Cristina Rota

 

Ernestina Pais

 Murió Ernestina Pais en un accidente ferroviario

La reconocida conductora falleció en un paso a nivel de Martínez, al ser embestido el automóvil que conducía por una formación del Tren de la Costa.

La conductora televisiva Ernestina Pais murió este viernes a los 54 años al ser embestido el automóvil que conducía por una formación del Tren de la Costa, en un paso a nivel ubicado en la intersección de las calles Sáenz Peña y El Cano, en la localidad bonaerense de Martínez, partido de San Isidro. Falleció en el acto como consecuencia del fuerte impacto.

Pais manejaba un Honda Civic negro cuando intentó atravesar el cruce ferroviario y fue arrollada por la formación de la línea Mitre. De acuerdo con las primeras averiguaciones, una de las principales hipótesis es que la conductora habría cruzado el paso a nivel con las barreras bajas, aunque esa circunstancia deberá ser corroborada mediante el análisis de las cámaras de seguridad y las pericias ordenadas por la fiscal María Paula Hertrig, del departamento judicial de San Isidro.

Los investigadores también determinaron que Pais viajaba sola al momento del accidente. Según las primeras informaciones, se dirigía al Multiteatro, sobre la avenida Corrientes, donde formaba parte del elenco de la obra “El divorcio del año”, junto a Fabián Vena, Juan Palomino y Guillermina Valdés. Nota aquí.

Malena Alterio

 “Mi gran herencia es el cariño de la gente, que amaba a mi padre”

MADRID.- Malena Alterio vive un gran momento. La avalan más de 30 años de trayectoria en los que más de una vez ha disfrutado de calurosos elogios y ha podido jactarse de sus muchas ofertas de trabajo, sí. Pero hoy se la nota especialmente consolidada, segura, con el aplomo que da elegir bien y lucirse en cada papel.

Nacida en Buenos Aires en un período convulsionado de la historia argentina —el 21 de enero de 1974, apenas unos meses antes de la muerte de Juan Domingo Perón, un detonante clave de la crisis política que desembocaría en la irrupción de la última dictadura militar en el país —, tiene ahora mismo una agenda cargada de compromisos profesionales que es una prueba concreta de la valoración de la que puede hacer gala.

Tras su exitoso estreno en Madrid, la obra escrita y dirigida por el argentino Mariano Tenconi Blanco que protagoniza junto con la española Carmen Ruiz, saldrá de gira por España este septiembre, apenas terminado el verano europeo. También aparece en carpeta el rodaje de la segunda parte de Odio el verano, una comedia de Fer García-Ruiz que alcanzó en 2024 una cifra inusitada de espectadores para los tiempos que corren (más de 800 mil entradas vendidas). Y un viaje a Uruguay para estrenar en Montevideo Los que hablan, obra de Pablo Rosal que protagoniza con su exmarido, Luis Bermejo.

Los que hablan se estrenó en 2020 en el Teatro del Barrio, en Lavapiés, y desde entonces ha girado por toda España y regresa de tanto en tanto a la cartelera de esa muy activa sala independiente madrileña, porque cada vez que la programan, se llena. Por otra parte, Amazon Prime Video acaba de lanzar Cochinas, una serie enfocada en la liberación sexual, en la que Alterio interpreta a una señora bien de Valladolid que encuentra en el porno una tabla de salvación para salvar un videoclub familiar.

El trabajo de Malena Alterio en La vida extraordinaria es fabuloso. Tanto ella como su compañera en escena se comprometen a fondo en lo que el diario español ABC definió ocurrentemente como “un decatlón olímpico sobre un escenario”. Es que realmente asombra el despliegue de las actrices en esta pieza de Tenconi Blanco que, en su versión original argentina, protagonizaron Valeria Lois y Lorena Vega. Es admirable por la exigencia física de una obra de dos horas muy intensas (vale la pena destacar el trabajo de la coreógrafa argentina Josefina Gorostiza, que aportó mucha organicidad al movimiento de Alterio y Ruiz en el espacio) y por la multiplicidad de recursos a los que echan mano para interpretar a esas dos mujeres entrañables que susurran y gritan, sufren y se divierten mientras repasan sus historias de vida desde la más rabiosa subjetividad, en un reencuentro atravesado por una catarata de emociones.

La vida extraordinaria estuvo dos semanas en cartel en el Teatro del Canal y agotó todas sus funciones. Es indiscutible que Alterio acertó al aceptar este papel. Lo hizo respondiendo a la intuición que tuvo cuando vio en Buenos Aires Las cautivas, otra obra de Tenconi Blanco protagonizada por Laura Paredes y Lorena Vega: “Me dije: ‘Quiero hacer este tipo de teatro, tengo que hacerlo’”, recuerda ahora. “Esa obra me pareció fascinante por el humor, la poética, la inteligencia, la estructura… Y cuando me llegó el ofrecimiento para hacer La vida extraordinaria y la leí, también quedé maravillada. Confirmé que Mariano es un gran dramaturgo y un gran director”, agrega.

En simetría, Tenconi Blanco también quedó maravillado. “Malena es una estrella en España”, dice. “Pero además de popularidad, tiene reputación. No es solamente alguien muy conocido. Es una actriz realmente prestigiosa. Creo que llegó hasta acá porque es muy responsable y dedicada. Malena trabaja con mucha sutileza, va encontrando en cada ensayo algo que te sorprende. Siempre aporta algo más. Como tiene un catálogo de habilidades muy amplio, entonces va sumando algo nuevo todo el tiempo. Con ella pasa lo que pasa con las grandes actrices: le pedís algo y eso te vuelve transformado en algo muy potente, ya sea un signo, un gesto, un movimiento o una pausa. Y además escucha muchísimo y va a fondo. Como persona es inteligente, cálida, generosa y muy humilde. Disfruté mucho de las conversaciones que tuve con ella. Me gustó que me contara cosas de su padre”, agrega.

Como el público bien sabe, Malena Alterio es hija de Héctor Alterio, el gran actor argentino fallecido en diciembre pasado. Su madre, Ángela Bacaicoa, es una prestigiosa psicoanalista. Y su hermano, Ernesto, también es un popular actor. La vida de esta familia estuvo marcada por el exilio: se mudaron de Buenos Aires a Madrid después de que Héctor fuera incluido en una lista negra por la Triple A.

En España, Malena Alterio se formó en la escuela de Cristina Rota, otra argentina que sufrió de manera directa la violencia en la que quedó involucrada la sociedad argentina en los años 70. Fundadora de la reconocida Escuela de Interpretación en Madrid, Rota abandonó la Argentina después de que los militares secuestraran (en 1977) a Diego Fernando Botto, actor, igual que sus dos hijos María y Juan Diego Botto. Rota estaba embarazada de Nur Al Levi (también actriz) cuando decidió marcharse a España, donde formó a varias generaciones de actores, entre ellos Malena y Ernesto Alterio.

Los primeros pasos de Malena Alterio en el teatro, a mediados de los años 90, pueden ser considerados como la necesaria etapa de acumulación de experiencia previa antes de pegar el gran salto con Aquí no hay quien viva, una popular serie del canal Antena 3 de la que se habló muchísimo en España entre 2003 y 2006. Pero toda su carrera está jalonada por grandes hitos: fue nominada para un Goya en la categoría Mejor Actriz Revelación ya con su debut cinematográfico, en la comedia El Palo (2000); fue muy elogiada por su labor teatral —en Tío Vania (2008), en Madre Coraje (2010), en Los hijos se han dormido (2012)—; y fue también gran protagonista de otro suceso, Vergüenza (2018), serie de Movistar+ por la que ganó los premios Feroz y Fotogramas de Plata. En 2024, finalmente, llegó el esperado Goya como Mejor Actriz Protagónica por Que nadie duerma (2023), película dirigida por Antonio Méndez Esparza y basada en la novela homónima de Juan José Millás. En ese largometraje interpreta a Lucía, una programadora informática que, tras perder su empleo, decide convertirse en taxista en Madrid. Y su desempeño justifica plenamente el reconocimiento.

