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jueves, julio 09, 2026

Bonnie Tyler

 Murió Bonnie Tyler, la voz de un inesperado himno de las canchas argentinas

La artista británica falleció en Portugal a los 75 años. Su canción “Total Eclipse of the Heart” sigue siendo una de las canciones de amor más famosas de todos los tiempos, pero en nuestro país se la recuerda especialmente por “It’s a Heartache”, reapropiada por las hinchadas.

La británica Bonnie Tyler, reconocida cantante de rock-pop e ícono de la música de la década de 1980, falleció en las últimas horas a sus 75 años.

Su muerte se produjo tras sufrir complicaciones derivadas de una perforación intestinal que obligó a practicarle una intervención quirúrgica de urgencia en mayo pasado. La artista se encontraba en Portugal, país donde residía hace unos años.

“Bonnie falleció de manera inesperada anoche en un hospital de Portugal a causa de la enfermedad por la que la estaban tratando”, afirmó la familia en un comunicado publicado en Facebook.

La cantante acababa de lanzar un sencillo, “Only Love”, y tenía prevista una gira por Europa durante varios meses.

“Jugadoores...”

En el mundo, a Tyler se la recuerda especialmente con su balada rock “Total Eclipse of the Heart”, que sigue siendo una de las canciones de amor más famosas de todos los tiempos.

A principios de 2026, 43 años después de su lanzamiento, había superado mil millones de reproducciones en Spotify. “¿Cómo imaginar un segundo que su éxito sería tan enorme, y que personas que aún no habían nacido la cantarían hoy en los karaokes?”, comentó ella en el Telegraph en 2025.

Sin embargo, en la Argentina también se la tiene presente por haber sido la voz de una canción que inexplicablemente se convirtió en un himno en las canchas del fútbol local.

Se trata de “It’s a Heartache”, que las hinchadas argentinas transformaron en un grito de guerra contra sus propios jugadores. Nota aquí.



miércoles, mayo 20, 2026

Totó La Momposina

 Muere Totó La Momposina, la voz de la cumbia colombiana

El Ministerio de las Culturas confirma la muerte de Sonia Bazanta Vides, quien anunció su retiro en 2022 después de una larga carrera internacional representando los ritmos colombianos de la costa Caribe.

Ha muerto una voz insignia para la cumbia, el porro, el bullerengue y el mapalé. La colombiana Sonia Bazanta Vides, mejor conocida como Totó La Momposina, ha fallecido este martes 19 de mayo, a sus 85 años. La noticia fue anunciada por el Ministerio de las Culturas colombiano con un mensaje en redes sociales. “Hoy despedimos a la eterna Totó“, dice este. ”A la eterna momposina que habló de la música tradicional del Caribe, la potenció y la enriqueció durante décadas para escribir un capítulo entero de la historia cultural de nuestro país”. Es un día para tocar la tambora, como ella lo cantó en varias de sus canciones. "Que yo vi que me llevaban; que yo vi que me enterraban; que yo vi que me llevaban; que yo vi que me lloraban", dice su voz en La Candela Viva. La candela que llevaba Totó la Momposina en la voz ha muerto.

“Murió tranquila”, dijo su hijo, Marcio Vinicio, a la emisora Blu Radio. ”Para nosotros es un descanso, porque una mujer como ella, con tanta vitalidad y tanta energía, ya no respondía físicamente”, añadió. Contó que desde octubre del año pasado estaba casi siempre en cama, con cuidados paliativos. En 2022 ya había anunciado su retiro de los escenarios para cuidar su salud, por dificultades neuro-cognitivas. Falleció en México, donde residía hace un tiempo. “Ha muerto Toto la Momposina, mi familiar y excelsa del arte y la cultura caribeña colombiana. Que vuele alto hasta las estrellas”, dijo el presidente Gustavo Petro al conocer la noticia.

Totó la Momposina nació en 1940 a la orilla del río Magdalena, en el municipio de Mompox. Es un antiguo puerto fluvial del Caribe colombiano, donde la herencia cultural incluye ritmos como la cumbia y el bullerengue. El Pescador, del compositor José Benito Barros, fue uno de sus éxitos musicales, y uno de los cantos que hace honor al mundo frente al río que inspiró su carrera. Es la canción de un hombre que va en su canoa de bareque, en una noche oscura con la corriente subiendo, y “no tiene fortuna, solo su atarraya”. Otra fue Yo me llamo Cumbia, donde hace honor a los ritmos de su tierra y al poder de su voz: Nota aquí.



miércoles, mayo 13, 2026

El Cabrero

 Muere El Cabrero, el cantaor más contratado de su tiempo, la voz flamenca de los silenciados

Retirado desde hace siete años por problemas de salud, su fallecimiento supone el adiós definitivo al artista que, con sus letras incendiarias, cantó las verdades del pueblo llano. Ha muerto a los 81 años

José Domínguez Muñoz (Aznalcóllar, 1944 - Bormujos, 2026), más conocido por El Cabrero, ha muerto este miércoles a las siete de la mañana en el Hospital San Juan de Dios del Aljarafe, centro donde, después de una larga enfermedad, se encontraba ingresado a la espera de que se le realizase un TAC por una mancha que se le había detectado en el pulmón.

Tan popular cantaor contaba con 81 años de edad y estaba retirado de los escenarios desde hacía siete años, a raíz de que se le sobreviniera un ictus apoplético, quedando, empero, en el recuerdo y la memoria de sus incontables seguidores como el cantaor más contratado de su tiempo, dado que provocaba el delirio entre unos aficionados que, paradójicamente, peregrinaban desde los puntos más distantes de la geografía española y resto de Europa a fin de encontrar en la voz de El Cabrero el santuario de sus devociones sonoras.

