadas de los poemas de Blas de Otero, Gabriel Celaya, Miguel Hernández, Francisco de Quevedo y otros. Estos dos primeros discos, bellos tanto por su contenido como por el diseño e imagen de su funda, fueron cimientos de tu larga trayectoria como trovador de la poesía y simiente para un público ávido que ya azuzaba las espuelas en su galopar más allá del escenario y se alzaba en la platea con un aplauso solidario en tu icónico recital en el teatro Olympia de París aquel diciembre de 1969.
Para entonces ya eras un símbolo de la resistencia cultural y un referente de la lucha antifranquista. Tus primeros tres discos, como tres negros soles de vinilo, forman parte de nuestra memoria colectiva: generación tras generación, escuchamos tus canciones que no envejecen porque su esencia poética es eterna. Para ti, la máxima modernidad es saber que venimos de muy lejos y consideras insensata la avidez de novedades del culto al futuro. ¡Y con qué clamor por la dignidad has dado respuesta a la dificultad de combinar vocación estética con preocupación cívica! Es así que como artista te convertiste en referente político y moral de nuestro tiempo. Nota aquí.
Luis Farnox
CiberCanción de Autor nos cuenta por Facebook.
Presentación en El Ateneo Republicano Vallekas del último trabajo literario de Luis Farnox, un libro que explora los vericuetos del misterio y la penumbra para , en cada poema, poner luz y alzar la voz en la denuncia social y así evidenciar de forma magistral los claroscuros existenciales del alma humana.
La introducción-presentación corrió a cargo de Paco Pérez, que en tono distendido nos habló de Poe y de la influencia que se adivina en los poemas del libro de Luis Farnox.
También hubo lectura de poemas de forma magistral por dos actores de alto copete : Andrea Guardiola y Vicente Gil.
Luis Farnox, El Mecánico del Swing nos cantó "República celestial" que vino pintiparada al hablar de zombies, fantasmas e ideologia.
Como colofón al acto, Luis Farnox tuvo la gentileza de agasajarnos con un vino de origen rumano: Drácula, semiseco, pocos taninos pero suave y aterciopelado.
Haceros con un ejemplar de :
"La ropa de difuntos que habita los armarios" (Artera Ediciones)
Un libro alucinante y asombrosamente inquietante.
Rafa Mora
EL HUMOR
El humor como estrategia.
Como principio.
Como final.
Contra la intemperie.
Contra el frío y el miedo.
Como aderezo de los días.
El humor como terapia.
Como reflejo saneado.
Como un hilo conductor de la existencia.
Como trinchera contra los tibios de espíritu.
Contra los bebedores de luz.
Contra el terrorismo emocional.
El humor como inteligencia.
Contra la mediocridad.
Contra la vergüenza.
Como un verso libre en mitad de un soneto.
El humor para reírme de mí.
Conmigo. Con mis circunstancias.
El humor para salvarme.
Del dolor.
Del amor.
Del ardor.
Del hedor.
De la cal y la arena.
Del color de los necios.
El humor como arma de paz.
Contra mis otros yo que tienden al descalabro.
Contra los dramas heredados.
El humor,
para luchar siempre, cuerpo a cuerpo, contra el vértigo a la vida.
miércoles, noviembre 20, 2024
Paris Joel
Mi Unicornio
Te he perdido y me encuentro en playas vacías,
Al lado de farolas absurdas, hueras de besos clandestinos
Enfrente de horizontes infinitos a los que nunca llegaré,
Te he perdido, como la amnesia busca un verso,
Como la afasia intenta silbidos,
Cómo, irremediablemente, gotean los recreos.
Y lo peor, es que no sé cómo encontrarte,
En qué momento saltaste
De esta carroza pulida
Por la erosión de los elementos.
Mas, no importa, en algún momento,
Un unicornio azul a todos se nos perdió,
Y, aunque parezca una canción,
Es un buen comienzo.
Nirvana
30 años del Unplugged de Nirvana, la catástrofe que no fue
El grupo tenía muchas dudas sobre trabajar para un símbolo corporativo. Kurt Cobain ya estaba en un momento muy delicado. La cadena presionaba sin éxito para que hicieran más hits y los ensayos eran flojos. Y sin embargo, el "MTV Unplugged in New York" hizo historia.