“Fue una alegría inmensa —rememora Alterio dos años después de aquel alegrón—. Y fue buenísimo que lo hayan podido vivir mi padre y mi madre. Me hizo sentir un gran abrazo de mis compañeros, mis amigos, mi familia. Toda la felicidad que hubo a mi alrededor en aquel momento me llenó durante mucho tiempo. Y me sigue llenando...”.

—Se suele preguntar a los actores y las actrices si es más difícil la comedia o el drama, ¿vos qué opinás?

—No separo tanto entre géneros, no entiendo el drama sin comedia ni la comedia sin drama. La comedia, que es con lo que generalmente se me identifica, debe estar muy bien escrita y debe tener ritmo. Tienes que saber reírte de ti mismo, además. Pasar vergüenza delante de todos sin tener pudor. Yo no tengo pudor, pero también soy bastante dramática; tengo una veta melancólica. Dicen que los cómicos siempre tienen algo de payaso triste. Yo me reconozco mucho en eso. Nota aquí.

María Rosa Fugazot

 Murió María Rosa Fugazot a los 83 años: actriz insignia y referente de la cultura argentina

Construyó una extensa carrera entre la comedia, la revista, la música y el drama, siempre guiada por una profunda conexión con el público.

La noticia comenzó a circular en las primeras horas de este lunes, aunque el final de la historia había llegado la noche anterior. A las 21.41 del domingo, en su departamento de la calle Güemes al 4700, se confirmó la muerte de María Rosa Fugazot, una de esas actrices que atravesaron generaciones y que hicieron del escenario un lugar sagrado. Cuando el personal del SAME llegó al domicilio, ya nada podía hacerse. Tenía 83 años. Detrás quedaban casi siete décadas de trabajo ininterrumpido, de camarines, giras, luces, aplausos y una vocación que jamás abandonó.

Hasta hace muy poco seguía haciendo lo que más amaba. Cada semana subía al escenario del Teatro Picadilly para formar parte de Viejas Chorras, la comedia que compartía junto a Divina Gloria, Cristina Maresca y Cristina Tejedor. Allí seguía encontrándose con el público, ese vínculo que siempre consideró el verdadero tesoro de una carrera artística.

Nacida el 20 de diciembre de 1942 en Vicente López, parecía destinada a convivir con las tablas desde la cuna. Hija de dos figuras del espectáculo, María Esther Gamas y Roberto Fugazot, creció entre historias de teatro, música y radioteatro. Sin embargo, el apellido nunca fue un atajo. Desde muy joven entendió que el oficio se construía con esfuerzo, disciplina y una enorme capacidad de adaptación.

Tenía apenas 15 años cuando debutó profesionalmente. Lo hizo impulsada por la curiosidad, pero también por una pasión que ya resultaba imposible de ignorar. Desde entonces nunca dejó de trabajar. Comedias, dramas, revistas porteñas, espectáculos musicales y televisión fueron moldeando una trayectoria tan extensa como diversa. Su talento le permitió transitar géneros muy distintos sin perder jamás una característica que la acompañó durante toda su carrera: la cercanía con la gente.

La vida artística de María Rosa también tuvo capítulos que pocos conocen. Fue cantante de la orquesta de Eddie Pequenino y llegó a compartir experiencias musicales junto a Frank Sinatra Jr. y la legendaria formación de Tommy Dorsey. Sin embargo, cuando repasaba su recorrido profesional prefería hablar de los momentos difíciles antes que de los grandes nombres.

En una entrevista concedida a Teleshow en octubre del año pasado, dejó una definición que resumía su forma de entender la vida. “Nunca tuve anillos para trabajar”, contó. Y recordó aquellos años en los que, siendo apenas una adolescente, se quedó sin empleo artístico y decidió buscar trabajo en una fábrica cosiendo puntillas para corpiños y bombachas. “Me pagaban tres pesos la hora y yo trabajaba lo suficiente como para sacarme la comidita y los cigarrillos”, relató entonces, sin nostalgia ni dramatismo, como quien sabe que la dignidad nunca depende del oficio sino de la forma en que se lo ejerce. Nota aquí.

Chunchuna Villafañe

 Murió Chunchuna Villafañe: Adiós a la muñeca comprometida

Fue arquitecta y modelo publicitaria, pero brilló como actriz de cine, teatro y televisión. Trabajó codo a codo con el Padre Carlos Mugica en la Villa 31 y tras el golpe cívico-militar, se exilió junto a su pareja de entonces, el recordado Fernando “Pino” Solanas.

Su apodo era una deformación de “Chonchona” porque así le decían a su mamá. Y significaba “muñeca”. Con semejante belleza, no le hizo caso omiso a la profesión de modelo y grabó más de 200 publicidades. Pero con una gran salvedad: si el mundo del modelaje suele ser considerado frívolo, glamoroso y careta, ella fue todo lo contrario. Más bien estuvo en las antípodas: fue una de las actrices argentinas más comprometidas de su generación, al punto que estuvo exiliada desde 1976 durante la dictadura cívico-militar. Este jueves 4 de junio murió Chunchuna Villafañe a los 92 años. Si 2025 cerró prácticamente con la muerte de Héctor Alterio, y 2026, a poco de comenzar, fue testigo del fallecimiento de Luis Puenzo, buena parte del alma de La historia oficial ya reside en otras almas: las de los espectadores que supieron emocionarse con una de las películas más importantes del cine argentino.

En una publicación de Instagram, una de sus hijas, la cantante, música y actriz Juana Molina -de su matrimonio con Horacio Molina-, escribió: “Queridos amigos murió mi querida mamita. Era algo que esperaba y temía. Sucedió esta madrugada. Es un cocktail de sensaciones, cuando volví a su casa y vi su cama vacía me di cuenta de que la voy a extrañar mucho. Esa ausencia inmensa. Ir a su casa a conversar era algo que hacía muy a menudo y sería incapaz de recordar alguna de esas conversaciones que duraban horas. No sé de qué hablábamos, pero hablábamos mucho. Creo que ahora quiero estar con mi hijita bien juntitas las dos”.

Elba Chunchuna Villafañe nació en Buenos Aires el 9 de abril de 1934. La historia indica que fue bisnieta del político y gobernador de provincia Benjamín Villafañe, y su padre César Villafañe fue jinete internacional. Chunchuna era sobrina de la artista Elba Villafañe, una multipremiada dibujante, escultora y pintora argentina. Viajó y vivió con su familia en diversas provincias. Cuando se mudaron a Buenos Aires, Chunchuna estudió en el Colegio del Sagrado Corazón y luego en la Facultad de Arquitectura de la UBA. Tras recibirse, al mismo tiempo que se dedicaba a la arquitectura, comenzó a trabajar como modelo realizando desfiles y numerosas publicidades. Fue la cara visible de productos que iban desde televisores hasta bancos o bebidas alcohólicas.

Pero el comienzo de esta nota hablaba del compromiso, y en la década del ’70 su vida cobró otra dimensión: empezó a trabajar con el Padre Carlos Mugica en la Villa 31. A principios de noviembre de 1972, hubo una carta que la sorprendió: contenía una invitación muy especial. Era una de las figuras elegidas para acompañar a Juan Domingo Perón en el vuelo de regreso al país, desde Italia, luego de 17 años de exilio en España. El viaje incluyó a 154 personas, casi todos hombres: sindicalistas, futbolistas y cantantes. Entre ellos, estaba la modelo más importante del país. En 1976, luego del golpe, ella y su pareja de entonces, el recordado realizador y político Fernando “Pino” Solanas, fueron amenazados de muerte y tuvieron que abandonar la Argentina, comenzando su exilio primero en Madrid, para luego establecerse por varios años en París.