La capilla ardiente quedará instalada en el Teatro Municipal de Aznalcóllar, a fin de que puedan despedirlo los amigos, compañeros y seguidores, para al día siguiente ser incinerado ante la privacidad familiar de su mujer, Elena Bermúdez, hijos y nietos, que encuentran la continuidad de su legado en su hijo El Crespo Zapata. Nota aquí.



sábado, mayo 02, 2026

Pedro Quevedo

 “Me encanta ser rico, pero a la vez es una condena”

El joven más escuchado de España, catapultado a leyenda internacional a los 20 años con su ‘Quédate’ junto a Bizarrap, reflexiona sobre la “depresión de caballo” por la que pasó, el reguetón o la fama. “Comparto piso de la manera más pija que hay, no quiero estar solo en Madrid”, confiesa

“Me contradigo todo el rato, pero me hace sentir vivo”, canta Pedro Quevedo (Madrid, 24 años) en El Baifo, su disco más esperado. Nada más publicarse ha reventado, de nuevo, las listas de éxitos. Las 10 canciones más escuchadas de España en Spotify son suyas. Pero son solo números: “Mi meta es ver que pasa el tiempo y se quedan”. Su vida también es una dualidad constante. Es Pedro y Quevedo. El chico normal que aparece y desaparece de su casa, en Canarias, y la estrella internacional. El veinteañero al que la fama arrastró y “el puto amo” de sus canciones. El arrogante y el humilde. El introvertido y el dulce. El artista que mira a los ojos y contesta, sin vacilaciones ni cortapisas, a todas las preguntas de la entrevista y el que llega acunado por su mánager, un jefe de prensa, un videógrafo, una estilista y una maquilladora.

Pregunta. ¿Se merece tanto éxito?

Respuesta. Es demasiado. No he hecho nada tan bueno en la vida. No sé si soy mejor o peor que nadie, pero soy diferente. Por mi voz, por cómo escribo o por la intuición sobre mi carrera, lo que quiero que pase con la música en las islas y lo que puedo aportar.

P. En El Baifo habla mucho de la gestión del dinero y de la fama y, sin embargo, los chavales de todas las edades conectan con sus canciones.

R. Son cosas lejanas para ellos, pero las perciben cerca porque lo que cuento es real. Mi público ha crecido conmigo y me ha visto evolucionar estos cuatro años. Dejo ver mucho a Pedro en las letras de Quevedo.

P. El carro, la mansión, el Cartier, los viajes, los diamantes... ¿Y esa obsesión por alardear?

R. Lo urbano y el reguetón nacen de la calle y de la necesidad. Hablan de la superación desde el mensaje de “antes no tenía nada y ahora lo tengo todo”. De eso hablan mis canciones. Hay días en los que me encanta ser rico, pero otras veces lo veo como una condena. Y todo es cierto dentro de mí.

P. ¿Una condena?

R. Puede sonar arrogante, pero es verdad. Yo vivía persiguiendo el dinero, como lo hacen mi familia y mis amigos, y de repente, me salto ese juego superrápido y dejo de saber qué me mueve en la vida. Todo el mundo tiene que levantarse el lunes para echarse unas copas con su dinerillo el sábado. Yo no tengo por qué levantarme. Ni el lunes, ni el martes, ni el mes que viene ni el siguiente. Es complicado. Me costó mucho entenderlo, tuve que buscar otras motivaciones, pero ¡benditos problemas!

P. ¿Qué se ha perdido este tiempo?

R. Maduré demasiado rápido. De repente, me vi girando por el mundo, lejos de mis colegas, con una economía distinta... Pero ahora me he vuelto un pibito de nuevo. Y disfruto de quedar en un banco, decir cuatro tonterías e irme a mi casa.

P. ¿Sigue todavía compartiendo piso?

R. Comparto piso de la manera más pija que hay [se ríe]. Con amigos y porque me da la gana. Es una decisión. No me gusta estar solo en Madrid.

P. En su mejor momento profesional, decidió parar. ¿Cayó en una depresión?

R. Cien por cien. Tuve una depresión de caballo, seguro. En esa época no fui al psicólogo ni una vez, pero me costaba salir de la cama, encontrar motivaciones, tuve pensamientos muy negativos. Me encerré mucho en mí mismo. Preferí tragar, y una vez cumplí los compromisos, me quité de en medio para arreglarme.

P. Qué madurez...

R. ¿Tú crees? Yo creo que es inmadurez porque me puse lo último. Ahora si me siento mal, lo primero es mi salud y mi estabilidad.

P. No se lo pueden permitir todos los artistas.

R. Estar a expensas del ritmo que marca la industria y no poder elegir tus tiempos es un putadón. También, las redes son desmoralizadoras. Si no estás ready te comen. Nota aquí.



jueves, febrero 19, 2026

Virginia Innocenti

 


lunes, diciembre 29, 2025

Ricardo “Chiqui” Pereyra

 Murió Ricardo “Chiqui” Pereyra, la voz emblemática del tango argentino

La triste noticia fue comunicada por su hija Paula a través de un posteo en redes sociales. El artista estaba internado desde los primeros días de diciembre luego de sufrir un accidente en su hogar al caerse de una escalera.

El domingo amaneció con una sombra inesperada sobre la escena musical argentina: Ricardo Chiqui Pereyra, el icónico cantante de tangos, falleció tras una larga agonía que mantuvo en vilo a su familia y a todo el mundo del espectáculo. La noticia, tan dolorosa como inevitable, llegó a través de las palabras de su hija, Paula, en un mensaje publicado en Facebook durante la madrugada. “Sabiendo que ya muchos se enteraron, con todo el dolor del mundo debo comunicarles el fallecimiento de El Chiqui. El milagro que no llegó, el pronóstico que era predecible pero aun así no perdíamos la fe”, confió, dejando entrever la tristeza que la embarga.

El domingo amaneció con una sombra inesperada sobre la escena musical argentina: Ricardo Chiqui Pereyra, el icónico cantante de tangos, falleció tras una larga agonía que mantuvo en vilo a su familia y a todo el mundo del espectáculo. La noticia, tan dolorosa como inevitable, llegó a través de las palabras de su hija, Paula, en un mensaje publicado en Facebook durante la madrugada. “Sabiendo que ya muchos se enteraron, con todo el dolor del mundo debo comunicarles el fallecimiento de El Chiqui. El milagro que no llegó, el pronóstico que era predecible pero aun así no perdíamos la fe”, confió, dejando entrever la tristeza que la embarga.