Cuando Kurt Cobain imaginó su visceral grunge desnudo hasta los huesos, imaginó un santuario. "Dijo: 'Quiero velas y lirios de la variedad Stargazer", recuerda Alex Coletti, productor del célebre MTV Unplugged in New York de Nirvana. "Le dije: '¿Como un funeral? Me contestó: 'Sí, exactamente'".
Efectivamente, cuando en noviembre de 1994 se publicó la grabación del MTV Unplugged de Nirvana, lleno de flores, Cobain parecía estar cantando su propia elegía. Siete meses después de un suicidio con escopeta que impactó al mundo entero, ahí estaba él, vivo pero poderosamente herido, metiendo la mano en el cartílago de canciones como "Polly", "Something in the Way" y "All Apologies" en su forma más catártica, sacando algo crudo, magullado e inconsolablemente honesto. El álbum alcanzaría el número 1 en las listas de todo el mundo, incluidos los dos mercados principales del Reino Unido y Estados Unidos, y vendería más de 14 millones de copias, un vívido último testamento del Nirvana de Cobain y un destello de una revolución folk-rock que nunca llegaría a producirse.
De hecho, el MTV Unplugged in New York estuvo a punto de no realizarse. Desde el principio, esta banda con un gran corazón punk -que se lanzó repentina e inesperadamente al corazón del mainstream con Nevermind en 1991- se mostró recelosa del compromiso artístico que suponía colaborar tan estrechamente con el demonio corporativo de la MTV. La serie Unplugged no había exudado precisamente credenciales punk hasta ese momento, con artistas de la talla de Elton John, Sting, Crowded House y Aerosmith tomando el testigo de cuerpo hueco. Eric Clapton había convertido su aparición de 1992 en el álbum en vivo más vendido de todos los tiempos, gracias a una desgarradora interpretación de "Tears in Heaven".
"Habíamos visto los otros Unplugged y no nos gustaron mucho", declaró el baterista de Nirvana Dave Grohl a Rolling Stone en 2005. "La mayoría de los grupos los trataban como conciertos de rock: tocaban sus éxitos como si fuera el Madison Square Garden, pero con guitarras acústicas". Pero grupos como REM, Neil Young, The Cure y Pearl Jam, otra de las bestias del grunge de Seattle, habían superado el reto lo suficiente como para que Nirvana pensara que podía imprimir su propio arte subversivo al formato, sobre todo desafiando la presión de la MTV para tocar sus mayores éxitos en favor de temas más sombríos y versiones de culto. Nota aquí.
Rafa Mora
OBSOLESCENCIA PROGRAMADA
El amor caduca, claro.
Si no fuese así, ¿qué sería del mundo?
No podría calibrar su intenso color.
Retrasaríamos su extinción.
Por pena, por miedo, por vergüenza. Sin respeto.
Y entonces no evolucionaría y quedaría estancado en un fango profundo y peligroso.
El amor, caduca,
a pesar de los esfuerzos.
Necesita del desamor para ensanchar sus fronteras.
Para equilibrarse.
Para escribirse, de nuevo, con mejor caligrafía.
Con renovada mirada.
Aterra.
Pero caduca,
y cuanto antes se asuma, más fácil será emprender, una vez más,
su caprichoso vuelo.
Ismael Serrano
«La etiqueta de cantautor penaliza, si vas con ella a un festival te mirarán rarito»
Presenta esta semana en Santiago y Pontevedra el disco «La canción de nuestra vida»
Ha llegado a los 50 años Ismael Serrano (Madrid, 1974). Y hay cierta sensación de crisis superada al rebasar el medio siglo de vida. «Supongo que una cifra así, tan rotunda, lleva a plantear muchas cosas a cualquier persona», dice el autor Papá cuéntame otra vez. «Si ya de por sí un músico tiene un conflicto con el paso del tiempo y trata de combatirlo o enfrentarlo a través de las canciones, pues con 50 digamos que se invita a hacer balance. De lo aprendido, de lo que uno ha conseguido, de las promesas que se hizo, todas esas cosas», añade. Esta semana dará algunas de las respuestas a ello en Galicia con los conciertos que tiene previstos en Santiago (jueves 21, Auditorio Abanca, 20.30 horas) y Pontevedra (viernes 22, Auditorio Sede Afundación, 20.30 horas). Los organiza Cávea Producciones.
—¿Cómo vería aquel Ismael Serrano joven que prometía hacer ciertas cosas al artista de hoy?