El retorno de la democracia vino con alto impacto, pero esta vez artístico, aunque no menos comprometido: Chunchuna -que había estudiado con Agustín Alezzo-, fue elegida para trabajar como actriz de reparto en La historia oficial, ganadora del Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa en 1986. La periodista Virginia Mejía reconstruyó en su libro Chunchuna, confesiones de un ícono pop, cómo surgió su participación en la obra cumbre de Puenzo. Chunchuna iba caminando por la calle Florida, a la altura de Paraguay, y se topó ahí nomás con el director. “Me dijo ‘Ay, yo te quería hablar’, y pensé ‘¡Qué pesado! Seguramente me va a pedir que haga el papel de una tipa sexy, como todos los que vengo haciendo’. Estaba cansada de decir que no quería ser una mujer fatal, divina, donde lo único importante era mostrar el traste. Me dijo: ‘Quiero que encarnes el papel de una mujer en la primera película que yo hago profesionalmente’. El ya había hecho mucha publicidad y era conocido, así que yo pensé ‘Ma’ sí, lo hago’. Le dije que sí. Continué mi camino, y más tarde me llamó y me envió el libreto”, recordaba la actriz.

Su rol era el de una exiliada que retorna a la Argentina en 1983 y se reencuentra con su amiga Alicia, interpretada por Norma Aleandro. Ambas construyeron una de las escenas más impactantes y recordadas de la historia del cine argentino. Tras una cena en la casa de Alicia junto a su marido (Héctor Alterio), un hombre vinculado a los militares, cuando quedan solas, ríen, lloran y beben. Y su personaje le confiesa al de Norma cómo terminó por exiliarse: antes había sido secuestrada, torturada y violada debido a su relación con un hombre marcado por los milicos como “subversivo”, aunque ella había dejado de verlo dos años antes. Ingenuamente, Alicia le dijo que debía haberlos denunciado, lo que despertó respuestas irónicas de su amiga. Nota aquí.

Verónica Forqué

 La historia de Verónica Forqué contada por su hija en un libro: “Se estaba muriendo, delante de mis ojos, y yo no podía hacer nada”

María Iborra Forqué repasa la vida de la cuatro veces ganadora de un Goya, y recuerda sin tapujos sus dificultades para quedarse embarazada, la adicción a los porros, los efectos de su paso por ‘MasterChef Celebrity’ y la dramática muerte de la intérprete en 2021.

“Mi madre era un ángel, pero también tenía un demonio. Lo que más llegaba a la gente era lo primero. Pero también había en ella una inclinación hacia lo oscuro, hacia lo inquietante, como si deseara ponerse a prueba y romper con todos los límites y convenciones”. Así comienza No soy Verónica Forqué (Vergara, 2026), la biografía de la fallecida actriz escrita por su única hija, María Iborra Forqué, y Antonio Álamo, publicada este jueves 7 de mayo. Un libro que le ofrecieron a la intérprete hacer en vida, pero para el que no aceptó ofertas. Ahora es su vástaga la que toma la palabra, la que intenta resumir en más de 300 páginas su trayectoria profesional, relatar capítulos inéditos de su vida y hablar sin tapujos de lo que ocurrió en las horas previas a que se quitara la vida, el 13 de diciembre de 2021. De momento, María Iborra Forqué prefiere que hable su libro; ella no quiere hablar con la prensa.

Forqué creció en una familia de artistas. Sus padres eran el reputado director José María Forqué y la escritora y actriz Carmen Vázquez-Vigo. Aunque tuvo claro desde pequeña que lo suyo era la interpretación, no fue hasta después de cumplir la mayoría de edad que comenzó a formarse para ello —aunque ya había participado en proyectos sin acreditar—. Pero antes de dar un paso en su carrera profesional, con el que quería “enamorar a su padre” —escribe su hija—, pasó una adolescencia marcada por el activismo. “Ella va al Liceo Italiano, uno de los pocos colegios laicos, si no el único, que había por entonces. No obstante, todas las mañanas les hacen cantar el Cara al Sol, el himno fascista por antonomasia. Con apenas 15 años la expulsan del colegio por hacer activismo político en contra de Franco y a favor de Mao", afirma Iborra Forqué.

La información que da forma al libro la ha podido recuperar gracias a los diarios que la actriz empezó a escribir siendo una niña. Reconoce que es una “suerte” tener estos escritos, ya que en sus últimos años de su vida Forqué decidió ir desprendiéndose de muchas cosas: “Tiró casi todos los recortes de críticas, entrevistas y reportajes de los periódicos y revistas que había guardado. También se deshizo de sus premios, de los Goyas, de la Biznagas, de los Sant Jordi, de los Feroz y demás. A la mierda. Y quiso tirar a la basura hasta su nombre, especialmente su nombre”. Pero sí hubo objetos que guardó: “No se deshizo de algunas de sus fotos, de unos pocos recortes de prensa, de las cenizas de sus seres queridos, de sus libretos de teatro y de sus diarios”. Y ahora pertenecen a su hija, quien quiere que todos se puedan acercar más a la persona que se escondía detrás del personaje.

Gracias a estos extractos de sus cuadernos personales, el lector conoce los amores y desamores de Forqué, las relaciones más estables y cómo conoció al que se convertiría en el amor de su vida y padre de su hija, Manuel Iborra. “El encuentro que tenía que ser”, así describe Forqué su primera quedada en persona con el guionista el 5 de enero de 1982. Unos días antes, ella había soñado que él la llamaría por teléfono. Luego efectivamente la llamó, quedaron y, a partir de entonces, mantendrían una relación a distancia. Nota aquí.

Jacqueline Bisset

 “Hay tanto dolor en el mundo que hablar de cine me parece irrelevante”

La actriz, de 81 años, recibe un premio por su carrera en el festival Saraqusta de cine histórico de Zaragoza y reflexiona sobre Donald Trump, la crisis migratoria y la huella del MeToo

Jacqueline Bisset (Weybridge, Inglaterra, 81 años) está en España después de tanto tiempo que casi ni se acuerda. Ha venido este fin de semana a Zaragoza a recoger un premio por su trayectoria en el festival Saraqusta, especializado en cine histórico. “Si consigo pronunciarlo bien dos veces”, confiesa, “pensé que encontraría el camino para llegar”. Y lo ha hecho. Y eso a pesar de que su viaje, desde Los Ángeles vía Londres donde se le perdió la maleta, ha sido toda una odisea. “Ya no hay personas con quien hablar, solo máquinas que no te resuelven nada”, se lamenta, pese a que la historia del extravío tuvo final feliz, “gracias a un señor muy amable en España”. “Fue un momento de estrés”, reconoce. Bisset viaja sola y sin ningún asistente. “Es activa, completamente autónoma y profesional, escucha y atiende, no deja de trabajar, todo lo hace fácil y no parece que tenga la edad que tiene”, reconoce con admiración el director del festival Saraqusta, José Angel Delgado.

A Bisset le han dado el galardón por un currículo interpretativo lleno de personajes históricos inolvidables. La que fuera actriz de Truffaut, Huston o Polanski ha hecho desde Josefina Bonaparte a Jackie Kennedy, pasando por Anna Karenina. Pero ni en el discurso al recoger su galardón ni en la conversación con EL PAÍS tiene ganas de hablar de cine… y con su mirada verde mar insondable, unos vaqueros, deportivas y un pañuelo que podría pasar por palestino, explica el porqué.