La caída en su hogar, a comienzos de diciembre, fue el principio de un calvario. Ese accidente doméstico le cambió el destino a quien fue una de las voces más queridas del tango. El rumor de la tragedia se expandió rápido, y con cada hora, el país entero acompañó la espera en la incertidumbre.

En la casa familiar, la urgencia fue el único motor. Ricardo Chiqui Pereyra fue trasladado a un centro médico de la ciudad de Buenos Aires, donde ingresó en estado crítico y con pronóstico reservado. La familia, en medio del caos y el dolor, intentó mantener la calma y la esperanza para los cientos de seguidores que preguntaban sin descanso. “Para llevar tranquilidad y claridad a todos, si bien el cuadro es crítico, no nos queda otra que aguardar mínimo 48 horas donde los médicos irán monitoreando y viendo su evolución o involución, ya que pueden pasar cualquiera de las dos cosas”, publicó uno de sus seres queridos, abriendo una ventana de fe en medio de la tormenta. Nota aquí.



viernes, septiembre 26, 2025

Lucy Patané

 Lucy Patané en el Teatro Vorterix: una figurita holográfica para el rock

El recital revalidó su importancia en la escena como cantante, guitarrista y compositora y también sirvió para celebrar una forma de hacer música, con invitadas como Paula Trama, La Piba Berreta, Vivi Scaliza y hasta Natalia Oreiro.

Eran un poco más de las 9 de la noche y la multitud que esperaba con ansias que Lucy Patané saliera al escenario de Vorterix para cerrar la gira de su segundo disco, Hija de ruta, ya empezaba a agitar con coros para que empiece el show, cuando el teatro se quedó a oscuras. Entre la intriga y los nervios, Lucy se asomó iluminando con una linterna a los músicos y a las coristas, que estaban paralizados como playmobiles. Vestida con un trench negro y anteojos oscuros, ella recorría en silencio el teatro. De pronto, todas las luces se prendieron y ella se sacó el tapado y, vestida con un traje holográfico increíble y con los brazos abiertos, gritó: "Bienvenides, bienvenidas, bienvenidos", para dar comienzo a un show vibrante.

"Hoy es la fiesta de egresados de Hija de ruta", dijo para recordar el cierre del tour, que la tuvo recorriendo Argentina, Uruguay y Europa entre el 26 de agosto del año pasado y este sábado 20 de septiembre. Girando con un inusual quinteto de tres guitarras eléctricas, bajo, batería y coros, presentó su álbum con la misma vehemencia en solemnes teatros del centro de la ciudad así como en sótanos brutales del conurbano bonaerense, parte quizás de su legado como oriunda de Bernal.

El show arrancó con "Vecindario" y marcó un momento clave en la carrera de la artista: fue su primera vez en Vorterix, una de las salas más icónicas del país, y lo hizo como cierre de un ciclo que redefinió su música y consolidó su lugar en la escena del rock argentino contemporáneo. Con un sonido más crudo, brutal y sofisticado, Hija de ruta fue destacado por la crítica como uno de los mejores discos de 2024 y estuvo nominado como Mejor Álbum Artista de Rock en los Premios Gardel 2025, compartiendo terna con leyendas como Charly García y David Lebón.

"Che, está hasta las tetas", gritó Lucy al ver bien a su público, antes de embarcarse en una seguidilla de temas del disco: tocó "Lo caro", "La maldad", "Glitter negro" y "Dudas y deudas" con el público enardecido. La calma llegó con la primera invitada de la noche: Paula Trama subió al escenario vestida de cuero para cantar "Muchacha desquiciada", parte del proyecto que Lucy tiene con Paula Maffia, Lesbiandrama. "Vivan las lesbianas", se escuchó desde el público, y Lucy respondió "Vivan". Y después de golpearse un par de veces el pecho para hacer "Un domingo" a capella, llegó La Piba Berreta para romperla en "Vinieron a buscar la paga". "Vos sabes que siempre hay alguno que te salva la vida, a ese siempre la bienvenida", susurró la cantante de Lxs Rusxs Hijxs de Putx a modo de advertencia, antes de armar un pogo que movió a todo el Vorterix. Juntas también hicieron una versión de "Clavícula" en cumbia, que hizo bailar al público. Nota aquí.




martes, agosto 26, 2025

Manuel de la Calva

 Muere a los 88 años Manuel de la Calva, mitad del Dúo Dinámico y pilar en la historia del pop español

Junto a Ramón Arcusa, que ha anunciado su muerte en la red social X, dio vida a un tándem, pionero de la cultura juvenil y del fenómeno fan, cuya vigencia roza ya las siete décadas.

El cantante y compositor barcelonés Manuel de la Calva, pionero indiscutible en la historia del pop español y mitad desde hace más de seis décadas del histórico Dúo Dinámico, que integraba junto a Ramón Arcusa, ha fallecido este martes a los 88 años de edad víctima de un cáncer. Fue el propio Arcusa el encargado de comunicar en la red social X la pérdida de su eterna pareja artística, al que define como “amigo del alma, más que hermano, compañero de cien aventuras y de mil canciones”. Con el adiós de De la Calva se resquebraja la formación más adelantada, longeva y precoz que ha conocido la música popular española, por más que el tándem centrara el grueso de su actividad durante la década de los sesenta y luego permaneciese fuera de la circulación durante largos periodos. Manuel dejó 766 canciones registradas en los archivos de la SGAE, en cuya sede madrileña de la calle Fernando VI tendrá lugar la capilla ardiente, entre las 11 y las 20 horas de este miércoles.

Manuel y Ramón no eran almas gemelas, sino entes complementarios; un ejemplo perfecto del yin y el yang en términos creativos. El propio De la Calva describía en 2006 a este periodista las enormes diferencias de temperamento entre él y su otra cara musical de la moneda. “Yo soy el extrovertido y el optimista a ultranza; Ramón, el serio, duro y perfeccionista. Pero teníamos algo en común: éramos inteligentes”, resumía. Y así surgió la química entre ambos cuando coincidieron en Barcelona, aún jovencísimos, en el departamento de delineantes de la fábrica de motores Elizalde, S.A.