—Bueno, creo que estaría contento, en el sentido de ver que ha cumplido algún sueño, como el de poderse dedicar profesionalmente a la música y viajar con la guitarra al hombro, como lo hago. Supongo que estaría satisfecho, en la medida en la que puedo estar satisfecho, siendo como soy un insatisfecho permanente. Pero creo que aquel chaval vería que gran parte de sus sueños se han cumplido y eso es un privilegio del que hay que ser consciente.
—El año pasado lanzó «La canción de nuestra vida». ¿Va más allá del tópico del disco de madurez?
—Es verdad que es un disco que habla de la madurez, de lo que supone alcanzarla. También de lo que es, dentro de ese conflicto en el paso del tiempo, darse cuenta de que no conlleva solamente y siempre una renuncia. Al contrario, el paso del tiempo te regala cosas. Te regala la oportunidad de vivir experiencias inolvidables, de conocer a gente maravillosa, de abrir ventanas a la esperanza y de tener experiencias bonitas, que son susceptibles de convertirse en canción. No perder esa curiosidad y seguir con esa búsqueda es algo que considero muy importante.
—Después de ese disco, llega «Sinfónico», el sueño grandioso de muchos artistas. ¿Era su modo de trascender a la crisis?
—El álbum sinfónico es una fantasía recurrente en todo músico que hace canción popular, desde Metallica hasta Raphael. Es verdad que si tú llevas las canciones a otro lugar, tiene algo de autocelebración, de darse el gusto de hacer un disco de estas características. Sitúa las canciones en otro lugar, les imprime otra épica, otra mirada y, sobre todo, tiene ese punto de celebrar la canción, el paso del tiempo y todo lo que uno ha hecho hasta ahora.
—Se autodenomina cantautor, un término del que muchos rehúsan. Algunos dicen que es por la catalogación de las plataformas. ¿Cree que es así?
—Hay un problema ahí, que genera una dificultad para ser escuchado. En Spotify hay diferentes tipos de listas que están hechas o bien por un algoritmo o bien por un prescriptor. Hay listas oficiales de pop, de indie, de latino y no sé qué más que están elaboradas por prescriptores. En el caso de la canción de autor solo existe una lista y la hace un algoritmo. Yo creo que la etiqueta de cantautor penaliza y muchos artistas son conscientes de ello porque, claro, eso no les relaciona con la tendencia más urbana, por así decirlo, que es la que más les va a visibilizar. Ese tipo de etiqueta les beneficia en las búsquedas, a la hora de introducirlos en según qué listas e, incluso, para participar en según qué festivales. Pero si vas por ahí con ella, diciendo que eres un cantautor, en un festival te van a mirar bastante rarito. Que esa es otra historia.
—Los festivales son otro pilar de la industria y cada vez acaparan más poder en la música en vivo.
—Sí, y hay una búsqueda desesperada por entrar en ese circuito festivalero. Hablo de los artistas en general, no solamente de los cantautores. ¿Cómo encajar? ¿Cómo meterse en ese circuito? Creo que va relacionado con Spotify, porque en el fondo, cuando tú vas a un concierto, de alguna manera lo que quieres ver es algo que se parezca a una playlist de esa plataforma. Son conciertos muy cortos, de 40 o 45 minutos. Y el festival tiene que ver más con la socialización que con la experiencia inmersiva que ofrece un concierto. En un teatro, por ejemplo, se apagan las luces y tu atención se enfoca en el escenario. El artista en cuestión construye un relato, por así decirlo. No en el sentido tradicional de presentación, nudo y desenlace, pero es un relato de lo que quiere ofrecer, de lo que quiere decir, de cuáles son sus inquietudes. A veces es un relato construido de manera inconsciente, pero que funciona así. Nota aquí.
martes, noviembre 19, 2024
Juan Villoro
Juan Villoro: la lectura como forma rebelde de la memoria
Se trata de un enorme y ambicioso fresco de costumbres contemporáneas. El escritor mexicano va y viene en el tiempo, con la cultura de la letra como eje.
El escritor mexicano Juan Villoro ha dado cuenta de su eclecticismo en su larga trayectoria intelectual: publicó novelas, ensayos literarios, crónicas de viaje, reflexiones autobiográficas, textos sociológicos, en todos los casos con agudeza y pluma elegante. Lo que diferencia al flamante No soy un robot (publicado por Anagrama) de otros títulos anteriores (tan diversos entre sí como El testigo, El vértigo horizontal y La utilidad del deseo) es que ha incorporado (casi) todos esos géneros en un solo libro. Exceptuando la "novela", siempre y cuando no se admita la licencia de atribuirle a la ciencia ficción las distopías que describe en este volumen.