Pregunta. Hacía mucho que no venía por aquí… Por España, y en Zaragoza creo que la primera vez.

Respuesta. Sí, ya ni me acuerdo. Para mí España es placer y yo no viajo por placer. Todos mis viajes son de trabajo. Pero no había estado nunca en Zaragoza, y pensé que era una oportunidad para ver algo nuevo. Y eso me gusta. Y también comerme una de esas tortillas españolas, con patatas y huevos... ¡que me encantan! Aunque confieso que después de decir que sí, tuve un momento de estrés. Siempre voy sola, nunca he tenido secretaria ni asistente ni nada, así que tengo que hacérmelo todo yo misma, ¿sabe? Y este trabajo hay que tomárselo en serio.

P. El viernes, al recoger el premio, prefirió hablar de la vida antes que de su trabajo, el cine. ¿Por qué?

R. Sí, porque es así como soy. Creo que para la gente es increíblemente aburrido que les hablemos solo de cine, es lo que hacen en Hollywood, y me aburren soberanamente. Las películas son fantasías, y me gusta hablar de cosas reales, de las catástrofes humanas que están sucediendo, de las grandes empresas que dirigen nuestras vidas o de la gente terrible que está ofreciendo cosas contra el cáncer que no funcionan. Hay mucha gente sufriendo y soy muy consciente de eso.

P. ¿Se refiere a la salud, usted que cuidó durante décadas a su madre enferma de esclerosis, o a la política? ¿O a todo un poco?

R. Tengo cierto instinto cuando hablo con la gente. Soy capaz de detectar cómo están de salud, si sufren, si necesitan consuelo. Veo que la gente necesita hablar de sus sentimientos, pero si todo el mundo habla y nadie escucha, esto no funciona. Yo puedo escuchar. Lo aprendí de mi padre. La gente necesita mucho consuelo emocional. Veo también mucho dolor y pobreza en el mundo, y frente a todo esto, el cine me parece a veces irrelevante. Es verdad que se puede contar en las películas, pero no es suficiente para ayudar a la gente. Y me acaba pareciendo trivial, aunque hablemos de películas muy importantes.Nota aquí.

Penelope Cruz

 “Yo nunca permitiría a nadie que me quitara la voz a la hora de denunciar el machaque a los civiles y a los niños”

Pocas veces el lugar común que dice “no necesita presentación” es útil. Esta es una. Estrella absoluta del cine español, actriz total, celebridad a todos los niveles, Penélope Cruz —embajadora de Chanel, activista por los derechos humanos, invitada de Bad Bunny y ahora, arcilla en manos de Los Javis— nos cuenta cómo consigue renovar la ilusión por su oficio y sus alrededores.

“Me tenía que subir a un tanque y me había hecho unas pruebas médicas. Después de la pausa para cenar, mientras me estaban poniendo la peluca, tenía a un médico al teléfono que me dijo: ‘Parece que tienes un aneurisma cerebral”, explica la actriz que ha protagonizado algunas de las escenas más memorables del cine de las últimas décadas, dentro y fuera de España. Pero Penélope Cruz (Alcobendas, 51 años) otorga un doble matiz al adjetivo inolvidable cuando relata lo que le ocurrió en su primer día de rodaje de La bola negra, la esperadísima próxima película de Javier Ambrossi y Javier Calvo (que competirá por la Palma de Oro en el Festival de Cannes), mientras se forjaba una de esas escenas que prometen grabarse en las retinas de los espectadores: su personaje tiene que unirse a un grupo de unos 300 figurantes e interactuar con ellos mientras canta y baila. “Yo nunca me olvidaré de esa escena. Primero por la libertad que dan ellos. La energía de ese momento no se puede construir de otra manera, no se puede ensayar de más, tenía que tener algo muy salvaje. Y después por esa llamada del médico. Yo empecé a llorar, intentando que no se me estropeara demasiado el maquillaje, mientras al otro lado había 300 personas esperando para seguir con el número musical. ‘¿Cómo que parece?’, le contesté. Y me dijo que no era seguro, que había que repetir las pruebas. Yo solo le pregunté: ‘¿Puedo hacer ejercicio ahora mismo? Porque tengo que bailar y cantar toda la noche’. Y me dijo: ‘Sí, tranquila, lo puedes hacer’. Entonces me subí al tanque, y siempre recordaré la sensación de estar escuchando el inicio del número musical, pensando que tenía que darlo todo, y a la vez con un miedo… Mi cabeza iba a mil por hora, combinada con la adrenalina del número musical, que es impresionante”.

Pregunta. ¿Y cómo consigue disociarse en un momento así?

Respuesta. Porque el médico me dijo que podía hacerlo. Pero siempre recordaré esa sensación, lo extraordinarias que son algunas situaciones que se viven en esta profesión. Al día siguiente se lo conté a ellos, porque necesitaba sacármelo de dentro. Y se portaron genial y me dieron todo el apoyo del mundo, porque me tiré tres o cuatro días pensando que tenía un aneurisma mientras seguíamos rodando. Luego me repetí las pruebas y se despejaron las dudas, que al parecer son frecuentes. No tenía nada, era una cuestión anatómica.

Ese temor, tan insólito como la llamada que lo provocó, no tiene nada que ver con otro que acompaña a la actriz: “Al comienzo de cada rodaje tengo miedo de que me despidan. Creo que sin ese miedo no me reconocería. Para mí es un indicador de que mi trabajo me sigue importando tanto como al principio”.

Su participación en la película de Ambrossi y Calvo surgió de una comida: “Yo quería sentarme con ellos porque me parece que tienen un talento impresionante y porque nos habíamos visto en algunas ocasiones y siempre nos decíamos: ‘tenemos que trabajar juntos’. Entonces Katrina [Bayonas, representante de la actriz] organizó una comida. Y en esa comida, ellos me contaron que estaban escribiendo La bola negra. Y me dijeron: ‘Hay un personaje… lo que pasa es que nos da cosa mandártelo porque es pequeño’. Y yo les dije que para mí no hay personaje pequeño, hay personaje bueno o malo. Y cuando me lo mandaron les dije: ‘¿Pero estáis locos? ¿Cómo habéis dudado? ¡Si es un bombón de personaje, con dos números musicales y una escena!’. Yo creo que ahí ha empezado una relación, hemos tenido tal conexión… Tenemos muchos planes juntos”. Nota aquí

Carmen Maura

 Carmen Maura se desnuda a los 80 años: “Me caen bien los señores, pero ya no me interesan”

Tuvo que enfrentarse a su familia y a su clase social para dedicarse a la interpretación. En el proceso, en plena Transición, se convirtió en una estrella y ayudó a crear un nuevo modelo de mujer española. A sus 80 años, sigue rompiendo moldes. En su última película protagoniza el primer desnudo de su carrera.

“¿No va a venir nadie a recibirme?”. Una figura menuda pero poderosa irrumpe en el estudio fotográfico. Carmen Maura (Madrid, 80 años) entra en escena. Es pequeña y delgada, pero su voz, una de las más inconfundibles del cine español, es rotunda. No parece estar de muy buen humor. Luego reconocerá que ha tenido que madrugar para esta sesión de fotos y que detesta tener que hacerlo. “Me da mucha pereza levantarme temprano. Es lo que más me cansa de este trabajo. Por eso estoy todo el rato pensando en retirarme”, va a admitir. Ahora preferiría estar en su piso, en el barrio madrileño de Chamberí, con su perrita. “No sabes lo mona que es mi casa. La tengo desordenada y llena de pijadas, pero soy muy feliz ahí. Cada vez me cuesta más salir”.