La anécdota es legendaria, pero verídica: los dos, musiqueros de pro, hicieron buenas migas y se animaron a preparar una interpretación de White Christmas para la fiesta de Navidad de 1958. Los compañeros de la oficina, encandilados con la conjunción de sus voces, les insistieron en que acudiesen de inmediato a La comarca nos visita, el programa entonces más popular en Radio Barcelona. Allí se personaron el 28 de diciembre de aquel mismo 1958 y comunicaron al locutor su recién decidido sobrenombre artístico: The Dynamic Boys. Pero el bueno de Enrique Fernández, que se apañaba muy malamente con el inglés, decidió anunciarles al mundo como El Dúo Dinámico. Había nacido el primer y más fulgurante fenómeno de fans de la historia española, en unos tiempos de grisura en los que, desde luego, a nadie se le habría ocurrido hablar de viralidad. Nota aquí.




domingo, abril 13, 2025

Tracy Chapman

Tracy Chapman, tras 17 años sin publicar disco: “Me preocupa la democracia en Estados Unidos”

En una de las pocas entrevistas que ha concedido en más de una década, la cantautora estadounidense repasa su carrera, que comenzó con su disco de debut de 1988, ahora reeditado.

El 11 de junio de 1988 cambió la vida de Tracy Chapman. Aquel día se celebró en el estadio de Wembley, en Londres (Reino Unido), un macroconcierto de homenaje a Nelson Mandela con motivo del 70 cumpleaños del activista sudafricano, quien estuvo 27 años en prisión, entre 1963 y 1990, por su oposición al apartheid. Más de 90.000 personas abarrotaron el recinto; 600 millones siguieron el evento por televisión. En el cartel, nutrido elenco de músicos consagrados: Sting, Eurythmics, Al Green, Joe Cocker, Bryan Adams, Jackson Browne, George Michael, Simple Minds, Peter Gabriel, Whitney Houston, Dire Straits, Bee Gees… Ilustres del cine como Whoopi Goldberg, Richard Gere o Richard Attenborough enardecieron al público con encendidos discursos. Entre tanto nombre insigne se coló el de Chapman, debutante de 24 años abrazada a una guitarra.

“Aún la conservo”, dice en conversación telefónica con EL PAÍS desde su casa de San Francisco. Era una excelente Martin D-18E, distinta de aquella con la que había grabado su entonces único disco, pero también de emotiva procedencia: “Me la regalaron por sorpresa el director de mi facultad y varios profesores, porque sabían que necesitaba una nueva. Así que amo esa guitarra”. Había estudiado Antropología en la Universidad de Tufts, cerca de Boston (Massachusetts, Estados Unidos). En la emisora de ese centro había grabado sus primeras maquetas. Acostumbrada a tocar en recogidos teatros tras la salida de su disco, enfrentarse a tamaña audiencia le causó un fuerete impacto. “Fue absolutamente nuevo para mí, estaba tremendamente abrumada por todo”, dice. “Veía pasar a algunos de mis ídolos musicales por detrás del escenario y me sentía muy emocionada. También al mirar a esa masa de gente que era la más grande que había tenido en mi corta carrera. Me sentía muy orgullosa de estar allí, en un acontecimiento tan importante para honrar a Nelson Mandela. Experimenté una mezcla de emociones”.

Por si era necesaria más presión, no tocó en el festival una, sino dos veces. Horas después de su primera actuación, la espantada de Stevie Wonder, que abandonó el estadio debido a problemas técnicos, llevó a los organizadores a pedirle que volviera a cantar. “Los productores se dieron cuenta de que, debido a que actuaba como solista y en formato acústico, sería fácil ubicarme en cualquier lugar. Yo estaba esperando detrás del escenario con mi manager, vinieron los de la organización y nos dijeron: ‘Estáis aquí, ¡os necesitamos!’. Y entonces corrimos al escenario desde el camerino. Básicamente, me empujaron a él. Pasaron solo minutos desde que me dijeran: ‘Este es el momento’ hasta que empecé a cantar. Fue un poco caótico”.

Aquella aparición tuvo el improbable efecto de convertir a la entonces joven cantautora, nacida hace 61 años en Cleveland (Ohio), en estrella del pop de finales de los ochenta. Las ventas de su álbum, de título homónimo, que habían alcanzado las 250.000 unidades antes del concierto, se dispararon hasta superar el millón una semana después. Se situó en el número uno de los más vendidos en Estados Unidos, Reino Unido y otros muchos países, lo que, tratándose de una obra espartana de un género que parecía pasado de moda, se antojaba impensable en la década de la purpurina, el glamur y las producciones deslumbrantes.

“Cuando el disco salió, en 1988 —explica—, era inusual para la época. Especialmente porque la producción era austera. Tal vez esa fue la diferencia con lo que programaban las radios o publicaban las compañías. Puede que sea eso lo que lo hizo destacar”. Obtuvo tres premios Grammy: a la Mejor Interpretación Femenina de Pop Vocal (por el sencillo Fast car), a la Mejor Artista Nueva y al Mejor Álbum de Folk Contemporáneo. Chapman y otras sagaces chicas de su generación, como Suzanne Vega o Tanita Tikaram, devolvieron a la música de autor el brillo de la década anterior. Nota aquí.



viernes, enero 03, 2025

Leo Dan

 Leo Dan, el fin de un "viaje maravilloso"

Vendió más de 40 millones de copias de sus setenta discos y sus canciones fueron interpretadas por más de 1600 artistas.

Hace unos días dio su última entrevista. Dijo que su carrera había sido un "viaje maravilloso" y que le parecía "hermoso" que sus canciones "siguieran dando la vuelta al mundo". Palabras que adquieren una resonancia particular con la muerte, este 1° de enero, de uno de los principales exponentes de la música romántica en América latina: Leo Dan, cantante y compositor de clásicos como "Santiago querido", "Cómo te extraño mi amor" –versionada por Café Tacuba–, "Te he prometido", "Pídeme la luna", "Esa pared", "Mary es mi amor" y "Una calle nos separa" –versionada por Néstor en Bloque–. Su obra, que abarca 50 años, trascendió fronteras, tiempos y géneros, dejando una huella en la música popular y en artistas de distintas generaciones.