En función de esta heterogeneidad, No soy un robot puede ser entendido como un enorme y ambicioso fresco de costumbres contemporáneas. Para estar a la altura de semejante ambición, Villoro ejecuta con maestría un constante viaje temporal, que vislumbra el futuro a la vez que lo contrasta -o más bien lo complementa- con las infinitas tramas del pasado. Lo que atraviesa ese recorrido de ida y vuelta es la cultura de la letra.
A partir de ese eje aglutinante y disparador de sentidos, Villoro viaja en tiempo y espacio, desplegando una erudición apabullante que en ningún momento roza la petulancia: cada cita filosófica y literaria -son tantas que convierten a No soy un robot a candidato a libro más subrayado de la década- está justificada por una idea, que conecta con otra, y luego con otra. Un link permanente y fascinante, algo asi como la prueba de que la fragmentación radical de estos tiempos no necesariamente conduce a la anomia cultural.
El libro está dividido en dos grandes capítulos. A grandes rasgos, en el primero ensaya una "lectura de las tecnologías" y en el segundo ofrece una mirada sobre "las tecnologías de la lectura". De ese juego dialéctico surgen tantas conclusiones como interrogantes. El presente eterno de internet y la sombra despersonalizadora de la inteligencia artifical afectan pero no anulan la lectura, definida por Villoro como "una forma rebelde de la memoria". Villoro es profundamente crítico del nuevo contexto tecnológico que induce a la "desaparición de la realidad". Pero su mirada no es apocalíptica ni maniquea. "La lectura digital se potencia con la lectura literaria", morigera Villoro, también él, quizás, un "optimista de la catástrofe". Nota aquí.
Rafael Amor
CiberCanción de Autor nos cuenta por Facebook.
𝗥𝗮𝗳𝗮𝗲𝗹 𝗔𝗺𝗼𝗿, 𝚄𝚗 𝗖𝗼𝗿𝗮𝘇ó𝗻 𝗟𝗶𝗯𝗿𝗲.
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Según la RAE, una PEÑA es : Un grupo de personas y camaradas que se juntan para fomentar la admiración a un personaje. Y en esencia, eso fue lo que vivimos la pasada noche en Madrid. El personaje : Don Rafael Amor.
Disfrutamos de ese memorable tributo a la figura del poeta y cantor Rafael Amor en La Casa de los Comunes de Madrid. El preludio al concierto fue la proyección de un minidocumental donde a través de entrevistas de archivo, una vez mas, se reivindicada su figura, pudimos empaparnos de su filosofía vital y social, su sabiduría y su conocimiento del sentir popular. Salvador Amor como excelso maestro de ceremonias fue presentándonos a los cantores y poetas que estaban allí para poner en valor la indispensable figura del cantor argentino. Fue Miryam Quiñones quien comenzó este maravilloso homenaje, un soberbio “𝗩𝗶𝗼𝗹𝗲𝘁𝗮” acompañada a la guitarra de David Díaz, si ya la canción es exquisita, en la voz de Miryam crece de forma exponencialmente dulce. Después, nos cantó “No, no, no” un tema del peruano Andrés Soto a ritmo de landó. A continuación, le tocó el turno al leganense David Torrico, que hizo una esplendida versión de “𝗟𝗮 𝗺á𝘀 𝗯𝗼𝗻𝗶𝘁𝗮 𝗱𝗲𝗹 𝗯𝗮𝗿𝗿𝗶𝗼” para acto