En días como hoy, en los que tiene que salir pronto de la cama, es cuando más fantasea con dejar de trabajar. No se retira porque se sigue divirtiendo. Le gusta tanto la interpretación que lleva casi 60 años ejerciéndola. Empezó de veinteañera y, desde entonces, ha hecho más de 120 películas, más de 30 obras de teatro y una veintena de programas de televisión.

En realidad, Maura empezó a actuar mucho antes. Ya de niña se pasaba el día interpretando papeles en la casa familiar, no muy lejos de donde vive ahora. “Éramos dos niñas y dos niños. Mis padres se preocupaban por las notas de mis hermanos, querían que sacaran matrículas. A nosotras nos trataban diferente. Nosotras, las mujeres, les importábamos un bledo”, recuerda. Pero ya sabía cómo llamar la atención. “Yo tenía mucho carácter. Me llamaban la gordita cascarrabias”. Fuera de casa, en el colegio, le costaba más. Se moría por actuar en las obras escolares, pero, como era “gordita y morena”, las monjas nunca le daban un papel con parlamento. “Siempre ponían a la rubia de ojos azules y a mí me ponían en el quinto infierno, haciendo de angelito callado”.

Un día, con 16 años, cansada de que la despreciaran, montó su propia producción teatral, una adaptación de Modas, sainete en un acto y en prosa, de Jacinto Benavente. Como la dirigía ella, se dio a sí misma el papel principal. Fue su primer rol como protagonista. La vio un representante teatral y le ofreció formar parte de su compañía. A sus padres, el médico oftalmólogo Salvador García Santa-Cruz y la aristócrata María del Carmen Maura y Arenzana, no les hizo gracia. Le prohibieron cualquier contacto con el teatro. En su familia podía haber duques y condes, pero no actrices.

“Para mis padres, lo de ser actriz era un horror, una tragedia. Para mi hermano mayor, todas las actrices eran putas. La actuación era como un veneno”, explica. Con 20 años se casó con el abogado Francisco Forteza Pujol, miembro de una de las familias más ricas de Baleares. Fue su manera de independizarse. “O eso pensaba yo. En realidad, pasé de la casa de mis padres a la de mi marido”. Tuvo dos hijos, María del Carmen (1967) y Pablo (1970), pero a los cuatro años se divorció. Forteza obtuvo la custodia de los niños y durante 12 años le impidió tener contacto con ellos.

“La primera semana sola fue un poco rara, pero me acostumbré a gran velocidad. Ahora me encanta la soledad. Es más, no solo me encanta, sino que la necesito. Cuando estoy con mis hijos, al cabo de 48 horas necesito estar sola”, confiesa. “La relación con ellos es un poco especial porque me los quitaron cuando eran pequeños. Luché mucho por conseguir la custodia, pero llegó un momento en que dije: no voy a perder la vida así. Se acabó, no hay niños. Hice un lavado mental yo misma diciéndome: las cosas son así, disfruta de lo que tienes”. Nota aquí.

Barbra Streisand

 El emotivo homenaje de Barbra Streisand a Robert Redford en los Oscar: “Era un vaquero intelectual”

La actriz y cantante interpretó en el ‘In Memoriam’ la canción ‘The Way We Were’ (Tal como éramos)

Barbra Streisand ha vuelto a interpretar trece años después The Way We Were (’Tal como éramos) en una gala de los Oscar. La actriz y cantante rindió un emotivo y esperado homenaje a Robert Redford, fallecido a los 89 años el pasado septiembre, durante la 98ª edición de los galardones, que se celebra este domingo en Los Ángeles.

Streisand apareció tras el tradicional In memoriam que la Academia de Hollywood dedica a los cineastas fallecidos en los últimos 12 meses y primero quiso agradecer Redford sus años de amistad. “Él era brillante (...) defendió la libertad de prensa, protegió el medio ambiente e impulsó las nuevas voces”, dijo en un discurso en el que también celebró alguno de los logros del actor, como el de la creación del Instituto Sundance, para promover el cine independiente. Movistar Plus, que retransmite la gala en España, compartió el momento de la actuación:

“La última nota que le mandé a él terminaba con un: ‘Yo también te quiero”, recordó la cantante, muy emocionada y al borde del llanto. “Era reflexivo y audaz. Yo lo llamaba un vaquero intelectual que abrió su propio camino”, señaló.

Acto seguido, Streisand cantó, de forma entrecortada, un fragmento de la canción de The Way We Were, tema principal de Tal como éramos, la película que rodaron juntos en 1973, interpretación que recibió una fuerte ovación del público en el Teatro Dolby de Los Ángeles. La cantante y actriz protagonizó junto a Redford esta película mítica de la historia del cine, que ganó dos Oscar, a mejor banda sonora y a mejor canción, por el precioso tema interpretado por Streisand. Nota aquí.

Julieta Ortega

 "Sacarte de encima todas las ideas con las que crecimos las mujeres no es fácil"

Tras el estreno de En el barro 2, la actriz enfrenta los claroscuros de un personaje incómodo y cuenta cómo lo construyó desde adentro: “Sé lo que es estar en un lugar y querer pasar desapercibida”, asegura. Además, reflexiona sobre el deseo, la exposición y el peso de los prejuicios, y habla del desafío de trabajar con su familia. Una charla sin rejas ni tabúes, mano a mano con EPU.

Helena es un fantasma. Pero en este caso no usa una sábana para disfrazarse, como cuando éramos chicos, sino un blanco guardapolvo de maestra. Su historia se irá descubriendo en La Quebrada, desmontando cada pliegue como un origami que se desarma. 

Helena, la nueva reclusa de esta segunda temporada de En el barro, está interpretada por Julieta Ortega, una actriz que maneja el raro arte de la sutileza. Puede ser feroz sin gritar, conmovernos con solo mirar a cámara y recordarnos que nos acompaña desde siempre con personajes como los que hizo en Graduados, Disputas o Un gallo para Esculapio.Seguramente, Helena también ocupará un lugar en nuestra memoria, deslizándose callada entre los pasillos de una cárcel regenteada por la Borges de Ana Garibaldi, la Zurda de Lorena Vega, la Nicole de Eugenia Suárez, la Solita de Camila Peralta o la Gringa Casares de Vero Llinás.

– "En el barro" retoma la tradición del cine carcelario con mujeres hecho en los 80 y los 90. ¿Viste alguna de esas películas para acercarte al personaje?

–No, vi los primeros capítulos de El marginal que dirigió mi hermano Luis, en la primera temporada. Pero me acuerdo de esas películas que decís, yo era chica, me quedaron en la memoria los afiches que veía en la calle; el de Atrapadas,por ejemplo. Eran películas no aptas para menores pero siempre se rumoreaba que había escenas de sexo, y no solo eso sino de ¡sexo entre mujeres! (se ríe).

En su momento no tenía edad para verlas y después tampoco lo hice de grande. Ahora no las tuve en mi cabeza porque Helena, mi personaje, en realidad no pertenece naturalmente a ese mundo de La Quebrada, está un poquito al margen y entra en la cárcel como en las sombras, con un perfil muy bajo, es como un sobrecito que se va abriendo con el correr de los capítulos. ¿Sabés qué tuve en mente? Los casos de maestras que fueron presas por estar con alumnos.

–Algo que acá está más silenciado pero en otros lados ha sido objeto de infinidad de notas. Incluso de películas, como la última de Todd Haynes, "Secretos de un escándalo".