Mediante redes sociales, la familia del artista de 82 años –quien vivía en Miami– expresó que "partió en paz y acompañado del amor de sus seres queridos". El texto añade: "Invitamos a todos los que formaron parte de su historia y que fueron tocados por su legado, a celebrar su amor, su música y su vida". Nota aquí.



sábado, diciembre 21, 2024

Soleá Morente

 “Es muy difícil que te escuchen cuando el dinero va siempre a los mismos estilos”

La artista acaba de publicar 'Mar en calma', disco que grabó con su padre tras aprobar la carrera de Filología Hispánica y ya trabaja en su siguiente álbum, junto a La Casa Azul.

El día que Soleá Morente acabó Filología Hispánica, volvió a casa deseando que su padre, el cantaor Enrique Morente, cumpliera la promesa que le había hecho antes de empezar la carrera: que una vez acabara, se metieran juntos en el estudio para grabar un disco. Recibió la respuesta que esperaba: “Ahora sí, llevemos nuestra idea a cabo, aunque sea para quedártela tú”. En seguida se pusieron a trabajar en él, pero la muerte del músico provocó que el proyecto se quedara en un cajón. Hasta ahora.

Más de diez años después, Mar en calma ha cobrado por fin vida. “Después de haber sacado otros discos de pop y rock, he necesitado volver a él, y está siendo un reencuentro precioso con el comienzo que nunca tuvo lugar”, reconoce la cantante a este periódico sobre el que define como su trabajo “más especial”. Lo publica al tiempo que trabaja en su siguiente álbum junto a La Casa Azul, que verá la luz el próximo año y del que este viernes lanza un nuevo adelanto, Con los nudillos.

Mar en calma es un compendio de canciones muy distintas entre sí, ¿cómo eligieron el repertorio?

Un sello de la casa Morente es el no prejuicio a la hora de hacer lo que sintamos, en el arte y en la vida. Tenían que ser canciones que nos moviesen. No íbamos buscando un género en concreto, sino la verdad, la emoción. Hicimos una selección. Lo que aunaba este repertorio tan ecléctico era buscar un concepto que le diese unidad, el flamenco, pero sin hacer un disco de flamenco. Hay bossa, jazz, canción protesta...

¿Trabajar desde el no prejuicio es algo raro dentro de la industria musical? ¿Tienen los artistas esta libertad o fue algo que usted pudo hacer por haberlo grabado junto a su padre?

Nació de forma muy natural, buscando canciones que nos moviesen y que pudiésemos llevar a nuestro territorio. Esto que antes era como una actitud vanguardista, actualmente se está instaurando como algo clásico. Ahora lo raro es hacer algo sencillo o clásico; la tradición, lo normal es juntar extremos diferentes y ver qué ocurre. Estamos en un momento de experimentación absoluta en la música, donde el flamenco, afortunadamente, tiene una prioridad y una importancia bastante grande. Nota aquí.



Néstor Fabián

 "Jamás me creí una estrella"

Sobreviviente de una estirpe tanguera en extinción, el vocalista animó este año las veladas de Michelangelo: el presente de una carrera que lo enlazó con grandes nombres del tango argentino. 

Néstor Fabián es el sobreviviente de una estirpe tanguera en extinción. Saltó a la fama como cantor de Mariano Mores. Su talento y carisma lo convirtieron en una estrella del espectáculo argentino. Vendió millares de álbumes y compartió escenarios con leyendas como Aníbal Troilo. A sus 86 años y en plena actividad, el vocalista recuerda los momentos más destacados de su carrera, una vida con más de un rasgo cinematográfico.

José Cotelo nació en la Ciudad de Buenos Aires, en el barrio de San Telmo, el 30 de noviembre de 1938. En aquellos tiempos, la metrópoli desbordaba de tangos. El entonces niño era vecino de un trío guitarrero que acompañaba a cantores como Armando Laborde. Las horas de convivencia con el conjunto fueron su escuela musical. El terceto ofrendaba serenatas a las muchachas del vecindario. En esas actuaciones, la futura estrella dio los primeros pasos. “Entonaba ‘Mi vieja viola’ y ‘La vieja serenata’, las únicas dos piezas que conocía”, admite. 

El mundo del novel cantor se desmoronó cuando, con apenas diez años, quedó huérfano. La partida de sus progenitores - primero la madre, luego el padre – lo obligó a compartir techo con su hermanastro. “Me gustaba el ambiente tanguero y, aunque era menor de edad, deambulaba por las milongas”, recuerda. Ese estilo de vida tensó la relación con su conviviente. Tras un episodio violento, se vio forzado a abandonar el hogar. Entonces comenzó a dormir en bancos de plazas y vagones de trenes. Sobrevivía por la caridad de los transeúntes.

Sus andanzas callejeras lo llevaron hasta un teatro del barrio de Constitución. Allí animaba el entreacto de Virgencita de madera, obra de Ricardo Hicken. Con el correr de los días, trabó amistad con un actor de la puesta quien le presentó a su tía. La persona que, literalmente, le salvaría la vida. Rosa Pestilie era solidaria y amorosa. Acostumbraba a donar dinero a escuelas y hospitales. En su casa, además, albergaba a chicos carenciados. José fue uno de ellos. “Me rescató de la calle para darme un hogar. Fue mi segunda madre”, define. La mujer se especializaba en la lectura de las cartas del Tarot. Uno de sus clientes era Aníbal Troilo. 