seguido, deleitarnos con la nota tradicional del concierto. De pie, "porque el folklore hay que hacerlo de pie", acompañado de pandereta “a lo ligero” y “a lo pesao”, nos regaló “𝟰𝟭 𝗱𝗲 𝗠𝗮𝘆𝗼” un ritmo cántabro con actualizaciones más mundanas que entroncan con esa evocación poética, o no tanto, de nuestro primer amor. El siguiente turno fue par Bego Ortíz y David Díaz, “𝗛𝗮𝘀𝘁í𝗼” un melancólico tema, quizás de los menos conocidos del bardo argentino, pero que en la incisiva y aterciopelada voz de Bego cobra hoy en día una nostalgia serena, que, con un susurro, lo eleva a una nueva dimensión. Después nos hicieron dos temas, entre ellos “𝗛é𝗿𝗼𝗲𝘀 𝗱𝗲 𝗣𝗼𝘀𝘁𝗴𝘂𝗲𝗿𝗿𝗮”, un canto intergeneracional contra la soledad. Luego el turno fue para el antequerano Alberto Alcalá , un maravilloso “𝗥𝗲𝘁𝗿𝗮𝘁𝗼 𝗱𝗲 𝗥𝗮𝗳𝗶” con pellizco sureño y elegante sensibilidad andaluza. Continuando con “𝗠𝗮𝗹𝗽𝗮𝘀𝗼” un tema de su último disco “𝙊𝙩𝙧𝙖 𝙚𝙙𝙖𝙙” un temazo sin subterfugios, en cuartas poéticas, natural y sencillo, la música en estado puro. Dani Mayo fue el siguiente con “𝗨𝗻 𝘃𝗮𝗹𝘀 𝗮 𝗯𝘂𝗲𝗻𝗼𝘀 𝗔𝗶𝗿𝗲𝘀” trajo la esencia del ambiente porteño que tan bien plasmara Rafael Amor; después nos hizo “𝗟𝗮𝘀 𝗛𝗼𝗷𝗮𝘀”: afrontar los cambios y dejarse llevar, volar y respirar dejando que la vida suceda. Balta Cano, cantautor serrano, subió al escenario , que no cantó ninguna del maestro “porque dice que le multan”, pero nos cantó “ 𝗠𝗶 𝗺𝗮𝗻𝗼 𝗲𝘀𝘁á 𝘁𝗲𝗻𝗱𝗶𝗱𝗮 𝗽𝗮𝗿𝗮 𝘁𝗶” , eficaz silbido al viento , voz potente y descarnada , un grito poético que nos trae recuerdos del canto popular latinoamericano. Después un par de sentidos poemas a cargo de Nancy Mulbayer : Madre de La plaza y Grito Obrero. Finalmente, el turno fue para el cantor de Neuquén, en la Patagonia argentina, 𝗖𝗲𝘀𝗮𝗿 𝗖𝗮𝗯𝗲𝘇as, nos hizo el solidario y reivindicativo himno "piquetero"“𝗢𝗹𝗼𝗿 𝗮 𝗚𝗼𝗺𝗮 𝗾𝘂𝗲𝗺𝗮𝗱𝗮” con Salvador Amor y David Diaz.
𝗣𝗘𝗥𝗢 𝗟𝗢 𝗠𝗘𝗝𝗢𝗥 𝗘𝗦𝗧𝗔𝗕𝗔 𝗣𝗢𝗥 𝗟𝗟𝗘𝗚𝗔𝗥 ; cuando se dio fin al acto y el grueso del respetable se había marchado, llegó el post-concierto en “𝗖𝗼𝗿𝗿𝗼 𝗖𝗵𝗶𝗰𝗼” (que según 𝗘𝘂𝘀𝗲𝗯𝗶𝗼 𝗠𝗮𝗿𝘁í𝗻 patriarca de grupo tradicional salmantino Mayalde, es donde la música popular se vuelve esencia y las canciones cobran vida) Un corro donde la guitarra corría de mano en mano haciendo grande la canción, un círculo donde el canto se une en forma y fondo, convirtiéndolo en magia, donde se hermanan continentes y concilian almas al ritmo de una voz y una guitarra. Un encuentro entre poetas, amigos y artistas donde sonaron, entre otras canciones: “Negro Pino” ( Cesar Cabezas ), “La Chelo” (Alberto Alcalá) , una entrañable canción de Alex Dandrea a su padre , enfermo de Alzheimer, que nos puso los pelos de punta y las lágrimas a flor de piel, e incluso una Zamba de “vuelta entera” bailada con galantería cortesana y fundamento por una pareja espontáneos argentinos.
Los homenajes, a este y al otro lado del charco, son un justo tributo a todo lo que significó y significará la figura de Rafael Amor.
¡𝐆𝐫𝐚𝐜𝐢𝐚𝐬 𝐒𝐚𝐥𝐯𝐚𝐝𝐨𝐫 𝐀𝐦𝐨𝐫!
¡𝙀𝙨𝙩𝙖𝙢𝙤𝙨 𝙘𝙤𝙣𝙩𝙞𝙜𝙤, 𝙚𝙨𝙩𝙖𝙢𝙤𝙨 𝙘𝙤𝙣 𝙍𝙖𝙛𝙖𝙚𝙡 𝘼𝙢𝙤𝙧!
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