–¡Exacto! Supongo que en la Argentina debe de haber casos, pero los más resonantes sucedieron en los Estados Unidos. Si vos buscás en YouTube está lleno de material. Vi muchas entrevistas a esas mujeres. Algunas de ellas aparecen junto a quienes fueron sus alumnos y hoy son sus parejas; incluso terminaron casadas y tuvieron hijos con esos estudiantes que, en su momento, eran menores de edad. Al principio sabés muy poco de mi personaje, parece como de otra especie.

En los primeros capítulos, Helena no quiere hablar ni llamar la atención, no quiere que le pregunten quién es el padre del hijo ni decir por qué está ahí. Inferimos que fue maestra, sigue dando clases y le enseña a leer y a escribir a Rocky, el personaje de Locomotora Oliveras. Pero nadie sabe a ciencia cierta cómo está en el pabellón de familia, un poquito protegida por estas otras madres, hasta que ese castillo se le empieza a venir encima porque alguien le corre el telón a su historia. Yo me acerqué también desde ahí al personaje, porque sé lo que es estar en un lugar y querer pasar desapercibida, como si fueras una sombra. Nota aquí.

Blanca Suárez

 

Brigitte Bardot

 Murió la actriz francesa Brigitte Bardot a los 91 años

La noticia fue confirmada por la fundación Bardot

La actriz y cantante francesa Brigitte Bardot falleció a los 91 años, según informó este domingo la Fondation Brigitte Bardot en un comunicado oficial remitido a los medios de comunicación. La organización, que lleva el nombre de la artista, expresó su “inmensa tristeza” al anunciar la muerte de su fundadora y presidenta, calificándola como una figura “de renombre mundial” que “eligió abandonar su prestigiosa carrera para dedicar su vida y energía al bienestar animal y a su fundación”. El texto no especificó ni el momento ni el lugar del deceso.

Brigitte Bardot, nacida el 28 de septiembre de 1934 en París, fue una de las personalidades más reconocidas y controvertidas del siglo XX. Su irrupción en la escena internacional se produjo en 1956, con la película “Y Dios creó a la mujer” (Roger Vadim), que entonces era su esposo. Esta obra no sólo la catapultó al estrellato, sino que también marcó un antes y un después en la representación de la sexualidad y la autonomía femenina en la cultura occidental. La cinta, considerada escandalosa en su época, convirtió a Bardot en un mito erótico y un símbolo feminista inesperado, al desafiar los códigos morales dominantes.

A lo largo de casi dos décadas, Bardot protagonizó más de 45 películas, grabó más de 70 canciones y trabajó con algunos de los cineastas más destacados de Francia, como Jean-Luc Godard y Louis Malle. Su filmografía incluye títulos emblemáticos como “La verdad” (“La vérité”, 1960), papel que le valió el David di Donatello —el máximo galardón del cine italiano—, y “El desprecio” (“Le Mépris”, 1963), bajo la dirección de Godard, donde su interpretación consolidó su estatus de musa y leyenda del séptimo arte.

No obstante, en 1973, cuando se encontraba en la cúspide de su popularidad y tenía solo 39 años, Bardot tomó la decisión de retirarse del cine. Describió la fama como una “prisión dorada” y manifestó la necesidad de encontrar otro sentido a su existencia. A partir de entonces, canalizó toda su energía en la defensa de los animales, causa que definió como el verdadero propósito de su vida. En 1986, fundó la Fondation Brigitte Bardot, que desde entonces ha tenido un papel central en campañas contra el maltrato animal, la caza de focas, la experimentación científica con animales y otras luchas similares. La institución ha sido pionera en la promoción de reformas legales y en la concienciación pública sobre el bienestar animal, tanto en Francia como a nivel internacional.

El activismo de Brigitte Bardot tuvo repercusión global. Una de las imágenes más representativas de esta faceta fue su aparición, en 1977, abrazando una cría de foca en Terranova, Canadá. La fotografía recorrió el mundo y contribuyó a que varios gobiernos adoptaran restricciones e incluso prohibieran la caza de estos animales. Bardot nunca dejó de utilizar su notoriedad para impulsar campañas, denunciar abusos y presionar a las autoridades, convencida de que su trabajo en defensa de los animales era el principal legado que dejaría, según declaró en una entrevista con BFMTV en 2025, la primera que concedió a una televisión en más de una década. Nota aquí.

Jodie Foster

 “Si a los sesenta no aceptas que envejeces y que te vas a morir, tienes un problema serio”

Mito viviente del cine, la actriz reflexiona sobre la madurez, el acoso mediático, la supervivencia en Hollywood, el narcisismo contemporáneo y la relación de los jóvenes con la tecnología. Ahora estrena ‘Vida privada’, su primer gran papel en francés

Es un cuerpo pequeño que domina la escena sin levantar la voz, una autoridad silenciosa. En un discreto hotel de cinco estrellas escondido en un lateral de los Campos Elíseos, Jodie Foster aparece envuelta en la luz oblicua que se filtra por las persianas e ilumina una habitación pintada en colores terracota y antracita, los tonos convertidos en el nuevo estándar del lujo internacional. Lleva un esmoquin gris perla de corte masculino diseñado por Thom Browne, de esos que parecen trazados con regla; una camisa blanca abotonada hasta el cuello y una corbata ancha y centrada. El corte recto de su melena y su perfil puntiagudo prolongan la geometría del conjunto. Todo en ella sugiere control y rigor, pero también algo más difícil de definir, un insondable misterio.

A la actriz la acompañan su estilista y su publicista de toda la vida, un pequeño clan que la protege desde hace décadas. Se sienta en el sofá y posa, serena y aplicada, para el fotógrafo. Cuando su cámara analógica dispara, con el clic seco y reconocible del obturador, sonríe con esa media mueca tan suya, a medio camino entre la ironía y la melancolía: “Hacía muchos años que no escuchaba ese ruidito”. Sus mocasines dejan entrever unos tobillos pálidos que podrían ser de niña o de anciana. Su rostro muestra los pliegues propios de una mujer de su edad, una rareza en Hollywood. Cumplirá 63 años al día siguiente de la entrevista, pero sigue siendo la misma criatura, extraña y fascinante, que ya era en sus comienzos.

Foster está en París para presentar su nueva película, Vida privada, de la directora Rebecca Zlotowski, que se estrena el viernes que viene en las salas españolas. Interpreta a una psicoanalista estadounidense instalada en la capital francesa que atraviesa una crisis profesional y personal. Tras la sospechosa muerte de una de sus pacientes, emprende una investigación que la obligará a observar su vida con la misma lucidez con la que analiza a los demás. Lo que empieza como un caso policial acaba convirtiéndose en el retrato íntimo de un personaje que, en el último tercio de la existencia, se ve forzado a revisar quién es y qué ha hecho con su tiempo. Su Lilian recuerda por momentos a las heroínas neuróticas de Diane Keaton en las viejas comedias de Woody Allen: mujeres que se ponían a resolver un misterioso asesinato solo porque necesitaban volver a sentir algo. Nota aquí.

Carmen Maura

 “El mejor piropo es que se hayan reído conmigo”

La actriz señala que le atrajo el nombre del director, y que el guion hizo el resto: “Todas las películas son un desafío, no recuerdo haberme sentido con más responsabilidad.”

Con una trayectoria de más de cincuenta años en cine, TV y teatro, Carmen Maura es una de las actrices iberoamericanas más reconocidas a nivel internacional, y ha trabajado con directores de la talla de Pedro Almodóvar, Álex de la Iglesia, Mario Camus, Carlos Saura, Fernando Trueba, José Luis Borau, Ricardo Larraín, André Techiné, Francis Ford Coppola, Pilar Miró y Fernando Colomo, entre otros realizadores. Es una de las más destacadas en el panorama iberoamericano, algo que refleja el extenso palmarés de reconocimientos que atesora: la Palma de Oro del Festival de Cannes, cuatro premios Goya, dos premios Felix de la Academia de Cine Europeo, la Concha de Plata del Festival de San Sebastián, el Premio César, el Premio Donostia del Festival de San Sebastián, el Premio Honorífico de la Academia de Cine Europeo, etcétera.