Por su intermedio, el vocalista –ya con 16 años– rindió una prueba para incorporarse al combo del bandoneonista. “Canté ‘Una canción’ porque era uno de sus tangos favoritos. Cuando terminé el Maestro elogió mi color de voz”, recuerda. Tras la audición, “Pichuco” lo envió a un otorrinolaringólogo para evaluar si su garganta podía afrontar los compromisos de un cantor profesional. El diagnóstico negativo frustró su entrada a la mítica orquesta. Nota aquí.



domingo, octubre 13, 2024

Mimi Maura


 

domingo, julio 07, 2024

Mari Trini

 Quince años sin Mari Trini, la cantautora que pagó caras las ansias de libertad

Una biografía rehabilita a la autora de ‘Yo no soy esa’, una artista a la que no se le perdonó ni el feminismo ni la discreción con su vida privada.

La escena corresponde a Luces en la noche, un programa de variedades en la afable Televisión Española de 1970. María Trinidad Pérez de Miravete Mille aparece en el centro de la imagen, sentada en una mecedora y sin nadie a su alrededor, como si se aprestara a afrontar un interrogatorio. Y, en efecto, una adusta voz masculina le lanza desde fuera de plano una pregunta envenenada:

– ¿Tu aspecto taciturno es una pose para reforzar la tristeza de tus canciones?

Mari Trini parpadea, entre incómoda y atónita. Aquel verano acaba de cumplir 23 años, ha puesto en circulación su primer álbum, el hermoso Amores, y ya se la conoce por su aplomo y elocuencia en el habla, pero no puede evitar trastabillarse un poco a la hora de responder:

– Yo no tengo aspecto taciturno en absoluto. Creo que eso sois más vosotros, que os habéis empeñado en hacerme una mujer triste, una huérfana, una mujer tétrica. Y os aseguro que no es verdad.

El resto de la entrevista, siempre con omniscientes voces en off de los presentadores, transcurre por derroteros similares. “Llevando tanto tiempo sin que llegue el éxito, ¿no ha tenido deseos de tirar la toalla?”. “¿Te consideras una cantante maldita?”. “¿Algunas de tus nuevas canciones son muy buenas y las anteriores eran muy malas?”. “¿Por qué no sonríes?”. El espacio le va ofreciendo a la cantautora murciana la oportunidad de interpretar hasta siete de las piezas de aquel debut, entre ellas algunas tan indiscutibles como Amores, Un hombre marchó o la libidinosa Cuando me acaricias, pero el tono antipático y hostil del cuestionario es bien elocuente. Mari Trini era una artista precoz, brillante y prolífica que acabaría encadenando 22 álbumes de estudio y giras multitudinarias por España y Latinoamérica, pero desde el primer momento invitaba también a reacciones antipáticas y recelosas. ¿Por qué?. Nota aquí.





jueves, junio 13, 2024

Françoise Hardy

 Muere a los 80 años Françoise Hardy, icono melancólico del pop francés, y universal

La artista de ‘Tous les garçons et les filles’, que marcó la música de los sesenta y conectó siempre con la modernidad, defendió hasta el final el derecho a la eutanasia.

Françoise Hardy, que saltó a la fama internacional al mismo tiempo que los Beatles y marcó a lo largo de medio siglo la canción francesa con un pop elegante y melancólico, ha muerto este martes a los 80 años. “Mamá se ha marchado”, ha anunciado en un mensaje en las redes sociales su hijo, el también músico Thomas Dutronc. La autora o intérprete de clásicos como Tous les garçons et les filles y Comment te dire adieu hacía 20 años que sufría un cáncer y se había convertido en una defensora de la muerte digna. En 1991 ayudó a su madre a morir con una inyección. “Quiero marcharme lo más pronto y rápido posible”, declaró a finales de 2023. Se desconocen las causas de su fallecimiento.

Con Françoise Hardy, que ha muerto siete años después del otro gran ídolo juvenil de los sesenta, Johnny Hallyday, un año mayor, desaparece una de las últimas estrellas de la generación. Aquellos idoles, aquellos copains... Aquellos garçons y filles, chicos y chicas que importaron los sonidos del rocanrol y el twist a Europa tras los años dorados de la chanson de la posguerra, y alumbraron otra era dorada la música en francés. Fue un momento único: la cultura popular ya estaba plenamente bajo influencia anglosajona, pero Francia encarnaba con ella ―los yeyés, la nouvelle vague― la modernidad. Sobreviven el icono cinematográfico Brigitte Bardot, el rocker Eddy Mitchell y Jacques Dutronc, quien durante décadas fue pareja de Hardy.

Sin darse aires, como quien no quiere la cosa, Françoise Hardy definió su época. Musicalmente, con una voz dulce y triste, unas letras que cantaban al paso del tiempo y los desamores, y unas melodías y arreglos memorables. Estéticamente, con la melena y flequillo, un arquetipo femenino de los sesenta en las antípodas de la rubia Bardot. Fue admirada por Bob Dylan (“Me di cuenta, con medio siglo de retraso, que tuvo una fijación adolescente conmigo”, dijo Hardy en una entrevista con EL PAÍS). Cantó con Iggy Pop y grabó en los noventa con grupos como Blur. A diferencia de coetáneas como Sylvie Vartan o France Gall, ella componía muchas de sus letras, y algunas músicas. Colaboró con algunos de los mayores compositores pop en Francia, como Serge Gainsbourg (L’anamour) o Michel Berger (Message personnel).

Criada en París por una madre soltera, con un padre ausente que estaba casado con otra mujer, Françoise Hardy nunca dejó ser la misma muchacha algo insegura y extremadamente exigente consigo misma que en 1962 irrumpió en la escena musical y de la noche al día se transformó en una estrella. “Crecí con la convicción de ser más fea que la media, y por ello cultivaba unos complejos de los que nunca logré desprenderme del todo”, escribió en sus memorias, Le desespoir des singes et autres bagatelles, publicadas en 2008. “Ayudada por mi guitarra, yo intentaba incansablemente poner en música mis carencias y mis penas”. Sobre sus inicios, también decía, injustamente: “Siempre fui lúcida sobre la trivialidad melódica, la mala realización y la mediocridad vocal de mis primeros álbumes, hasta tal punto que para mí es un suplicio que me hablen de ellos”. Nota aquí.






viernes, noviembre 10, 2023

Orozco - Barrientos

 "Más que evolucionar, nos transformamos"

El dúo cuyano tendrá este fin de semana dos oportunidades de festejo, en el Café Berlín y el Festival Mercedes Sosa. "Intentar hacer cada vez mejores canciones, eso es lo que nos mantiene unidos", argumentan "Tilín" Orozco y Fernando Barrientos.

La antesala de la nota ya provoca risas. Fernando Barrientos, conectado al Zoom desde su guarida mendocina, espera que aparezca el otro: Raúl “Tilín” Orozco, que está en algún lugar en la ruta que une Mendoza con San Luis. “No le crean nada, porque es un mentiroso serial”, dice el primero sobre el segundo, que intenta dar indicaciones de su paradero para conectarse. “¿Te imaginás Tilín astronauta… mi dios?, sigue atacando el de los rulos largos que alguna vez hizo de Tanguito (Tango Feroz), mientras la conversación en espera empieza sobre el tema Capusotto, Saborido y la Pizzería Los Hijos de Puta, y sigue con Barrientos en soledad, hablando sobre las dos presentaciones que el dúo tiene previstas en Buenos Aires. 

Una sucederá este viernes 10 de noviembre en el Café Berlín (San Martín 6656), y otra el sábado, en el Festival Mercedes Sosa en el C. C. Borges. El motivo del encuentro, en efecto, son los veinte años que festeja el Dúo, desde que el premio Gaviota de Plata obtenido en el festival de Viña del Mar marcó el punto de partida que derivó en un devenir marcado por más premios, cuatro excelentes discos (Celador de sueños, Pulpa, Tinto, Regreso), una acendrada interacción con Gustavo Santaolalla como coproductor de los dos discos del medio (los otros fueron “Tilín” y su hijo Gabriel) y Mercedes –nada menos- grabando con ellos la bella “Celador de sueños”. 

“Es una buena oportunidad este momento para hacer una revisita de los cuatro discos que tenemos hasta hoy”, formaliza el cantante y compositor. “Eso por un lado, y por otro, estamos por publicar un disco en vivo basado en dos shows que pensamos con ese fin: el del Centro Cultural Kirchner, y el del Teatro Independencia de Mendoza. La verdad es que el disco en vivo es una asignatura pendiente, porque tenemos muy buena onda con la gente que nos viene a ver… queríamos que ese feedback y esa calentura con ella, queden registrados”.

-Raro que nunca se les haya ocurrido en todos estos años grabar un disco en vivo, habida cuenta, precisamente, de ese plus que generan con el público, que suele ir más allá de lo musical: las charlas entre ustedes, los chistes, el humor cuyano…

Fernando Barrientos: -La cuestión es que una cosa es estar ahí, en la sala, y cagarte de risa con los tipos, y otra muy distinta, ponerte los auriculares... hay un margen muy amplio en esto. Es cierto que nosotros tenemos como plus, en nuestros shows, la empatía que se genera con el público, a través de las anécdotas que surgen, y la espontaneidad en la comunicación, pero trasladar ese clima a un disco es muy difícil cuando alguien está en su casa tranquilo, y se pone los auriculares. Te obliga a ser muy selectivo con el tema del stand up (risas). Digamos que es parte de un desafío, porque son puestas en escena muy distintas. No es lo mismo, como decía, participar en el show y participar de esa dinámica que también se retroalimenta con la gente, y otra muy distinta, estar en tu casa, escuchándolo solo. Nota aquí.



lunes, septiembre 25, 2023

Roque Narvaja

 Qué es de la vida de Roque Narvaja, de “El extraño del pelo largo” y “Menta y limón”: también es aviador y se casó con una fan

Tiene 72 y sigue muy activo.

Ahora tocará en el teatro Broadway, el 29 de septiembre.

Más de medio siglo después (exactamente 56 años) desde que fundó el grupo beat La Joven Guardia, su fundador Roque Narvaja se va a presentar en vivo en Buenos Aires.

El próximo 29 de septiembre en el Teatro Broadway, este cordobés que aprendió a volar y que literalmente la rompió en España en los años '80, vuelve a la calle Corrientes para desgranar un puñado de grandes canciones inolvidables.

Es una tarde cien por ciento Buenos Aires, y una urgente y alocada primavera porteña (perdón Piazzolla) se devoró al tímido invierno. Lo cual equivale a decir humedad, calor, de golpe chaparrones, luego frío y así. Muy típico. Como típica también es la antigua (pero reciclada) confitería histórica donde va a suceder la charla. Un lugar ideal, en Suipacha al 300.

Amigos pioneros

El hombre está solo, medio escondido detrás de una enorme columna de mármol. Se lo ve muy enfocado, luchando contra un plato de comida.

-¿Roque?

Levanta la vista del ojo de bife.

-Sí. O por lo menos lo que queda de él. ¿Querés acompañarme?, pedite algo de comer.

Ese ojo de bife parece tan tierno como una caricia mañanera de Mike Tyson. Habría que pensarlo. Todo el lugar es un hervidero de voces reverberantes, que estallan en los tímpanos como latigazos. Después de la pandemia, por algún mecanismo psicológico misterioso, los porteños necesitamos ir a lugares públicos para hablarnos a los gritos. O sea: peor lugar para un reportaje, imposible. Nota aquí.





viernes, septiembre 22, 2023

Mimi Maura

 "Nuestras canciones siguen sonando vigentes y modernas"

En Midnerely Acevedo, los géneros jamaiquinos conviven naturalmente con el soul, la psicodelia e inclusive el rockabilly. Pero aunque el último disco de la banda de la cantante puertorriqueña es definido por ella como "oscuro, serio y nostálgico", en este show en el local palermitano harán un repertorio "para que la gente baile". Y sostiene: "Nunca me encasillé en un solo estilo". 