Maura nació en 1945, en Madrid, y después de graduarse en Letras Francesas y realizar estudios de Filosofía y Literatura en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París, comenzó a actuar en el Teatro Español Universitario para volcarse a la actuación a finales de los años 70. Fue, primero, con Folle… folle… ¡fólleme Tim! y después con Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón cuando el nombre de Carmen Maura quedaría ligado al de Pedro Almodóvar, director con el que colaboró habitualmente, convirtiéndose en la primera “chica Almodóvar”, y protagonizando varias de sus siguientes películas.

Ahora está en Argentina promocionando el estreno de la película Vieja loca, ópera prima del argentino Martín Mauregui, escritor y guionista de talento que ha trabajado para realizadores como Walter Sales, Mariano Llinás y Damián Szifrón, entre otros. Su trabajo incluye también algunas de las películas más memorables de Pablo Trapero, como Leonera (Sección oficial a concurso en el Festival de Cannes), Carancho y Elefante Blanco. También colaboró como guionista en Argentina,1985(nominada a Mejor Película Internacional). Vieja loca es su primer largometraje desarrollado en solitario como director y guionista. El film se estrena hoy y cuenta con la producción de un peso pesado español: J. A. Bayona.

En la ficción, Pedro (un Daniel Hendler para nada contenido emocionalmente, con un rol más visceral) recibe un inesperado mensaje de auxilio de una exnovia, Laura (Agustina Liendo): no llega a darle la medicación a Alicia (Maura), una anciana con demencia senil, y le pide si por una noche se puede encargar él de ayudarla y cuidarla. Lo que comienza como un acto de compasión pronto se transforma en una experiencia aterradora. Alicia lo confunde con un viejo amante tan pertubador, perverso y terrorífico que nunca se borró de su cabeza porque, se sabe, el abuso deja heridas abiertas. Pero Pedro no es ese amante. En eso radica el delirio de Alicia que promete un “ojo por ojo, diente por diente”, pero con la persona equivocada. El film tiene cierta similitud con Misery, la extraordinaria película de Rob Reiner, en la que Kathy Bates se lucía como la fan terrorífica de un escritor y también sucedía prácticamente en un ambiente claustrofóbico. Hay en Vieja loca también algunas pinceladas que pueden conectarse con el cine de Alex de la Iglesia, donde el humor y el terror se toman de la mano.

Consultada sobre lo más que le interesó de la propuesta para aceptar el protagónico, la actriz española señala sin dudar: “El director”. No lo conocía a Mauregui, pero le gustó el sentido de humor que tiene. “Y luego me gustó mucho el guión, cómo lo había escrito él”, dice Maura. Cuando la actriz lo leyó le dijo al cineasta: “No, esto yo no lo puedo hacer porque no sé qué, es demasiado, no sé cuánto”. “Pero él dice siempre que sabía que yo le estaba diciendo que no, pero que le decía que sí. Entonces vino a verme. Estaba yo rodando en el norte de Cataluña una serie y vino a conocerme. El venía así muy en plan, argentino, ‘vamos a conocernos, vamos a comer’, y ahí dijeron ‘Vamos a casa y vamos a trabajar’. Y repasé con él el guión entero, y se quedó muy de piedra porque el primer día que nos vimos estuvimos ocho horas porque yo lo que quería era pasar frase por frase y que él me dijera lo que quería que yo hiciera porque tenía que estar muy segura de que me sentía capaz de hacer eso. Eso fue para los dos estupendo. Nos conocimos cantidad y luego vi cómo él disfrutaba conmigo. Y sobre todo porque él empezaba ya, como fueron ocho horas, y me decía: ‘Bueno, y ahora dímelo de tal manera, y ahora dímelo de tal manera’. Y yo eso lo hacía y él era tan feliz que…”

-Fue un ensayo, prácticamente.

-Sí, sí. Y le vi que era feliz conmigo y tal. Eso es lo que más me gustó. Luego la película se alargó mucho.

-¿Fue difícil por el esfuerzo que implicó?

-Fue una de las más divertidas. Me lo pasé muy divertido. Pero difícil de cosa física.

-Tuviste que hacer pesas, ¿no?

-Hice pesas para estar fuerte y me sirvió mucho. Sigo haciendo pesas, de todas maneras, pero aconsejo también, sobre todo para las personas mayores es fundamental que el músculo esté bien. Pero vamos, se puede empezar en cualquier momento si te acostumbras a ir haciéndolas. Yo odio las pesas, pero es que son fundamentales. Nota aquí.

Virginia Innocenti

 

Claudia Schijman

 Murió Claudia Schijman, actriz de "El Eternauta" y "Menem"

Claudia Schijman, reconocida actriz y docente, murió este domingo, a los 66 años. Su muerte fue anunciada por la Asociación Argentina de Actores. Entre sus últimos papeles, se destacó su participación en El Eternauta, la serie protagonizada por Ricardo Darín.

“Con profunda tristeza despedimos a la actriz y docente Claudia Schijman. En sus más de tres décadas de trayectoria artística se lució en teatro, televisión, plataformas, publicidad y cine”, afirmó la Asociación en un comunicado. 

“Nuestras sentidas condolencias a sus familiares y seres queridos”, completaron. 

Tal como detallaron desde la Asociación, y en el sitio especializado IMDb, Claudia actuó en el episodio 4 “Credo”, el 5 “Paisaje” y el 6 “Jugo de tomate frío” de El Eternauta.

Además, otro de sus últimos trabajos fue en la serie Menem con su papel de recepcionista.

Quién era Claudia Schijman: su trayectoria

Claudia Schijman nació el 8 de agosto de 1959. Para su carrera artística se formó con Norman Brisky, Ricardo Bartis y Guillermo Angelelli.

Su debut en televisión fue El Palacio de la Risa, con Antonio Gasalla y lo acompañó en los ciclos Gasalla en Telefe y Gasalla en Libertad.

También participó en Verdad Consecuencia, Trillizos, Buenos vecinos, Malandras, Disputas, Hechizada, Por amor a vos, Juanita la soltera, Ambiciones y Soy tu fan.

Por otro lado, se destacó en películas como Cohen Vs. Rosi, Tres esposas, Diario para un cuento, Flipper, Pendeja, payasa y gorda, En peligro, Los cipreses, Terminal, La felicidad es una leyenda urbana, Mi reino por un platillo volador, Evita (de Alan Parker), Corazón iluminado (de Héctor Babenco) y el cortometraje La cámara.

Su trayectoria teatral incluye las obras Brebaje, Erecto, Las descamisadas, una gesta, Éxodo, Yo escribo. Vos dibujás, entre otras.

Además de sus papeles como actriz, dio talleres de actuación en el Hospital Borda, la Clínica Psiquiátrica Santa María, el Centro Cultural Ricardo Rojas, el centro Cultural Recoleta, escuelas primarias y otros centros culturales. Nota aquí.

Diane Keaton

Muere la actriz Diane Keaton a los 79 años, leyenda rompedora de los tópicos femeninos y ganadora del Oscar por ‘Annie Hall’

La intérprete encarnó a Kay Adams en la saga de ‘El padrino’, y apareció en filmes como ‘Rojos’, ‘El dormilón’, ‘Cuando menos te lo esperas...’ o ‘Manhattan’

La actriz estadounidense Diane Keaton (Los Ángeles, 1946) ha muerto a los 79 años, según ha comunicado un portavoz de la familia, que ha pedido privacidad y respeto para sus allegados, este sábado por la tarde a la publicación People. La intérprete, que saltó a la fama con El padrino, ganó un premio Oscar por su papel en Annie Hall, que Woody Allen le escribió inspirándose en ella misma, y se hizo con dos Globos de Oro y un Bafta. También fue conocida por su trabajo en películas como Rojos, Cuando menos te lo esperas..., La habitación de Marvin (por estas tres fue candidata a los premios de Hollywood), El padre de la novia o El club de las primeras esposas.