Hace poco más de un año, la cantante Midnerely Acevedo y su pareja, el músico Sergio Rotman, recibieron a PáginaI12 en Vicente López para hablar de su último disco de estudio, Alma adentro (2022), en el que los géneros jamaiquinos que le dieron vida a su historia musical como banda entraron en diálogo con el soul, la psicodelia e incluso el rockabilly. O más bien con su apropiación de estos estilos. Y es que ni siquiera el reggae que inaugura ese repertorio, “Hoy el sol brilla a destiempo”, llegaba a sonar al típico reggae. Con lo que Mimi Maura demostró que podía sortear la obviedad, al mismo tiempo que sacaba a relucir su veta más experimental. Si bien no era la primera vez que sucedía, nunca habían hecho un álbum entero bajo esa consigna. Y para ello contaron con la complicidad de varios músicos amigos, al igual que de otros artistas que en esta ocasión pusieron sus canciones al servicio de este proyecto.

La pandemia puso en suspenso la mudanza del dúo a Ingeniero Maschwitz (localidad ubicada en la zona norte del Gran Buenos Aires), por lo que durante varios meses tuvieron que vivir de prestado en la casa que le legaron a su hijo, Leroy, desde donde se puede escuchar con nitidez la arenga de la hinchada de Platense cuando juega de local. Sin embargo, al parecer las cosas volvieron a tomar su curso en esta familia. De hecho, Acevedo atiende a esta entrevista en su flamante hogar en el partido de Escobar. “En la casa de Leroy tenemos una oficina que más que nada la usa Sergio porque aún están ahí sus vinilos. Todavía no tenemos lugar para esa colección acá”, dice la frontwoman puertorriqueña. “En este momento, estoy establecida con mis gatos. Me encuentro estudiando agricultura, porque tengo ganas de armarme una huerta, y me sienta muy bien relacionarme de esta forma con la naturaleza”.

Este viernes, a las 20 hs, Mimi Maura vuelve al escenario de Niceto Club (Niceto Vega 5510). Pero lo hará sin Rotman, quien esta semana viajó a los Estados Unidos para presentarse en Nueva York con Los Fabulosos Cadillacs, como parte de la gira “El León del Ritmo”. Aunque desde hace un tiempo, este prócer de la contracultura argentina se convirtió en una especie de integrante itinerante del grupo que ayudó a fundar. “Hace tiempo que Sergio está con sus proyectos solistas, y por lo tanto hicimos varios cambios. El viene a tocar conmigo cuando puede”, explica Acevedo. “Yo no diría que Sergio se fue por completo. En la pandemia probamos un formato más acústico, adaptada a un trío. Cuando todo se empezó a abrir, rearmamos la banda sin caños ni percusión (la decisión la tomaron luego de la muerte de su percusionista, Toto Rotblat, en 2008). Cuando Sergio termine la gira de los Cadillacs, estoy segura de que volverá a tocar con nosotros”. Nota aquí.



viernes, agosto 18, 2023

Chico Novarro

 Murió Chico Novarro, uno de los grandes compositores de boleros y canciones románticas

El exitoso y querido cantautor argentino falleció en la mañana del viernes, según informó su hijo en redes sociales. Tenía 89 años.

Chico Novarro, nombre artístico de Bernardo Mitnik, murió hoy viernes a los 89 años. La noticia la dio su hijo Pablo Novak en las redes sociales.

El famoso cantautor argentino tenía una larga y exitosa carrera en el mundo de la música. Su fama inicial se dio cuando integró el elenco del Club del Clan, desarrollando luego una exitosa carrera como cantante solista y compositor, con hits que incluso grabó Luis Miguel.

Algunos títulos suyos son Algo contigo, Cómo, Carta de un león a otro y Cuenta conmigo, además de canciones más rítmicas como El orangután y la orangutana o El camaleón. Nota aquí.




sábado, julio 29, 2023

Eliades Ochoa

 “Ahora siento que es el momento adecuado para contar mis historias” 

Fue uno de los integrantes más jóvenes de Buena Vista Social Club, aquel dream team de la música afrocubana. Hoy, a los 77 años, recuperó su veta compositiva, con un álbum de tono autorreferencial, a puro son, boleros y otros ritmos.  “Al que ven cantando y tocando la guitarra siempre es al Eliades campesino", destaca Ochoa. 

El pasado 22 de junio, Eliades Ochoa cumplió 77 años. Cuando lo llamaron para ser parte del proyecto Buena Vista Social Club, hace un cuarto de siglo, era uno de los integrantes más jóvenes. Sus demás compañeros fueron descubiertos por el mundo a su flamante edad. Quizá el caso emblemático fue el de Compay Segundo, quien al momento del lanzamiento del homónimo álbum debut de ese dream team de la música afrocubana ya era un anciano. Más que celebridades, en su Cuba natal todos ellos eran leyendas urbanas. Museos ambulantes. Griots, según la tradición del Africa Occidental, de donde provenían sus ancestros esclavizados. Figuras olvidadas que sólo tenían como goce su instrumento y revisitar ese pasado glorioso. Mientras tanto en el resto de ese Caribe de azul incomparable, que pusieron a sonear y embriagaron con boleros, se les perdió el rastro. De esa generación, la que sorteó el anonimato fue Celia Cruz. Pero porque eligió el exilio.

Con el avance de los 2000, Ibrahim Ferrer, Pío Leyva, Manuel Galbán, Papi Oviedo, Rubén González, “Puntillita” Licea, “Cachaíto López” y Compay Segundo fueron partiendo de este mundo. Uno tras otro. Murieron al menos con el confort de haber conocido el sabor del éxito internacional. Aún les sobrevive de esa formación Omara Portuondo, que a sus 92 años sigue publicando discos y girando, al igual que “Guajiro” Mirabal y Barbarito Torres. Justamente, este último fue inmortalizado en el tema “El cuarto de Tula”, cuando, en medio de un solo suyo de laúd, el cantante dispara: “Se volvió loco, Barbarito…”. Ese fue Ochoa, quien además se tornó en la voz líder de otros clásicos del primer álbum de Buena Vista como “El carretero”, “Candela” y la canción que iza el telón de ese repertorio: “Chan chan”. “Es verdad que mucha gente me conoció a través de Buena Vista, porque fue algo que entró y atravesó el planeta”, asienta el cantante, compositor y guitarrista. Nota aquí.