Pero además revolucionó la manera en que se mostraba la mujer en la industria. Keaton desdeñó desde sus inicios estilismos principescos y apostó por pantalones, sombreros hongos, chalecos y corbatas, además de definirse como un poco chalada y anticirugía estética. Creó su propia manera de vestirse, que era, sencillamente, el envoltorio de una forma distinta de entender la vida y la interpretación. Y en eso se incluye su constante apoyo a Woody Allen y elecciones de películas extrañas, con las que obviamente dio cortes de manga metafóricos al estrellato fácil.

Keaton comenzó su andadura en el cine en los años setenta e interpretó su primer papel relevante al meterse en la piel de Kay Adams en la película El padrino. Hija de un ingeniero civil y de un ama de casa que cantaba y tocaba el piano —probablemente, auguraba su hija, ella vivió la carrera que ansió en secreto su madre—, Diane Hall, que así se llamaba de nacimiento, huyó rápidamente a Nueva York en cuanto estudió Interpretación en la Universidad, y como apellido artístico seleccionó el de soltera de su madre, Keaton.

Su carrera empezó en Broadway, en el montaje original del musical Hair, en 1968. Desde los ensayos, el director de la obra le pidió que adelgazara y eso le llevó a caer en la bulimia. “Por eso no disfruté de Broadway ni de aquella experiencia”, recordaba décadas más tarde. Al año siguiente ya logró una candidatura a los premios Toni por su trabajo en Sueños de un seductor, la comedia escrita y protagonizada por Woody Allen. Fue su primera vez con Allen, y eso que la rechazaron en la prueba inicial por ser más alta (1,69 metros) que él. Finalmente, la contrataron. “Hay gente que ilumina una sala, ella ilumina todo un bulevar”, escribió Allen en su A propósito de nada. Aunque también definió sus estilismos con una ironía muy suya: “Es como si su personal shopper fuera Buñuel”. Antes, Keaton, en sus maravillosas memorias Ahora y siempre, apuntó: “Woody se acostumbró a mí, no pudo evitarlo: le encantaban las neuróticas”. Nota aquí.

Leonor Watling

 “¿En qué museo me quedaría a vivir? En el del jamón"

La actriz y cantante inaugura una nueva etapa de su carrera junto al músico y productor Leo Sidran, con quien ha formado el dúo Leo&Leo

La actriz y cantante Leonor Watling (Madrid, 1975) acaba de inaugurar una nueva etapa de su carrera junto al músico y productor Leo Sidran, la segunda (¿o primera?) pata del dúo Leo&Leo. Ambos han publicado un disco homónimo con 11 canciones entre el jazz, el pop y el swing que sacarán de gira acompañados de The Groovy French Band, la banda habitual del estadounidense.

¿En qué momento sitúa el nacimiento de Leo&Leo? El año 2023, en el Café Central de Madrid, escuchando a Leo y The Groovy French Band tocar The Art Of Conversation.

¿Cuándo supo que se dedicaría a la música? Cuando Alejandro Pelayo y yo teníamos mas de 12 canciones escritas que queríamos grabar, sobre el año 2000.

¿Y a la interpretación? Cuando estuve un año sin trabajar después de rodar con Pablo Llorca Todas hieren.

¿Quiénes son sus tres músicos o bandas de referencia? Duke Ellington, Fiona Apple, Radiohead.

¿Qué canción le habría gustado componer? Blue Alert, de Leonard Cohen y Anjani Thomas.

¿Qué canción o composición musical usaría como autorretrato? The Anchor Song, de Björk.

¿El último disco que le encantó? Canciones en Mi, de pablopablo.

¿La canción que suena en bucle en su cabeza? Weather to Fly, de Elbow.

¿Qué es lo más bonito que le han dicho sobre su trabajo? Que sienten que les hablo solo a ellos.

¿Y lo más extravagante? ¡No lo sé!

¿Cuál es la película que ha visto más veces? El jovencito Frankenstein, de Mel Brooks.

¿Con quién le habría gustado tocar? Con el Rat Pack.

¿La última serie que vio del tirón? Furia, de Félix Sabroso.

¿Qué libro tiene ahora mismo en su mesilla de noche? Los nuevos, de Pedro Mairal, y Posesión, de A.S. Byatt.

¿La última obra teatral que le ha encantado? Los días perfectos, de Jacobo Bergareche con Leonardo Sbaraglia.

¿En qué museo se quedaría a vivir? En el museo del jamón. O en la casa-museo de Sorolla.

¿Cuál es su personaje histórico favorito? Oscar Wilde.

¿Qué trabajo no aceptaría jamás? Verdugo.

¿Qué tradición habría que abolir? Cualquiera que requiera provocar dolor.

¿Qué está socialmente sobrevalorado? Hoy me parece que casi todo, mañana se me pasará.

De no dedicarse a la música y la interpretación, le habría gustado ser… Gato (el animal, no la herramienta). Nota aquí.

Adriana Aizemberg

 Murió la actriz Adriana Aizemberg a los 86 años

A lo largo de más de seis décadas, la artista desarrolló un carrera luciéndose en teatro, cine y televisión. La noticia fue confirmada por la Asociación Argentina de Actores

Adriana Vera Aizemberg, reconocida actriz y ex dirigente sindical, murió este lunes a los 86 años. Nacida el 1 de diciembre de 1938 en Santa Fe, la artista desarrolló una carrera que abarcó más de seis décadas e incluyó destacados trabajos en teatro, cine y televisión.

La noticia fue confirmada por la Asociación Argentina de Actores, quien comunicó su fallecimiento a través de sus redes sociales. “Con profunda tristeza despedimos a Adriana Aizemberg, actriz y ex dirigente de nuestro sindicato, quien desarrolló una prestigiosa y amplia trayectoria artística. Enviamos nuestras sentidas condolencias a sus familiares y seres queridos”, destacaba el comunicado.

La carrera de Aizemberg comenzó en Buenos Aires, donde se incorporó al teatro Fray Mocho y debutó en la obra Historias para ser contadas. Se formó bajo la dirección de Augusto Fernandes y participó en la fundación del grupo ETEBA, junto a referentes de la actuación como Helena Tritek, Hugo Urquijo, Lito Cruz, Carlos Moreno, Franklin Caicedo y Héctor Bidonde. Integró el elenco estable del Teatro San Martín y formó parte del grupo Gente de Teatro, liderado por David Stivel.

Desde 1964, estuvo afiliada a la Asociación Argentina de Actores y Actrices. En 2004 fue distinguida con el Premio Podestá a la Trayectoria Honorable, otorgado por el sindicato y el Senado de la Nación. Como dirigente sindical, integró el Secretariado Mutual entre 1996 y 1998, durante la presidencia de Pepe Novoa.

Sobre los escenarios, participó en obras como La leyenda de Pedro, La señorita de Tacna, Fausto, Reflejos de una vieja leyenda, Pequeñas patriotas, Seis personajes en busca de un autor, Trilogía del veraneo, Las llaves de abajo, El misterio de dar, Venecia, El violinista en el tejado, La calle 42, Extraños en un tren, Houdini, Nenucha, la envenenadora de Monserrat, América Hurrah, entre otras. Nota aquí.